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James Gunn está cogiendo las riendas del universo cinematográfico de DC y no cabe duda de que su mano carismática se nota de manera notable; pero, ¿llega demasiado ****? Superman es una película que merece la pena ver, pero no está exenta de dudas ni tampoco está libre de esa fatiga que sufre el género superheroico.¿De qué trata?Con Superman (2025), James Gunn da el primer paso en su ambicioso universo DC («Gods and Monsters») entregando una versión del Hombre de Acero profundamente humana, optimista y consciente del mundo que habita. El resultado es una película vibrante y emocional, aunque no exenta de **** mejor: una visión esperanzadora sin caer en la ingenuidadVayamos al corazón de la película: un David Corenswet que encarna a un Superman creíble y carismático, alejado de la frialdad hipermasculina que ha dominado encarnaciones recientes. Su Clark Kent es vulnerable sin dejar de ser fuerte, y su visión moral del mundo es el verdadero motor del relato. Junto a él, Rachel Brosnahan aporta una Lois Lane aguda, decidida y emocionalmente compleja y un Lex Luthor que se come la pantalla en cada aparición que vemos. Sin olvidar el carisma de Mr. Terrific y Krypto.Gunn evita repetir la historia de origen, y eso es un acierto. Su Superman ya está establecido, y el conflicto surge de cómo el mundo lo percibe y cómo él encaja en un entorno sociopolítico polarizado. En este terreno, la película ofrece una crítica sutil (aunque a veces dispersa) sobre poder, medios y responsabilidad. Visualmente, se nota la visión autoral de Gunn, con ese mundo colorido, brillante, más acercado al material original y lleno de **** peor: sobrecarga de tramas y desequilibrio tonalSin embargo, Gunn tropieza en su ambición de construir el nuevo universo compartido. La introducción de múltiples héroes secundarios y guiños a futuros spin-offs entorpece el núcleo emocional de la historia. El segundo acto pierde completamente el foco y el ritmo, se diluye entre tramas paralelas periodísticas y geopolíticas que no pueden interesarnos **** director se atreve a realizar una aguda crítica al conflicto palestino-israelí que termina por lastrar la trama. Tampoco faltan críticas al sistema de medios de comunicación y redes sociales y el sinsentido de las luchas mediáticas de fandoms. Ideas no mal encaminadas, pero que terminan por imponerse demasiado en la pantalla y desinteresar al **** tercer acto, como ocurre a menudo en este tipo de superproducciones, se ve arrastrado por un clímax visualmente excesivo, repleto de CGI poco inspirado y batallas poco memorables. El villano principal, Lex Luthor (un intenso Nicholas Hoult), tiene momentos brillantes, pero su plan se siente genérico en medio del caos **** tono también se resiente: el guion salta entre humor autoconsciente, romanticismo clásico y crítica social con cierta torpeza. Aunque Gunn suele equilibrar géneros con destreza, aquí hay momentos en que el drama pierde fuerza por una ironía mal **** resumenSuperman (2025) es una apuesta valiente que recupera el espíritu esperanzador del personaje sin caer en lo infantil. Su protagonista brilla, su corazón es sincero, y su mensaje es oportuno. Pero sufre por querer ser demasiadas cosas a la vez: introducción de franquicia, historia de amor, alegoría política y espectáculo de **** una película necesaria, interesante y disfrutable, aunque no definitiva. Un prometedor comienzo para el nuevo DCU, pero que aún tiene camino por recorrer para encontrar su equilibrio **** Rincón del Espectador

Hay una fórmula no escrita en Hollywood que dice: si algo funcionó una vez, hazlo otra vez con más ruido. Y así, en plena fiebre por resucitar el cine de espectáculo más directo (Joseph Kosinski tiene la culpa) —ese que mezcla músculo visual, patriotismo sutil y testosterona estilizada— llega F1, el último intento de mezclar emoción de circuito con drama humano al estilo Top Gun: Maverick, pero sobre cuatro ruedas.¿Merece la pena verla? Sí… si sabes lo que vas a ver y sobretodo si lo ves al cine. Si aceptas que no vas a descubrir América y que el guion no es lo más importante, puedes pasarlo muy bien. Porque cuando la película pisa el acelerador, lo hace con ganas.Actuaciones que cumplen sin dejar huellaBrad Pitt (porque sí, el tipo sigue estando aquí a sus 60+ años corriendo como si nada) interpreta a un veterano que vuelve al ruedo para mentorizar a un joven talento. Lo hemos visto antes, claro, pero Pitt sigue teniendo ese carisma que te arrastra. Damson Idris como el pupilo tiene presencia, aunque el libreto no le da mucho con lo que jugar más allá de la típica curva de aprendizaje, orgullo, caída y redención. Otro destacable es Javier Bardem, que da igual lo que le des, él siempre **** que hace rugir a 'F1': el espectáculo realDonde F1 se gana el aplauso (y posiblemente muchas palomitas) es en su ejecución técnica. Nada de coches generados por ordenador ni pistas renderizadas con CGI: aquí todo huele a gasolina y goma quemada de verdad. Carreras rodadas en circuitos reales, con coches reales y acrobacias al viejo estilo. El 70% de la película son escenas de competición, y eso se nota. Y se **** cámara se mete dentro del coche, detrás del volante, a ras de pista… y el espectador también. En eso, F1 es un espectáculo rotundo y adrenalínico, a la altura de lo que uno espera de un blockbuster de **** historia con sabor a manual de instruccionesNo hay mucho que rascar en cuanto a originalidad. El argumento es tan reconocible como el logo de Ferrari. Piloto veterano con cuentas pendientes. Novato con ganas de comerse el mundo. Rivalidad, tragedia, redención. Check, check y check.Todo está telegráficamente escrito desde el minuto uno. Y aunque las carreras se vean reales, el guion las hollywoodiza con secuencias imposibles que ningún comisario de la FIA dejaría pasar ni en sueños.Pero, aunque todo esté visto, funciona. Porque el ritmo no decae y porque la película, al menos, no pretende ser más de lo que es: un show en la **** Rincón del Espectador

En una era saturada de remakes en imagen real, repleta de decisiones discutibles y resultados dispares, llega una adaptación que sorprende para bien. Cómo Entrenar a tu Dragón en su versión live action es, quizás, el mejor intento de este tipo que hemos visto hasta la fecha. Respeta el espíritu de la original, no cae en el exceso de CGI gratuito y consigue emocionar. Así, **** qué esta versión sí funcionaEl gran acierto de este live action es entender que no necesita reinventar nada, sino trasladar con mimo lo que ya funcionó. La historia sigue siendo potente, visualmente sigue siendo épica y mejora mucho en el cine y la conexión entre Hipo y Desdentao continúa siendo el núcleo emocional más fuerte de toda la saga. La recreación del mundo vikingo, el uso brillante del CGI y una dirección que no trata al espectador como un niño, hacen de esta adaptación algo especial.Además, personajes como Astrid o especialmente estoico, padre de Hipo, ganan en profundidad. Las dinámicas familiares y el conflicto entre legado y vocación están mejor desarrollados que nunca.Además, lejos de otras adaptaciones como la de Lilo & Stitch, donde se cargaban al villano o Dumbo, con subtramas muy poco interesantes, esta película sabe donde tiene que tocar y cambiar para hacer de la adaptación una historia aún mejor que la de dibujos animados. Y eso lo podemos ver en ese final tan potente y entretenido que mejora con creces la versión **** recordó en gran media a otra de las mejores Live Action que se han hecho hasta ahora, la del Libro de la **** Live Action merecen una crítica aparteComparar esta película con la versión animada es inevitable, pero también injusto. Las emociones no se expresan igual cuando trabajas con animación que cuando lo haces con actores reales, y las licencias narrativas o visuales no siempre pueden trasladarse de forma literal. En ese sentido, este remake logra lo más difícil: conservar la esencia mientras propone matices **** live actions deben entenderse como homenajes visuales, no como reemplazos. Y aquí, por primera vez en mucho tiempo, Dreamworks lo ha entendido.Igualmente, esto no deja de ser una interpretación de una historia que ya se ha contado, ahora en carne y hueso y más espectacular. Pero no podemos juzgar a esta película como una historia original. Para eso está la versión de 2010 (que por cierto, nos **** Rincón del Espectador

Hay películas que uno ve sabiendo perfectamente lo que va a recibir: tiros, justicia poética y un protagonista con más carisma que líneas de diálogo. La saga The Equalizer siempre ha sido eso: una fantasía de venganza justificada con una moral de andar por casa. Y la tercera entrega no rompe precisamente esa fórmula. Al contrario: la exprime hasta dejarla **** esta tercera (y supuesta última) parte, Robert McCall cambia Boston por un pintoresco pueblito italiano y se pregunta si, después de tantos cadáveres, aún hay redención posible. La respuesta, por si alguien tenía dudas, llega en forma de cabezas aplastadas y mafiosos mutilados. ¿Merece la pena verla? Sí, si sabes a lo que vas. Pero si esperabas una evolución real del personaje o algo más que una postal de violencia estilizada, probablemente te irás con la sensación de que esta trilogía merecía una despedida más… viva.Denzel, el alma que sostiene todoNo es ningún secreto: sin Denzel Washington esta saga no existiría. Aquí vuelve a ponerse en la piel de McCall con su elegancia habitual, ese temple sereno que mezcla ternura y amenaza en una misma mirada. Y aunque el guion no le dé muchas oportunidades para desarrollar al personaje, su sola presencia basta para que uno siga **** algo de ternura en este McCall más vulnerable y reflexivo, como si ya estuviera cansado de tanta sangre. El problema es que la película no se atreve a explorar eso realmente, solo lo insinúa entre cuchilladas. Dakota Fanning, en un reencuentro con Denzel desde El fuego de la venganza, tiene una química decente con él, aunque su papel esté más cerca del trámite que del **** arranque prometedor… que se desinflaLa primera media hora es lo mejor que tiene The Equalizer 3. Nos sitúan en un entorno nuevo, casi de fábula mediterránea, y se percibe cierta intención de calmar el ritmo, de mostrar a un McCall más introspectivo. Todo eso funciona. Incluso parece que la película quiere ser algo más que una orgía de violencia justiciera.Pero conforme avanza la historia, todo se vuelve más formulaico. Aparecen los mafiosos de manual, las amenazas previsibles y los justicieros silenciosos que lo arreglan todo con cuchillos. Lo hemos visto antes. Y lo hemos visto mejor. El guion va en piloto automático y parece que ni siquiera pretende **** que funciona… y lo que noAntoine Fuqua rueda con oficio. Nadie puede decir que The Equalizer 3 no sea una película visualmente cuidada. El uso de la luz natural, los planos del sur de Italia, el contraste entre belleza y brutalidad… todo eso está ahí. Y hay un par de secuencias de acción muy bien resueltas, secas, sin fuegos artificiales.Pero el ritmo general es demasiado irregular. A veces la película se detiene tanto en mostrarte paisajes y silencios que se olvida de contar algo. En otras, atropella todo con violencia sin contexto. Y el resultado es una experiencia descompensada, a ratos muy entretenida, a ratos **** Rincón del Espectador

En un panorama cinematográfico saturado de CGI y películas de acción repetitivas que intentan seguir la estela de John Wick, siempre se ha agradecido una franquicia como «Misión Imposible». Tom Cruise nos tiene acostumbrados a grandes blockbusters llenos de adrenalina, y aunque esta entrega no es una excepción en ese sentido, lo que en la séptima película empezó a intuirse como un pequeño descenso de calidad, ahora se confirma con «Sentencia Final»: la saga parece haber tocado techo y quizá sea el momento perfecto para despedirse con dignidad. Dicho esto, la película sigue mereciendo la pena, especialmente si se disfruta en la gran pantalla.<¿Por qué "Misión Imposible Sentencia Final" no alcanza el nivel esperado?>La saga «Misión Imposible» siempre se ha distinguido por sus icónicas secuencias de acción y su capacidad para mantener el suspense hasta el último segundo. Sin embargo, en esta octava entrega, las escenas de acción han perdido gran parte de esa chispa característica. No se siente la tensión genuina que hacían que los espectadores se agarraran fuerte a las butacas. La espectacularidad sigue presente, sí, pero ya no sorprende ni fascina como en entregas anteriores, especialmente las primeras, que establecieron el estándar del **** otro lado, la trama centrada en una inteligencia artificial llamada «La Entidad» resulta demasiado superficial para sostener la película completa. Le falta profundidad, ingenio y ese punto de conspiración inteligente que la saga solía dominar a la perfección. Y por si fuera poco, el villano es posiblemente el más decepcionante de toda la franquicia: poco carismático, previsible y con una motivación que apenas convence.Además, el film cae en la tentación de alargar en exceso ciertas escenas con diálogos interminables, que básicamente lo único que hacen es desarrollar en exceso la trama y rezar para que llegue ya una escena de acción. Esta palabrería diluye considerablemente el ritmo de suspense y la acción trepidante, precisamente dos pilares fundamentales que han hecho grande a la saga. Y claro, si a esto le sumas sus 3 horas de duración, la película se puede hacer muy larga, algo muy negativo para una película como esta.<¿Pero tiene cosas buenas Misión Imposible: Sentencia Final?>A pesar de sus puntos débiles, la película continúa siendo un blockbuster entretenido y disfrutable, sobre todo por la entrega absoluta de Tom Cruise, quien sigue ofreciendo un espectáculo físico y de carisma innegable. La presencia de algunos personajes secundarios también sigue aportando frescura y cierto interés a la trama, brindando pequeños momentos que los fans de la saga sabrán apreciar.A nivel técnico, la película mantiene la excelencia visual característica de la franquicia, con coreografías de acción que, aunque menos icónicas, siguen estando muy por encima de la media habitual del género. El apartado sonoro y la banda sonora también continúan siendo sobresalientes.<¿Es este el verdadero final de la saga "Misión Imposible"?>«Sentencia Final» parecía prometer una despedida definitiva, pero el sabor agridulce que deja esta entrega puede acabar empujando a Tom Cruise y a Christopher McQuarrie a realizar una última película, esta vez sí, a la altura de una franquicia que se merece despedirse por todo lo alto. O quizás, este debería ser el punto final antes de que el desgaste sea definitivo.<¿A quién gustará Misión Imposible: Sentencia Final?>Esta película será disfrutada especialmente por seguidores fieles de la saga, amantes de los grandes blockbusters palomiteros y en general, aficionados al cine de acción que buscanEl Rincón del Espectador

En una época en la que Disney parece más centrada en reciclar que en innovar, sorprende decir que Lilo & Stitch (2025) es uno de sus live action más cuidados y honestos. La ambientación en Hawái está muy lograda, y hay una intención genuina de capturar el espíritu de la original. ¿El problema? Que si ya has visto la película de animación, no hay demasiado que te vaya a sorprender.Así que sí, merece la pena… si eres muy fan de Lilo & Stitch, o quieres llevar a tus hijos a vivir una bonita historia en pantalla grande. Si no, es posible que salgas pensando que podrías haberla visto desde el sofá.¿Una historia que ya funcionaba, con algunos cambios acertadosLa historia es buena porque ya lo era en la versión animada. Lo interesante es que, en esta nueva adaptación, se han atrevido a dar más profundidad a Nani, la hermana de Lilo, dotándola de más matices emocionales y presencia narrativa. Este tipo de decisiones enriquecen la experiencia y muestran que hay margen para aportar algo nuevo sin traicionar la esencia de la película. Peeero, aunque resulte interesante, no se si es suficiente para justificar toda una película. La comedia no siempre funciona Cuando Stitch aparece, la película brilla. Es tierno, divertido, y su expresividad está muy bien llevada. Pero fuera de eso, la comedia es bastante irregular. Los intentos de humor añadidos cuando Stitch no tienen nada de gracia. Lo único que se salva aquí es Pleakley, que sigue siendo un alivio cómico simpático y funcional y algún guiñó puntual a la película de animación. ¿Y Disney, qué? Este remake vuelve a plantear la misma pregunta: ¿Va Disney a basar toda su estrategia en secuelas, superhéroes, Star Wars y adaptaciones en carne y hueso?Porque si es así, luego pasa lo que pasa, que llegan películas «originales» como Wish que pasan sin pena ni gloria en taquilla, y ya no solo porque no sean Live Action, sino por que los recursos creativos y artisticos se van a otras películas. Disney, en sus mejores años, fue sinónimo de imaginación. Hoy, parece que solo queda la nostalgia como motor **** cine es un espectáculo, sí. Pero… ¿a qué precio? spoiler el cambio de villanoAhora bien, no todo son aciertos. Avisamos de que a partir de aquí hay un spoiler. En esta versión, han eliminado a Gantu, un personaje icónico y con mucho potencial visual, para dejar como antagonista principal a Jumba. El problema es que Jumba no es un villano en el sentido clásico, sino un científico excéntrico que le daba mucha más profundidad al personaje de Stitch en la versión animada, y aquí se queda en la nada más absoluta, y además, al quitarle ese arco narrativo de redención, le quitan también dimensión y profundidad. Y por si fuera poco, nos privan de ver cómo habría sido Gantu en live action, lo cual —para quienes crecimos con la original— es una oportunidad perdida. El Rincón del Espectador

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Es curioso —e irónico— que en el mismo año en el que Marvel ha estrenado la cuarta película del Capitán América, haya sido Thunderbolts la que realmente le dé un atisbo de luz al UCM. En un momento donde la franquicia parece tambalearse más que nunca, esta cinta logra algo que no conseguían desde hace tiempo: levantar una historia con personalidad, ritmo y propósito, aunque sea en pequeñas porciones.Tras una fase marcada por la saturación de personajes, los guiones deslavazados y un sinfín de efectos especiales sin alma, Thunderbolts no solo se posiciona como una de las mejores películas recientes de Marvel, sino que da señales de que, quizá, no todo está perdido.¿Merece la pena verla? Contra todo pronóstico… sí, merece la pena.Thunderbolts: el escuadrón inesperado que funcionaEn Thunderbolts seguimos a un grupo de personajes ya conocidos del universo Marvel —Yelena Belova, Bucky Barnes, Red Guardian, entre otros— reunidos en una misión que ninguno pidió pero que todos, por una u otra razón, necesitan. Cada uno arrastra su propio pasado, sus propios traumas y sus propias contradicciones, y ahí es donde la película encuentra su verdadero valor: en el conflicto interno de sus **** ser una maravilla de película, Thunderbolts demuestra que, con un villano interesante y un guion medianamente sólido, sin tantos agujeros y con un enfoque más contenido, se puede lograr una película más que decente.Y lo más importante: demuestra que si Marvel se centrara más en contar buenas historias con equipos creativos reducidos y coherentes —en lugar de tener 7 guionistas distintos y una sala de montaje caótica—, podríamos volver a ver ese universo trabajado y emocionante que enamoró en sus primeras **** se trata solo de nostalgia: Thunderbolts recupera una fórmula que hacía tiempo que no funcionaba tan bien. Y lo hace con una escena postcréditos que realmente impacta, intriga y genera conversación. Como en los viejos tiempos, sales del cine preguntándote qué será lo próximo… y eso, viniendo del Marvel actual, es mucho **** película sin excesos, pero con una narrativa que funcionaAunque no es la entrega con más acción del UCM, Thunderbolts está lo suficientemente bien escrita y dirigida como para no necesitarla constantemente, destacando ese final tan peculiar. Aquí, los personajes —que muchos consideraban menores o poco interesantes— se redimen y ganan **** propia película bromea con ello, y lo hace con inteligencia. El resultado es que terminas conectando con ellos, interesándote por sus historias y queriendo saber más. Ese “más” que Marvel había perdido en sus últimas fases.Aquí es donde las comparaciones con Guardianes de la Galaxia son inevitables: ambas son películas de grupo, con personajes sin demasiado tirón inicial, y ambas lograron **** sí, en el caso de Guardianes, James Gunn imprimió una personalidad única, un tono irrepetible y un carisma que aún hoy se recuerda. Thunderbolts, no tiene eso, es una película más de oficinas y sin tanta personalidad pero consigue algo muy valioso: reenganchar a una audiencia que empezaba a bajarse del barco **** será tan icónica como Guardianes, pero sí podría cumplir un papel similar en este momento: hacer que muchos espectadores vuelvan a mirar con curiosidad hacia el **** Rincón del Espectador

Este mes ha llegado a los cines, de manera muy silenciosa, la nueva colaboración de Alex Garland y A24, junto con el veterano de guerra Ray Mendoza. Una propuesta bélica que resuena en el espectador y te dejará pensando tras verla, así que podemos decir que Warfare merece mucho la pena; pero atentos porque quizás no es lo que **** apuesta visceralEl largometraje no hace concesiones a la hora de representar la crudeza de la guerra y el terror que produce enfrentar una realidad tan mortífera como visceral. Garland, que ya venía de coquetear con elementos bélicos en una espectacular Civil War, sabe cómo disponer los elementos necesarios para tener al espectador en una situación incómoda y vulnerable. En Warfare, vemos y sentimos todo el proceso de trauma a través de unos jóvenes soldados que enfrentan el peligro de una muerte que parece casi **** escalada de tensión es constante desde los primeros minutos y solamente podemos soltar un suspiro de alivio cuando los títulos de créditos empiezan a aparecer en la pantalla. Que junto a Garland esté dirigiendo Ray Mendoza, uno de los auténticos soldados, no solamente aporta un detallismo minucioso a las maniobras y diversos elementos militares, sino que hace ahondar en una perspectiva psicológica tan dura y extenuante como **** vamos a andarnos por las ramas, las actuaciones del reparto son espectaculares y no es para menos, en Warfare destacan: D’Pharaoh Woon-A-Tai como el propio Ray Mendoza, Will Poulter, Joseph Quinn, Michael Gandolfini o Cosmo Jarvis, entre otros. El reparto consigue gestionar esa carga dramática y transmitir una desesperación que Garland ha sabido captar en su lente, emociones que en el cine bélico suelen quedar opacados por los gritos, los tiroteos y la acción.Cine de impacto que da que pensarTodo en esta película está hecho para poner al espectador contra las cuerdas, en una situación tan desesperada y claustrofóbica como la lluvia de fuego incesante que viven los protagonistas. Los elementos sonoros y visuales pueden aparentar tener un cierto atractivo visual, pero cuando empezamos a ver el primer cadáver y los primeros heridos en la pantalla todo queda eclipsado bajo un manto negro de realidad **** dolor, la desesperación, la inquietud, los bloqueos emocionales y los errores que preceden, consiguen disipar cualquier idealización del frente. Esta película es un ejercicio bestialmente acertado de cine antibélico en todos sus sentidos. Podemos ver algún «pero» en su cierre en créditos, donde se hace un reconocimiento y homenaje a los verdaderos protagonistas de esta historia, pero en un formato lleno de fotografías pixeladas y vídeos del rodaje, que consiguen romper la atmósfera que se había **** resumen, Warfare cuenta una historia real que hemos visto en muchas ocasiones, pero llega como un soplo de aire fresco y en un momento donde es fácilmente identificable en el contexto mundial actual. Buenos elementos técnicos, un reparto de altura y una dirección impecable. Este filme consigue resonar en el espectador como una sesión de terapia regresiva, donde deshacemos los diversos engranajes que conforman un trauma muy **** Rincón del Espectador

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Parece que Disney no puede resistirse a rehacer una y otra vez sus clásicos animados en versión de acción real. En los últimos años, hemos visto adaptaciones de El Rey León, La Sirenita, Aladdín, El Libro de la Selva, La Bella y la Bestia…y muchas más. Algunas han sido éxitos de taquilla, otras han pasado sin pena ni gloria, pero lo que está claro es que el estudio sigue apostando por este tipo de películas en lugar de arriesgarse más con historias originales.¿Es falta de ideas o simplemente un reflejo de lo que quiere el público? Porque, nos guste o no, la gente sigue yendo al cine a ver estos remakes antes que nuevas propuestas originales de la propia Disney, y claro, eso da que pensar. Blancanieves no es una grata sorpresa, es una gota más en un pozo de mediocridad en cuento a cine palomitero se refiere. ¿Por qué Blancanieves no es una buena película? Blancanieves no aporta nada nuevo. La historia sigue basándose en la versión animada de 1937, pero sin el mismo encanto y con «ideas nuevas» que realmente no hacen que ver la película sea algo novedoso. Es más, en los últimos años hemos visto otras versiones del cuento, como Blancanieves y la leyenda del cazador (con un tono más oscuro) o Mirror Mirror (con un enfoque más humorístico). Incluso en España tuvimos Blancanieves (2012), una versión muda y en blanco y negro que sí ofrecía algo distinto (aunque no sea una película para todos los públicos).Aquí, en cambio, nos encontramos con una película que no tiene identidad propia. No es un calco de la original, pero tampoco una reinvención interesante. Y en el intento de actualizar la historia para las nuevas generaciones, pierde la esencia que hizo del clásico algo especial. Una protagonista que no convence y una villana sin carisma Rachel Zegler, la actriz que interpreta a Blancanieves, no lo hace mal… pero no termina de brillar. Quizás porque sus declaraciones antes del estreno le jugaron en contra, creando rechazo en parte del público. Y aunque ella intenta darle un nuevo enfoque al personaje, su interpretación no consigue ser memorable. Por otro lado, tenemos a Gal Gadot como la Reina Malvada, y aquí es donde la película realmente se tambalea. Gadot ha demostrado en el pasado que puede funcionar bien en ciertos papeles (saga A Todo Gas…), pero esta vez se nota fuera de lugar. Su actuación es exagerada y en ningún momento transmite la amenaza o el carisma que debería tener un personaje tan icónico. ¿Y los enanos? Si algo se puede decir de los enanos en esta versión es que… dan un poco de miedo, es gracioso que en un hipotético Live Action se utilice CGI para hacer unos enanos bastante raros. Intentaron hacer que se parecieran a los de la versión animada, pero claro, en un Live Action esto casi nunca sale bien, el resultado habla por si solo. Aunque a veces intentan ser el alivio cómico de la película, sus diseños y la forma en que están representados no terminan de encajar. Parecen más un experimento fallido de CGI que personajes entrañables. Lo nuevo que aporta la película... o lo que intenta **** ha intentado modernizar el cuento con algunos cambios en el guion, como darle a Blancanieves un rol más independiente y alejarla del típico romance con el príncipe. La idea es buena sobre el papel, pero la ejecución no tanto. Estos cambios no terminan de hacer que la historia sea más interesante ni que la protagonista sea más carismática, porque repetimos, eso ya se hizo. En definitiva, es otro remake más que intenta actualizar un clásico, pero sin la magia ni el encanto que hicieron especial a la película original. El Rincón del Espectador

En un panorama cinematográfico donde las franquicias de superhéroes dominan la taquilla y los estudios parecen reacios a arriesgarse con historias originales, la ciencia ficción ha quedado relegada a un segundo plano en el cine. Cada vez es más difícil encontrar propuestas que desafíen al espectador con ideas innovadoras en lugar de depender exclusivamente de la acción y los efectos visuales. Por eso, cuando aparece una película como Mickey 17, basada en la novela Mickey 7 de Edward Ashton, es inevitable sentir cierto alivio. Y si además está dirigida por un cineasta del calibre de Bong Joon-ho (Parásitos, Snowpiercer), las expectativas se disparan.Mickey 17 es una película que apuesta por una mezcla de reflexión filosófica, crítica social y un humor satírico que le da una identidad propia. No es perfecta, pero es una experiencia cinematográfica estimulante que se agradece en el actual panorama del cine **** mejor de Mickey 17Desde el primer minuto, la película atrapa con una primera hora absorbente y divertida. La historia sigue a Mickey Barnes (Robert Pattinson), un «Prescindible» en una misión espacial. Su trabajo consiste en realizar las tareas más peligrosas y, cuando muere, su conciencia se transfiere a un nuevo cuerpo clonado, con todos sus recuerdos intactos. La premisa es fascinante y sirve como base para reflexionar sobre la identidad, la explotación laboral y la obsolescencia del ser humano en un mundo dominado por la tecnología.Bong Joon-ho impregna la narración con una crítica social afilada, abordando temas como la deshumanización en el capitalismo y la desigualdad en el trato de los «Prescindibles» frente a los colonos «valiosos». Sin embargo, el tono satírico con el que se aborda esta temática es un arma de doble filo. Mientras que en muchas escenas funciona a la perfección, en otras se siente forzado, especialmente en el caso de los personajes interpretados por Mark Ruffalo y Toni Collette. Sus actuaciones, si bien efectivas en ciertos momentos, pueden volverse excesivas y rozar la caricatura más en relación a la vergüenza ajena, lo que resta impacto a algunas de las críticas que la película intenta plantear.Robert Pattinson y su brillante actuaciónUno de los mayores aciertos de la película es la actuación de Robert Pattinson, quien una vez más demuestra su gran capacidad camaleónica. En Mickey 17, interpreta varias versiones de sí mismo, dotando a cada una de ellas de matices distintos que las hacen fácilmente diferenciables. Su actuación es contenida pero poderosa, utilizando la expresión facial y la postura corporal para distinguir claramente a cada uno de los **** segundo acto que puede hacerse pesadoSi bien la primera hora de Mickey 17 es absorbente, la segunda mitad puede dividir al público. Aquellos que busquen acción y momentos espectaculares pueden encontrar el ritmo demasiado pausado y algunas tramas secundarias innecesarias. Por otro lado, quienes disfruten del cine pausado y más reflexivo de Bong Joon-ho apreciarán la manera en la que se exploran los dilemas morales y filosóficos del protagonista. No obstante, es innegable que la película podría haber reducido su duración para evitar que ciertos segmentos se sientan alargados en **** Rincón del Espectador

¿Es buena Un Completo Desconocido? 5 años le ha llevado a Timothée Chalamet dar vida y materializar esta versión de Bob Dylan, un artista que es descubierto dentro de un género tan social y hermético en manierismos como es el folk, todo para terminar rompiendo con todo lo establecido sobre su personalidad. ¿Habrá conseguido convencer al público? Desde este Rincón, adelantamos que teníamos expectativas más altas. Bob Dylan contra todos, hasta contra sí mismo Hablemos de los puntos positivos de la película. Un Completo Desconocido cuenta con una producción hermosamente realista, es difícilmente no quedar embobado con esas recreaciones de los años 60 y más cuando el halo que lo envuelve es el de la música folk y el misticismo de la figura de Dylan. La elección de la época, explorar el periodo de la vida de nuestro protagonista, descubrir sus relaciones y adentrarse en ese proceso de composición de piezas tan importantes dentro de la historia universal de la música, resulta realmente mágico. Adentrarnos a la vida de Dylan en los que posiblemente fueron de los momentos más importantes en su juventud, viendo como poco a poco se va conformando esa figura de rebeldía casi natural e innata; sin dejar de ser un reflejo de la sociedad de la época. Ver cómo ser un fuera de serie, no lo hace estar suelto de polémicas y cómo la construcción de ese carácter tan hermético, junto con el incipiente aumento de su fama termina afectando a sus relaciones, llegando a parecer un completo capullo por momentos. Hablemos de la esencia de la película: las actuaciones. Timothée Chalamet hace un buen trabajo como Dylan e incluso sorprende el nivel de dedicación completa al papel de este, llegando a interpretar sus canciones él mismo. La caracterización, los gestos, la impresión que irradia es verdadera y está estupendamente trabajada; pero es la dirección la que termina por llevarnos a este Dylan hasta lo tedioso. Elle Fanning como Sylvie y Edward Norton como Pete Seeger aportan gran presencia a la trama, haciendo que empaticemos con las vidas que transcurren junto a una figura que poco a poco empieza a opacarlos. La fórmula del biopic genérico que parece estar oxidada Hablemos de lo malo, ¿qué no funciona con este biopic? La dirección genérica y al uso de James Mangold, que a pesar de la musicalidad y de la belleza de muchas escenas, acabemos llegando un poco hasta la pesadez. Puede que sea intencional o no, puesto que en la realidad tampoco debía ser fácil oscilar cerca de una estrella creciente como era Bob, pero es que a veces casi que desearíamos estamparle la guitarra a este Dylan para pasar rápido a la siguiente escena. Nos reconocemos entre una de estas dos mujeres protagonistas, cansadas de un personaje que aparece en sus vidas y permanece cerrado sin justificar el porqué de su naturaleza, poéticamente sí termina abriéndose y dando pinceladas de su historia a través de las canciones; pero por momentos todo parece quedar en la superficialidad. El uso continuo de la música hace que el ritmo sea constante, pero pierda epicidad en algunas composiciones, que termina parecer como si viéramos a Chalamet impersonando a Dylan en un karaoke. Por otro lado, la aparición de otra leyenda como es Johnny Cash, termina por ser una caricatura malgastada y sin carisma, un cascarón vacío que interpreta Boyd Holbrook y no termina por convencer. El cierre anticlimático en el festival de Newport con la bochornosa pelea y la figura de Alan Lomax como un viejo que grita hasta las nubes, hacen que esta cinta tenga muchos momentos que se han contado de una forma innecesariamente aburrida. En resumen, lo verdaderamente fascinante de este biopic de Dylan es ver cómo una guitarra, un cuaderno de notas y carácter son suficientes para alterar el orden establecido y crear consciencia. El Rincón del Espectador

[SPOILER ALERT: This review contains spoilers.]

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El cine de terror ha pasado por distintas etapas en los últimos años, desde el auge del «elevated horror» con propuestas más psicológicas hasta el regreso de las cintas slasher llenas de gore y entretenimiento desenfadado como Terrifier. ‘The Monkey’, dirigida por Osgood Perkins y basada en un relato de Stephen King, pertenece a este último grupo y lo hace de manera sobresaliente. Si buscas una película que te entretenga a base de muertes creativas, una atmósfera perturbadora y una buena dosis de humor negro, esta es una opción más que **** juguete maldito y una maldición letalLa historia sigue a Hal y Bill Shelburn, dos hermanos que en su infancia descubrieron un misterioso mono de juguete con platillos. Lo que al principio parece una simple curiosidad infantil, pronto se convierte en una pesadilla cuando descubren que cada vez que el mono choca sus platillos, alguien muere de forma violenta. Años después, el juguete regresa para atormentar a Hal (Theo James) y su hijo, desatando una nueva ola de muertes macabras. Lo interesante de la película es cómo desarrolla la tensión en torno al juguete y la forma en que va dejando pistas sobre el destino de los personajes recordándonos a clásicos como Destino Final. Cada golpe de los platillos anuncia una muerte, pero lo que hace especial a ‘The Monkey’ es la creatividad con la que estas escenas están **** festival de muertes creativas y gore Si algo define a ‘The Monkey’ es su capacidad para convertir la muerte en arte. Las secuencias de violencia están diseñadas con una maestría que recuerda al mejor cine de terror de los años 80. Perkins no se conforma con la brutalidad por sí misma, sino que introduce un componente de creatividad visual que eleva cada asesinato a una categoría casi coreográfica. Desde las muertes más inesperadas hasta momentos que rozan lo grotesco, la película convierte la inevitabilidad de la muerte en una pieza clave de su **** sonido juega un papel fundamental en la atmósfera de la cinta. El inconfundible choque de los platillos del mono se convierte en un elemento auditivo que anticipa el horror con una eficacia inquietante. Cada vez que resuena, el espectador sabe que la muerte es inminente, pero el verdadero juego macabro radica en descubrir quién será la víctima y cómo se ejecutará su destino. Es como una retorcida versión del juego de la botella con la muerte, solo que aquí no hay besos. Ritmo, Atmósfera y Dirección PrecisaOtro de los grandes aciertos de ‘The Monkey’ es su ritmo. Perkins logra equilibrar el desarrollo pausado del misterio con momentos de terror impactántes e incluso pinceladas de humor negro, asegurando que la historia nunca pierda su atractivo. A diferencia de otras adaptaciones de King que a veces caen en la sobreexplicación, esta película confía en la inteligencia del espectador, permitiéndole descifrar sus propios temores y conexiones con la historia. Visualmente, la película es impresionante. La cinematografía de James Hawkinson juega con luces y sombras para crear una ambientación claustrofóbica y opresiva .El Rincón del Espectador

Justin Kurzel vuelve para brindarnos un thriller policíaco tenso y austero como la realidad misma en la que está basada. El director de Macbeth (2015), Snowtown (2011) y La verdadera historia de la banda de Kelly (2019) busca explorar la hostilidad psicológica y la moral humana en The Order.Esta es una de esas películas que respira por sí misma y donde todos los engranajes técnicos están laboriosamente ensamblados; realmente sorprende que en nuestro país haya pasado directamente a streaming porque es un regalo para los sentidos. Desde nuestra perspectiva, es una película muy recomendable pero puede que no guste a todos, a continuación desarrollamos el porqué.¿De qué trata?Basada en hechos reales, The Order narra cómo, en 1983, una serie de robos bancarios, falsificaciones y asaltos a vehículos blindados, cada vez más violentos, aterraron a varios estados. Mientras los confundidos agentes de la ley intentan hallar respuestas, el agente del FBI Terry Husk (Jude Law), destinado en la tranquila y pintoresca ciudad de Idaho, comienza a sospechar que estos crímenes no son obra de criminales **** dirección majestuosaNo hay duda de que Justin Kurzel es un virtuoso a la hora de dirigir y consigue dar un punto de autor a todas sus obras (obviando la infame Assassin’s Creed). Kurzel ha sabido escoger correctamente los elementos que conforman esta película y los hace brillar. La fotografía y música de los recurrentes Adam Arkapaw y Jed Kurzel, junto con el equipo de producción han dado un valor añadido a las imágenes que vemos, añadiendo potencia visual en cada escena. La ambientación consigue destacar con autenticidad, desde los maravillosos parajes, la época de los 80 y esa precisión de un realismo que **** Order derrocha autenticidad en su violencia, en los asaltos y en la psicología de los personajes, donde las actuaciones de Jude Law y Nicholas Hoult se comen la pantalla. Hoult interpreta al líder de un grupo de choque de extremistas nacionales, inspirados por un sentimiento radical y supremacista blanco, que planean desatar una guerra racial devastadora contra el gobierno de Estados Unidos. Mientras tanto, Jude Law como un tenaz y experimentado agente que no teme en actuar a bocajarro; no hace concesiones con nadie y apunta de manera incansable contra los miembros de esta banda armada, mientras el orden local parece pasivo frente a este problema. Además Tye Sheridan despunta como policía local y figura moral, que abre el camino a Jude Law y se va fijando del mismo.Entonces ¿qué falla?The Order peca un poco de tener un ritmo **** momentos en los que la historia avanza a un ritmo demasiado lento, con escenas largas de diálogo o reflexión que, en lugar de profundizar en los personajes o el conflicto, terminan por ralentizar la acción. Esto puede frustrar al espectador que espera algo más ágil y sorprendente. También existe una ambigüedad en la narrativa, donde el enfoque misterioso puede verse como innecesario y confuso. El espectador se siente perdido en algunos momentos y es difícil comprender cuál es el verdadero propósito de la historia, lo que puede alienar a quienes prefieren tramas más claras y directas.Parte del problema puede ser no solamente en la película, sino también culpa de lo que estamos acostumbrados en el cine moderno actual. The Order bebe de la sequedad de los thrillers policíacos austeros de los 70 y del western moderno; camina cerca de unos géneros que no resultan llamativos para el público general, pero que sí busca a una audiencia dentro de un nicho que por lo general suele tener mucho miramiento a la hora de valorar un título como **** estos motivos, es de aplaudir y al mismo tiempo una amarga sorpresa que esta película caiga en estreno a través de plataformas de streaming como factor desfavorable para su visionado, el cual creemos que gana más impacto en la gran pantalla. Mientras tanto, estamos agradecidos de ver propuestas arriesgadas y carismáticas como esta.

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En un panorama dominado por grandes estudios y presupuestos astronómicos, saber que una película como Flow ha sido dirigida, producida, animada y realizada íntegramente por una sola persona es simplemente asombroso. Gints Zilbalodis, el genio detrás de este proyecto, demuestra que no se necesita una fortuna para contar una historia con alma y profundidad. Con un presupuesto no muy alto, esta obra es capaz de competir emocionalmente con títulos de alto calibre como Inside Out 2 o Robot Salvaje, algo que merece ser reconocido. Aunque la trama de Flow es muy simple, la película logra conectar de manera genuina con cada personaje. Lo sorprendente es que, sin diálogos ni un guion convencional, consigue transmitir una experiencia visual y emocional única que hace que valga la pena verla, especialmente en la gran pantalla. Un viaje épico para salvarse y salvar el mundo En un mundo donde los humanos han desaparecido, una gigantesca inundación hace que un gato negro se embarque en un viaje lleno de desafíos en una improvisada arca flotante junto a una variedad de animales. Sin palabras, solo con imágenes y música, somos testigos de cómo estos animales intentan encontrar un nuevo equilibrio y sobrevivir juntos en un entorno completamente transformado. La trama está envuelta en una música que resulta tan hermosa como emotiva. La banda sonora se convierte en una extensión de la narrativa, guiando nuestras emociones y añadiendo profundidad a cada escena. La animación, aunque menos pulida que la de grandes producciones como Robot Salvaje, tiene un encanto peculiar. Algunas escenas son visualmente espectaculares y están diseñadas de manera que complementan a la perfección la simplicidad y la poesía de la historia. ¿Es Flow una buena película? La respuesta corta es sí, aunque depende de lo que busques. Flow no es una epopeya monumental ni una aventura llena de acción. Es, más bien, una road movie animada, en la que el principal objetivo es la supervivencia. A lo largo del viaje, vemos cómo el protagonista, el gato, evoluciona no solo como líder, sino como un puente entre los diferentes animales, quienes poco a poco pasan de ser meros individuos a formar un equipo con un propósito común. Lo que hace especial a Flow es su capacidad de transmitir emociones profundas a través de acciones, miradas y comportamientos animales, sin recurrir a diálogos o situaciones explícitas. La película tiene un aire filosófico que nos invita a reflexionar sobre temas universales como la vida, la supervivencia y el instinto de preservación. En cada escena se respira una sensación de lucha y esperanza que resulta conmovedora. La película también nos muestra cómo, incluso en las circunstancias más adversas, la cooperación puede ser la clave para superar cualquier desafío. Aunque la historia no tiene grandes giros ni un clímax explosivo, obviando quizás la escena tan interpretativa con el pájaro secretario, encontramos un ritmo constante.

Algunas películas tienen ese aire de “obra maestra” que parece diseñado para gustar a todo el mundo. Historias con tramas originales, giros inesperados y actuaciones dignas de aplausos. Añade a esto una dirección ambiciosa y una música poderosa, y es fácil entender por qué muchos críticos y espectadores no dudan en elevarlas a los altares del cine. «Cónclave», dirigida por Edward Berger, es una de estas películas. Fascinante en su propuesta y formidable en su ejecución, pero quizás no tan universal como parece.Aunque es una cinta muy buena, cabe advertir: no es para todos los públicos. Si bien tiene un encanto singular, su ritmo pausado y su enfoque introspectivo pueden alejar a los que busquen emociones más fuertes.Inspirada en la novela de Robert Harris, «Cónclave» nos introduce en el enigmático proceso de elección del próximo Papa tras la repentina muerte del pontífice. A través de los ojos del cardenal Thomas Lawrence (un brillante Ralph Fiennes), asistimos al enfrentamiento ideológico, político y moral entre los principales candidatos al papado. Sin embargo, lo que comienza como un ritual solemne se transforma en un escenario cargado de secretos, intrigas y revelaciones sorprendentes.Música, fotografía y actuaciones: pilares de la películaUno de los grandes aciertos de «Cónclave» es su atmósfera absorbente. La banda sonora, compuesta por Max Richter, intensifica inteligentemente cada escena con una tensión que parece prometer un estallido inminente. Sin embargo, esta intensidad musical, aunque efectiva, puede llevar a expectativas erróneas sobre el tipo de película que estamos **** fotografía, a cargo de James Friend, captura con maestría los imponentes interiores del Vaticano y los rostros marcados de los cardenales, sumergiéndonos en la solemnidad del cónclave. Cada escena, tiene su significado oculto, su belleza está clara, el director lo sabe y por eso se esfuerza lo máximo posible en alargarla lo suficiente para que podamos apreciar cada detalle del plano,En cuanto al elenco, Ralph Fiennes sobresale con una interpretación poderosa. De las mejores interpretaciones del actor en los últimos años, en lo que promete ser una segunda juventud dado a los próximos proyectos que se le vienen por **** principal problema: Parece más de lo que puede parecerEl principal problema de «Cónclave» no reside en su calidad, sino en cómo se presenta. Muchas críticas y opiniones en redes sociales la venden como un thriller cargado de misterio, donde la muerte del Papa es el detonante de una investigación trepidante cargada de conspiraciones y misterio. Pero no es así.Aunque hay pinceladas de suspense, la película es, en esencia, un drama político y religioso. Su ritmo es deliberadamente lento, y gran parte de su interés radica en el funcionamiento del cónclave y las tensiones ideológicas dentro de la iglesia. Las subtramas de corrupción y secretos, aunque satisfactorias, no son revolucionarias.Esto no es algo negativo en sí mismo, pero quienes esperen una película de misterio explosiva pueden sentirse decepcionados. «Cónclave» se cuece a fuego lento, recompensando a los pacientes con un desenlace bien ejecutado, aunque predecible en algunos aspectos.A pesar de estas advertencias, «Cónclave» es una película excepcionalmente interesante. La puesta en escena es magnífica, el guion equilibra bien las tensiones internas y externas, y el final, aunque previsible, contiene alguna sorpresa bastante potente y con un significado bastante polémico que ha dado ya mucho que hablar.

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La vida no siempre sigue el guion que esperamos. Las pérdidas y los golpes que sufrimos pueden cambiar nuestra manera de ver el mundo y, muchas veces, es nuestro entorno el que nos ayuda a encontrar el camino de vuelta a ser quien éramos.Este es el corazón de El peor vecino del mundo, la película protagonizada por Tom Hanks que tienes disponible en Netflix. Dirigida por Marc Forster, esta película adapta la novela Un hombre llamado Ove de Fredrik Backman y se presenta como una reflexión sobre cómo las segundas oportunidades pueden transformar nuestra existencia. Una película que emociona y entretiene En la película, Tom Hanks interpreta a Otto Anderson, un hombre gruñón y solitario que vive atrapado en el dolor tras la pérdida de su esposa. Su rutina meticulosamente controlada se ve interrumpida por la llegada de una ruidosa y alegre familia vecina, liderada por Marisol (interpretada por Mariana Treviño). Entre encuentros incómodos y situaciones inesperadas, Otto comienza a descubrir que abrirse a los demás puede ser la clave para recuperar su humanidad. Aunque la premisa no es nueva, la película sabe cómo tocar las fibras adecuadas para mantenernos enganchados, oscilando con destreza entre risas y lágrimas. Sin embargo, su insistencia en el melodrama a veces resulta excesiva, apelando a fórmulas efectivas que, aunque emocionales, pueden sentirse demasiado calculadas. Aun así, es una historia suficientemente sólida que ofrece una experiencia entrañable, perfecta para quienes buscan un equilibrio entre la comedia y el melodrama. Tom Hanks, como siempre, nunca falla Si algo eleva a El Peor Vecino del Mundo de ser una película normal a una buena película es, sin duda, la actuación de Tom Hanks. Con su característico carisma y habilidad para infundir humanidad incluso en los personajes más odiosos, Hanks convierte a Otto en alguien con quien el espectador puede conectar fácilmente. Aunque no estamos ante uno de sus papeles más memorables, logra aportar una sensibilidad especial que transforma una historia sencilla en algo más profundo. Su capacidad para mostrar las capas del personaje —desde el sarcasmo mordaz hasta la vulnerabilidad más cruda— nos recuerda por qué sigue siendo uno de los actores más queridos de su generación. Lo bueno y lo no tan bueno Uno de los puntos débiles de la película es su duración. Con más de dos horas de metraje, a veces sentimos que ciertas escenas se alargan innecesariamente haciendo la película excesivamente larga de cara al final, lo que habría podido solucionarse con un recorte de 15 minutos. Además, como mencionamos antes, el exceso de melodramatismo puede saturar a algunos espectadores, restando naturalidad a lo que, de otra manera, es una historia conmovedora. Sin embargo, estos detalles no opacan su capacidad para equilibrar la comedia, el drama y el melodrama, lo que la convierte en una opción ideal para una **** tranquila en casa. Una historia con un mensaje claro: Vive El mensaje de El Peor Vecino del Mundo es universal y profundamente humano: nunca es demasiado **** para reconectar con quienes nos rodean y redescubrir la belleza de las pequeñas cosas. A través de Otto, la película nos recuerda que incluso en los momentos más oscuros, las relaciones humanas tienen el poder de sanar y transformar. Es una historia sobre la importancia de la empatía, el perdón y la resiliencia, y sobre cómo nuestros actos, por pequeños que sean, pueden marcar una gran diferencia en la vida de los demás. Además de ser una historia profundamente humana, aborda sin titubeos temas universales y delicados como el paso del tiempo, la enfermedad y el edadismo. En el retrato de un barrio desgastado por los años y acechado por el oportunismo de las inmobiliarias, la película refleja las dos caras en la manera en que la sociedad trata a las personas mayores: a menudo ignoradas o subestimadas, pero también necesitadas de nuestra ayuda y reconocimiento. La película no se limita a denunciar este edadismo que sufren algunos ancianos; también nos muestra cómo pequeños gestos de humanidad pueden devolverles el sentido de pertenencia y propósito. Es un llamado a no olvidar a quienes han contribuido tanto a nuestras vidas y que, a pesar de las adversidades físicas o emocionales, todavía tienen mucho que ofrecer.

La llegada de Los Anillos de Poder a la pantalla prometía una inmersión profunda en el vasto lore de El Señor de los Anillos, pero el resultado dejó a muchos espectadores sintiendo que algo faltaba. La serie, pese a su presupuesto y ambición, no logró capturar la esencia épica que hizo de las películas originales un fenómeno cultural. En este contexto de decepción, La Batalla de los Rohirrim irrumpe como un intento de redención. Con un enfoque anime y la participación de Peter Jackson como productor, esta película no busca superar a la trilogía clásica, sino reivindicar que la Tierra Media aún tiene historias de calidad por contar. Y aunque no sea una obra maestra, logra su objetivo con creces. Una experiencia sólida y entretenida La Batalla de los Rohirrim es, en términos generales, una buena película. Combina con éxito varios elementos que han definido el universo de Tolkien: una historia bien planteada, personajes interesantes, una banda sonora cautivadora y una animación que, si bien no está exenta de problemas, cumple en los momentos clave. Al final, es una experiencia equilibrada que se siente como una carta de amor a los fans y una afirmación de que la Tierra Media puede seguir siendo relevante en la gran pantalla. Aquí encontraremos la clásica historia del villano que busca venganza, con los suficientes giros de guion como para diferenciarla de las demás y en un contexto tan único como el de explicar por qué El Abismo de Helm lleva ese nombre. La nostalgia en la música Es escuchar la canción de Rohan y sentir un escalofrío por todo el cuerpo. La banda sonora se posiciona como uno de los puntos más fuertes de la película. La icónica canción de Rohan regresa para recordarnos el alma guerrera y melancólica de los Rohirrim, pero no se queda ahí.Nuevas composiciones enriquecen este universo sonoro, acompañando perfectamente tanto las escenas de acción como los momentos de introspección. La música no solo complementa la historia, sino que también se convierte en un vehículo para conectar emocionalmente con nosotros, evocando nostalgia sin dejar de ofrecer algo fresco. Los personajes: humanidad y épica Helm Puño de Hierro es el corazón de la película. Se nos presenta como un líder formidable pero falible, cuya humanidad lo hace cercano. A lo largo de la trama, Helm evoluciona, mostrando que incluso los más grandes pueden cometer errores y aprender de ellos. Su hija Hera también brilla, aportando una perspectiva más emocional y un contrapunto interesante al carácter guerrero de su padre. El villano Wulf, por otro lado, comienza con fuerza: frío, calculador y meticuloso. Sin embargo, a medida que avanza la película, su desarrollo pierde consistencia, y sus acciones resultan a veces difíciles de justificar. Este desequilibrio contrasta con el sólido crecimiento de los demás personajes y es uno de los puntos más débiles de la narrativa. La animación: funcional, pero mejorable El estilo anime de La Batalla de los Rohirrim era un riesgo, y aunque en muchos aspectos funciona, no es impecable. Hay planos de una belleza impresionante que capturan la grandeza de Rohan y la intensidad de sus batallas, pero también encontramos secuencias donde la calidad decae, rompiendo por momentos la inmersión. Estos detalles no arruinan la experiencia, pero dejan la sensación de que la animación podría haber sido más consistente, especialmente en un proyecto con un legado tan importante detrás. Te gustará La Batalla de los Rohirrim si Si te gustan los Animes de fantasía y el universo de Tolkien. Es una película muy de nicho donde es importante estar introducido un poco en el universo de Tolkien. Aunque La Batalla de los Rohirrim sea animada, no debe confundirse con una película infantil. Su tono serio, la violencia en las batallas y la profundidad emocional de sus personajes la hacen más adecuada para un público adolescente y adulto. Es una cinta para quienes buscan una historia épica que también hable de las fragilidades humanas.

La película del director australiano Adam Elliot, ‘Memorias de un caracol’ fue la que apagó los focos de la 34ª edición de Fancine, el Festival de Cine Fantástico de la Universidad de Málaga. Una cinta de animación con la técnica de stop-motion que ha sido reconocida en varios festivales (como en Sitges o Annecy) y despunta en la carrera para los próximos Premios Oscar. En ‘Memorias de un caracol’, Adam Elliot nos cuenta la historia de Grace, una niña que vive en su mundo interior y absorta en los caracoles. Huérfana de madre al nacer, Grace nos va narrando, a modo de flashback y en primera persona, su desdichada existencia y sus intentos por sobreponerse a una vida que no cesa de ser injusta con ella: la parálisis de su padre, la separación de su hermano gemelo y la falta de amor de su familia de acogida y de la gente que la rodea. Los caracoles, las cobayas y los libros son sus únicos refugios para escapar de un mundo que le es hostil y agresivo, hasta que conoce a Pinky, una entrañable abuela que será el único punto en el podrá apoyarse para resistir. Narrada de forma magistral por Sarah Snook (‘Succession’) como Grace, la película cuenta con un sobresaliente elenco con las voces de actores como Eric Bana (‘Troya’), Kodi Smit-McPhee (‘El poder del perro’), el compositor Nick Cave y el destacable papel de Jacki Weaver (‘El lado bueno de las cosas’) como Pinky. Con una factura técnica impecable, es encomiable la labor de los animadores para dar vida a los personajes y, sobre todo, reflejar sus emociones y características físicas hasta los más mínimos detalles. La cinta, sin embargo, adolece de un exceso de melodramatismo que hace mella en el espectador, y llega a ser en ocasiones cargante. Aunque esta característica es una de las marcas de la casa de Adam Elliot: la mezcla de momentos hilarantes y desdichados para alcanzar una especie de comedia negra. Un trabajo, en general, muy correcto y que merece la pena ver de Adam Elliot, quien ya ganó un Oscar en 2004 con el corto animado ‘Harvie Krumpet’ y cuyo trabajo sin duda atraerá la atención de la Academia para los próximos premios.

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Siempre hay escepticismo y curiosidad cada vez que aparece una secuela de una película de terror y más cuando la anterior película se convirtió en todo un fenómeno como fue Smile. Smile se caracterizó por ser una cinta que representa los traumas individuales de manera muy perturbadora. Una criatura acecha a las seres humanos durante un periodo de tiempo, va camuflándose con su entorno personal y mediante visiones tétricas va torturando psicológicamente al individuo. Se contagia como una maldición que pasa a través de presenciar una muerte violenta que ha tenido previamente otra persona afectada por la criatura. Al principio las visiones se deja delatar mediante sonrisas, pero poco a poco la criatura va sacando los traumas y miedos del afectado. El peso de la fama Smile 2 presenta a una nueva protagonista, una superestrella del pop que tras pasar por una situación traumática quiere volver recuperada a los escenarios. Bajo la superficie de la trama de terror encontramos diferentes lecturas relacionadas con la presión que afrontan ciertos artistas, la deshumanización que se sufren por parte de una cultura de masas y una industria del entretenimiento tan cínica y cruel que convierten un ser humano en un producto. El terror en esta segunda entrega sirve de telón de fondo para lanzar una crítica en esta película y oye ambas partes funcionan de buena manera. Una fórmula perfectamente depurada Puede que la premisa de Smile no sea del todo original, puesto que ya hemos visto muchas cintas de terror con unos elementos centrales de paranoia y tortura psicológica similar, como pueden ser It Follows, The Ring o Perfect Blue; pero triunfa de manera sobresaliente en la ejecución del horror que vemos. Su fórmula es de un terror efectivo que sabe cómo manejar la incomodidad en la tensión que no deja de escalar. Está repleta de jumpscares, algunos muy bien ejecutados, un ritmo ascendente que acompaña al descenso a la locura de la protagonista. Existe una buena mezcla de horror visceral, perturbador y sangriento. Los efectos técnicos y visuales consiguen hacer real lo surreal y el uso de planos imposibles junto con una música distorsionada nos transmite una sensación desagradable constante. ¿Mejor que la anterior? Como decíamos al principio, a pesar del escepticismo que teníamos por esta segunda entrega, hemos visto un producto sólido e interesante. Podríamos decir que Smile 2 mejora a su anterior entrega en cuanto a ritmo, pero transmite igual y no creemos que sea más perturbadora. El factor de que ya conocemos a la criatura de antemano hace que estemos expectantes y nos esperemos lo peor, pero Smile 1 nos sigue pareciendo más terrorífica. Un punto a favor de esta segunda película es que funciona como película independiente a nuevas audiencias.

Sin entrar en muchos spoilers sobre la película, la historia que trata Jurado Nº 2 es sobre las personas atormentadas, las segundas oportunidades y las diferentes caras que puede tener la justicia. Justin Kemp, nuestro protagonista interpretado por un fantástico Nicholas Hoult que no para de comerse la pantalla, se halla en una encrucijada difícil. Es un hombre que se está curando una terrible adicción al alcohol, va a ser padre y lucha constantemente por ser un hombre recto, se podría decir que es la representación de la redención, pero cuando es escogido jurado y se da cuenta de la magnitud que él mismo tiene sobre la condena del acusado, entra en conflicto consigo mismo. El caso aparentemente va a saldarse con un hombre condenado a pena máxima porque tiene todas las pruebas en su contra, el resto del jurado tiene claro la culpabilidad del acusado, pero Justin tiene información que si comunicara cambiaría la visión del juicio, pero pondría en peligro su propia integridad. Desde ese instante comienza una carrera contrarreloj en la que el propio Kemp intenta que no se condene a la ligera a una persona que aparentemente es culpable, lo que añade más entresijos y hará levantar las sospechas sobre su persona, haciendo tambalear su **** esta trama se plantean varios conflictos éticos y morales ¿Es la no actuación un elemento condenatorio tan culpable como la actuación? ¿Y si se desconocía lo sucedido cuando ocurrió? ¿Cómo de importante es el pasado de una persona cuando se abre un delito nuevo por algo totalmente diferente? ¿Hasta dónde deben concederse las segundas oportunidades? ¿Merecemos “todos” otra oportunidad? Eastwood sigue brillando tras la cámaraEsta película es una joya oculta dentro de la cartelera y de la filmografía del propio director: Clint Eastwood que firma esta sorprendente cinta a sus 94 años. La dirección es sencilla pero impecable, centrada en las actuaciones de Nicholas Hoult, Toni Colette y Gabriel Basso. Como punto negativo, quizás le habrían sobrado 15 o 20 minutos, porque el guion de por sí solo es potente y dramático y perfectamente se podría haber llegado a su conclusión en 90 minutos o menos; pero el trabajo realizado es de notable alto sin duda.Para pensar señoras y señores del juradoJurado Nº 2 nos lanza una crítica directa a la cara sobre qué es ser buena persona, sobre la responsabilidad de daños colaterales, sobre un sistema judicial que condena y tira la llave con facilidad, sobre cómo los intereses individuales afectan a nuestro alrededor y cómo los prejuicios diarios arremeten contra nuestras decisiones y dictan sentencia a la ligera. Esta película te hará estremecerte mientras te pone en dos bandos de pensamiento, desde su comienzo se nos revela todo lo sucedido e iremos viendo la frustración y rotura moral de su protagonista. Para cuando aparezcan los títulos de crédito muchos de nosotros seguiremos frente a la pantalla, pensando qué haríamos nosotros en esa situación y preguntándonos cuál es el peso real de la justicia y coste punitivo del silencio.

Su tratamiento de la locura y la violencia sin sensibilidad pero tampoco sin ser realmente explícito en lo que vemos. Hooper sabe cómo manejar la tensión, sabe cómo horrorizar y jugar con la imagen mental que nuestro cerebro intenta rellenar. Y es que sorprendentemente en La Matanza de Texas apenas vemos sangre, no hay desmembramientos, no hay gore; hay un trabajo de creatividad experimental y una atmósfera creada para llevarnos a un descenso a la locura, que irónicamente no deja de escalar en **** decir, no sabes cuándo va a suceder el terror, no esperas cómo, no sabes si alguien sobrevivirá y no te imaginas hacia dónde va a terminar todo; durante 1h hora y 20 que dura la película, vamos a asistir a un ejercicio de horror bestial. También es una masterclass para todo aprendiz de cine y ejemplo soberbio de lo que es el cine independiente, su falta de recursos no solo fue una limitación a nivel artístico, sino que al mismo tiempo fue una ayuda tanto para sacar todo el carácter creativo del equipo, como para generar esa ambientación que relatamos antes en su rodaje infernal. De la influencia del filme han dado testimonio otros artistas como Stephen King, Ridley Scott, Quentin Tarantino, Wes Craven, Rob Zombie o Guillermo del Toro; el Museo de Arte Moderno de Nueva York incluyó una copia entre su colección permanente y la revista Empire la incluyó entre las 200 mejores películas de la **** este largometraje no hay un solo engranaje mal engrasado, todas las piezas conforman un puzzle tan maquiavélico y afilado como la sierra de Leatherface. La dirección magistral de Tobe Hooper, las actuaciones de todos los miembros de la familia Sawyer y en especial de la scream-queen por excelencia Marilyn Burns, que nos lleva hasta la extenuación. Una fotografía impecable y experimental, influida por esa experiencia en rodar documentales de Hooper que hace que todo sea más realista, con esas sacudidas y movimientos de cámara en mano, planos centrados en la búsqueda de acción/reacción y ese grano y color tan característico. La creatividad perturbadora del atrezzo, los maquillajes, efectos de sonido y música son piezas claves para crear un ambiente enfermizo e impactante. Nosotros como espectadores seguimos a un grupo de jóvenes que entiendes que algo malo les va a suceder porque crees saber cómo funciona el cine de terror al uso, pero al poco que te adentras sabes que esto es diferente. En definitiva, La Matanza de Texas ha sido y siempre será uno de los mayores exponentes del cine de terror, del cine independiente y del séptimo arte en general, una experiencia única, merecedora del éxito y reconocimiento que tiene como película de culto.

Drácula sigue más vivo que nuncaHace poco que nos hemos topado con esta humilde película de terror que pasó desapercibida en cines el año 2023; tan desapercibida que apenas se notó su presencia en salas, pero que ha acabado gustando en redes sociales ahora que ha caído en plataformas **** último viaje del Demeter cuenta el pasaje de travesía realizado por el personaje de Drácula en el famoso libro homónimo escrito por Bram Stoker. En este largometraje viajaremos mar adentro en el buque Demeter en su viaje desde Rumanía a Londres; a través de su tripulación seremos testigos de cómo la presencia del vampiro hará añicos la cordura de los marineros y la sed de sangre acabará con sus vidas.Esta humilde película que nos trae André Øvredal, director de la aterradora Autopsia de Jane Doe (2016) y también Historias de miedo para contar en la oscuridad (2019), es un claro ejemplo de que se pueden seguir haciendo buenos filmes inspirados en otros largometrajes como son los alien exploitation. La premisa es como en El Octavo Pasajero (1979); una tripulación monta a bordo de su navío un cargamento desconocido que terminará por desatar la muerte y la locura durante su viaje, descubriendo que tendrán que matar a la bestia no sólo para salvar sus vidas, sino para evitar que desate el infierno cuando llegue a su destino en tierra **** apartados más concretos en la realización de la película, el reparto y sus actuaciones están estupendas, la ambientación del barco es aterradora por momentos y el español Javier Botet aporta fisicalidad al monstruo que en muchos momentos destaca notablemente; es verdad que uno de los problemas generales es que en algunos primeros planos y secuencias del monstruo con CGI se nota algo de pérdida de realismo, culpa de combinación del maquillaje junto a unos efectos digitales, dentro de un presupuesto **** dejará insatisfecho a nadieEl entorno hostil del mar embravecido, la presencia maligna y sobrenatural de una criatura demoníaca que acecha en la oscuridad y termina por convertir en monstruos a los tripulantes que no terminan de morir. Ver como la bravuconería se pierde ante el terror y los personajes tienen que sacar el arrojo necesario para sobrevivir, hacen que la travesía del Demeter sea a ratos estremecedora. La película consigue lo que propone: entretener con creces. Se traza un buen ritmo de tensión durante todo el tiempo, el buen uso de la sangre en los momentos en los se producen ataques y la aparición de la criatura con un diseño que cambia y crece cuanto más se **** buenas actuaciones, se consigue empatizar con los personajes y no se respira ninguna sensación de plot armor entre ellos, lo que permite que no esperemos cómo se va a desenvolver todo (aunque para los que conozcan la obra original sí puede que esperen cómo termina la historia). Estamos ante una película creativa, efectiva en su cuerpo y forma: una ambientación conseguida con momentos de terror clásico y sin abusar de jumpscares o sobresaltos. En definitiva, es una película palomitera muy recomendada para pasar un buen rato acompañado o en solitario.

Cuando se anunció que Tim Burton retomaría una de sus obras más icónicas, muchos nos llevamos las manos a la cabeza. La idea de una secuela de «Bitelchús», lanzada en 1988, despertó una mezcla de emoción y escepticismo. Habían pasado muchos años desde la primera película, y aunque el personaje de Bitelchús es icónico, parecía que ya había contado su último chisteLa cuestión no solo era si Michael Keaton, ahora 30 años mayor, podría recuperar la misma chispa de su versión original del “bioexorcista” más extravagante del cine. ¿Será Bitelchús 2 una adición valiosa al universo creado por Burton, o simplemente otra explotación de la nostalgia?La buena noticia es que, tras ver «Bitelchús 2», puedo decir que la espera ha valido la pena. Si buscas pasar un buen rato, esta secuela es una excelente elección. Bitelchús sigue siendo uno de los personajes más memorables del cine de fantasía, y esta nueva película demuestra que aún tiene mucho que ofrecer. El rey de los muertos sigue siendo Michael KeatonSi hay que sacar algo en claro de todo esto, es que Michael Keaton es Bitelchús. Cada vez que aparece en pantalla, la película mejora, te lo pasas en grande y es que es un no parar de escenas esperpénticas, chistes, comentarios sacados de tono y un carisma raruno propio de un personaje como el de **** película, aunque tiene otros elementos notables, vive y respira por la energía caótica y magnética de Keaton . Su actuación es una clase magistral en cómo se puede mezclar humor, terror y un toque de locura de una manera increíble. Cada vez que no está en la pantalla, quieres que aparezca, porque sabes que la escena va a mejorar. El problema es que esto no siempre es **** demás personajes quedan un pelín desdibujados. El personaje de Winona Ryder pierde un poco el tono gótico por el cómico y Jenna Ortega no llega a captar tanto interés como el de Lydia en 1988. La caricaturización de algunos personajes puede parecer un poco exagerada, casi como si Burton hubiera tomado prestado el tono satírico de «Mars Attacks!» (otra de sus joyas, aunque menos **** embargo, mientras la película avanza y empiezas a recordar la primera película, te das cuenta de que este enfoque se alinea perfectamente con el universo que Burton creó. La sobrecarga visual y la exageración de las personalidades no solo es deliberada, sino que refuerza la coherencia con la primera película. Los personajes son igual de estúpidos y exagerados que en la película de 1988, y eso al final es algo bueno. ¿Por qué Bitelchús 2 no es una explotación de la nostalgia?La primera película de «Bitelchús» concluye con el personaje atrapado en la sala de espera del mundo de los muertos, ofreciendo un cierre satisfactorio y sin cabos sueltos. A pesar de esto, continuar la historia no se siente forzado. El personaje de Michael Keaton sigue siendo un enigma muy interesante y el mundo de los muertos un lienzo por descubrir para nuevas historias… Por tanto, había suficientes elementos para una secuela que no se sintiera como una mera maniobra **** que hace Tim Burton en esta secuela es lograr un equilibrio aceptable entre su estilo clásico y las tendencias modernas del cine actual. A diferencia de otros directores que han intentado regresar a sus raíces con secuelas **** Ridley Scott con «Blade Runner 2049″—Burton consigue mantener la esencia original de «Bitelchús» sin sacrificar su toque excéntrico. Además, se olvida de explotar por completo los ordenadores de la productora con el CGI para recuperar técnicas tradicionales como el Stop-Motion, que encajan perfectamente con el tono de la película y lo que era **** secuela profundiza mucho más en el mundo de los muertos, y la creatividad desplegada en sus ideas es digna de elogio. Es imposible no ver la película con una sonrisa en el rostro y maravillarse por las ingeniosas y originales propuestas que ofrece.Recomendaría Bitelchús 2Esta película es una carta de amor para los fans de Tim Burton y, en especial, para aquellos que crecieron con su trabajo. Si disfrutaste la original y aprecias el trabajo visualmente distintivo de Burton, Bitelchús 2 te hará sentir como en casa.Igualmente, si te gustan las películas que se ríen de la muerte, las comedias y las sátiras, aunque no seas fan de Tim Burton, esta película también te va a **** si, es importante ver la primera, que tampoco te va a decepcionar.

Hacía tiempo que no veíamos una comedia americana tan absorbente como hilarante y además para la sorpresa de muchos, viene de las manos del director Richard Linklater y del actor Glen Powell. La historia nos transporta al estado de Louisiana, donde un joven y desaliñado profesor de psicología de Universidad combina su trabajo en las aulas con ayudar a la policía en las escuchas de sospechosos que quieren contratar los servicios de un asesino a sueldo. Después de que el policía encubierto de sicario sea suspendido temporalmente del oficio por mala conducta, nuestro profesor llamado Gary Johnson se anima a hacer de cebo como falso sicario, descubriendo una pasión que desconocía: la de estudiar a los sospechosos, disfrazarse y actuar como el “profesional” que los clientes buscan. Lo que Gary no sabía es que este nuevo oficio iba a cambiar la forma de llevar su vida, que además acabaría enamorándose de una sospechosa que busca contratar sus servicios y los problemas que transformarse en el personaje conlleva. Esta película cuenta con un guion tan desternillante como su premisa, una estructura llena de comedia y tensión. Destacamos las actuaciones de sus protagonistas Glen Powell y su química con Adria Arjona, las cuales van a ser el hilo de acción principal de la trama y el papel de Austin Amelio, el policía que sospecha de las acciones de Gary y piensa atraparlo. Una historia basada en hechos reales Para sorpresa de muchos, esta historia está inspirada en hechos reales. El actor Glen Powell, leyó un artículo de Skip Hollandsworth (amigo de Linklater) en Texas Monthly sobre el verdadero Gary Johnson, un veterano de Vietnam que trabajó de manera muy exitosa como un falso asesino a sueldo encubierto para la policía de Houston (Texas), mientras asistía al doctorado de psicología en la Universidad. A finales de los 80, el verdadero Gary trabajó múltiples personalidades para adecuarse al perfil de los clientes que buscaban contratar los servicios de un sicario. Al parecer y bajo la premisa de que todo el mundo desea ver a alguien muerto y nadie está conforme con lo que tiene, Gary consiguió que detuvieran a más de 60 personas que buscaban venganza, un ajuste de cuentas, o simplemente conseguir una herencia. Lo más inesperado: un Glen Powell en alza En serio, ¿qué está pasando últimamente con Glen Powell? Escribe, produce y protagoniza esta historia en la que consiguió que se involucrara Richard Linklater en la dirección. Verlo caracterizado de diferentes personajes, cada cual más extravagante es una de las mejores secuencias del largometraje pero de lejos. Este actor, también no solo está está escogiendo muy bien sus proyectos (ahí están las buenísimas recaudaciones de Cualquiera menos tú y Twisters, ambas de 2023 y 2024), sino que además le hemos visto dar de secundario a principal y cabeza de cartel; para finalmente coronar como principal, productor y guionista de esta Hit Man tan divertida.

Desde que vi el primer tráiler y sin saber que era una película de Shyamalan, la premisa principal de La Trampa me llamó la atención. Había algo en la originalidad de la historia, en el personaje que interpreta Josh Hartnett y en el escenario principal de la trama que me gustaba. No es la primera vez que me pasa, pero al contrario que en otras ocasiones en las que, después de una buena impresión inicial, vas indagando y descubres que en realidad la película es un buen tráiler seguido de una cinta mediocre, en esta ocasión, cuanto más iba escuchando, más me picaba la curiosidad. Me llamó la atención el director, que aunque lleva el peso de haber dirigido El Sexto Sentido como su ópera prima, parece mucho más maduro y suelto en sus historias que en su primera etapa. Me llamó la atención Josh Hartnett o Cooper, un sex symbol de los 2000 al que le habíamos medio perdido la pista después de películas como Pearl Harbor y cuya primera impresión en La Trampa te deja con ganas de saber más. Y me impactó el escenario, un concierto de una cantante top en la ficción que nos podría recordar perfectamente al boom que generan conciertos como los de Taylor Swift. Entonces salieron las primeras impresiones y, aunque no la catalogan como un clásico instantáneo, la mayoría coincide en una cosa: te vas a divertir. Después de haberla visto, tengo una cosa muy clara: no se equivocan. No es la mejor película del director, pero es que Shyamalan las ha hecho muy buenas. Sería como pedirle a Spielberg que hiciera 20 Jurassic Park y 15 Tiburón. Hay un punto en las carreras de los directores en el que se tienen que divertir haciendo sus películas, en ese valle donde tu pasión por dirigir te importa más que las opiniones externas y donde te centras en tus historias, ese valle es el que merece la pena recorrer, y cuando ves La trampa te das cuenta de que a Shyamalan le encantó hacerla. La historia podemos resumirla en el intento de captura por parte de policía de un celebre asesino en serie. Para ello utilizan el chivatazo de que va a estar en el concierto de una famosa cantante Pop para tenderle una trampa y cazarlo.Josh Hartnett interpreta a Cooper, el asesino en serie que lleva una doble vida y acompaña a su hija al concierto. El actor lo borda, podemos distinguir muy bien como el actor se desliza entre la personalidad de un brutal asesino y la de un buen padre que quiere que su hija pase un día inolvidable. Un personaje que en ciertos momentos me recordó a Dexter Morgan (te dejo la crítica de la serie aquí), incluso en su forma de descifrar el lenguaje humano que tanto le cuesta entender a los psicópatas. La película es entretenida, con tintes de comedia negra muy buenos y dirigida con mucho cuidado y mimo, el suspense se mantiene en todo momento y como en todas las películas del director, los giros de guión están a la orden del día, pero en esta ocasión, se opta por hacer giros mucho menos sorprendentes pero que por otro lado funcionan mejor para la trama.

Es difícil hacer esta reseña. Por un lado encontramos un elenco de grandes actores como Cate Blanchett, Jaime Lee Curtis o Jack Black (cada uno en su género), por otro lado, una historia basada en un videojuego lo suficientemente popular como para que la película gane público y lo suficientemente poco popular para que, haciéndolo bien, la película sea un pelotazo. Y por otro lado, un mundo lleno de posibilidades, personajes interesantes y lleno de violencia donde un director al que le encanta la sangre como Eli Roth se divierta a costa de sus personajes, y sin embargo, la película no termina de funcionar. Es incuestionable que la cinta guarda guiños a los fans del videojuego original, que algunos personajes como Lilith o Captrap son divertidos o tienen carisma y que el potencial para hacer algo bueno está ahí, pero no termina de funcionar. ¿Por qué Borderlands no es tan buena? En primer lugar el desarrollo de personajes es prácticamente nulo, es imposible empatizar con la mayoría de ellos, las presentaciones se las ahorran, y no por una buena causa precisamente, en el doblaje en español, incluso le pusieron el doblaje de Drax (Guardianes de la Galaxia) al personaje krieg, todo muy sutil. En segundo lugar, que una película dirigida por un director al que le gusta la violencia, en un mundo a priori lleno de violencia y en una historia donde debe de haber violencia, no tenga violencia es incomprensible. No te digo que decapiten a alguien cada 3 minutos, pero si alguna gota de sangre de vez en cuando. Se nota que la película originalmente iba a ir por un camino y acabo por otro totalmente diferente. La película, no termina de ser ni una buena comedia, salvo por el personaje de Captrap, que de 7 chistes 3 son buenos y 1 muy bueno, ni acción trepidante, ni violencia, ni aventuras… En tercer lugar la historia ya la habíamos visto antes, eso no tiene porque ser malo, pero en esta ocasión no presenta nada nuevo que haga que merezca mucho la pena. La historia intenta ser una especie de Guardianes de la Galaxia mezclada con Indiana Jones pero no termina de funcionar. El villano es demasiado genérico y salvo algún momento en el que se produce alguna acción impulsiva, no transmite terror y eso es un problema. Eso sí, la historia sí se basa por completo en los videojuegos y eso, para los fans si puede ser bueno. ç¿Es Borderlands una película horrible? No me gusta ser una persona que catalogue una película de horrible o malísima, la peli es entretenida y tiene sus cosas buenas como algunos momentos cómicos bastante originales y un planeta del que nos gustaría saber más, pero vas a acabar con la idea de que esto podría haber sido mucho mejor. Por último me gustaría hablar del papel de Kevin Hart en la historia… No actúa mal. Eso es todo.

Volvemos a encontrarnos de frente en la oscuridad de una estación espacial con la criatura de Dan O’Bannon y H. R. Giger, la última vez que la vimos fue en Alien Covenant en 2017, dirigida además por Ridley Scott, el director que dio el pistoletazo de salida a esta saga de terror espacial y esa obra maestra que fue Alien: El Octavo Pasajero. Tras convertirse en un icono del cine, pasar por diferentes medios y desaparecer antes de completar la saga de precuelas, el xenomorfo vuelve para acecharnos en la oscuridad más total. Ahora detrás de las cámaras está el uruguayo Fede Álvarez, conocido por dirigir el violentísimo remake de Evil Dead de 2013 y la perturbadora No Respires 2016. Alien: Romulus nos establece en una colonia minera de la corporación Weyland-Yutani, donde una joven trabajadora llamada Rain y su hermano sintético Andy se embarcan con una pequeña tripulación de amigos rumbo a una estación espacial abandonada llamada Romulus y Remus que está por estrellarse contra un cinturón de asteroides. Los jóvenes buscan unas cámaras de crioconservación que les permitirá llegar a un planeta habitable y libre de la corporación para la que trabajan; pero cuando llegan a la nave despiertan el verdadero motivo por el cual la estación está abandonada. Gritos desde la Nostromo Un punto muy a su favor que tiene esta nueva entrega fugada de la saga, es que sirve tanto como película independiente para nuevos espectadores, como homenaje/hilo conductor de guiños para los más fanáticos de la criatura. Desde el comienzo de la película se van rescatando pequeños easter eggs que algunos están de fondo y otros que son muy obvios, no hay nada más que ver el inicio de la película con la sonda que recoge a la criatura original de 1979 de los restos de la misma USCSS Nostromo. Además aparece alguna que otra cara familiar, herramientas de Aliens e ideas genéticas de Prometheus, la cinta con la Ridley Scott anunciaba su vuelta a este universo de ciencia ficción para contar los inicios de la creación de la humanidad y su relación con la raza alienígena más conocida. En Alien: Romulus se esconden muchos secretos que sorprenderán a los espectadores, las instalaciones son angustiosas, su ambientación opresiva y el diseño de sonido y efectos eriza la piel. La fotografía está súpercuidada para crispar los nervios del espectador y los efectos tanto digitales como prácticos están en completa sintonía; en resumen, el apartado técnico es exquisito y cumple con creces. En cuanto a las actuaciones destacamos la de Andy, muy bien caracterizada por David Jonsson, aunque nos habría gustado ver cómo podría haber agregado más tensión a la trama. ¿La mejor desde Aliens? Siendo justos y realistas, el principal fallo que tiene Alien: Romulus es que carece de originalidad y le falta un poco de cuerpo. La criatura es icónica, pero ya lo conocemos muy bien, tanto por las entregas, como por las distintas variaciones o inspiraciones de otros diseños muy parecidos y repetidos. Aquí produce más crispación los pequeños facehugger o la sorpresa final, que el propio xenomorfo en sí. Viniendo de Fede Álvarez, quizás esperábamos una película más salvaje y sangrienta, puesto que sus anteriores largometrajes derrochaban creatividad en el juego de conseguir tensión o de hacernos apartar la mirada de repulsión con escenas tan locas como en Evil Dead. Sin embargo, las muertes que vemos en pantalla están rebajadas de violencia y en algunas se sucede fuera de cámara y se escabullen del impacto mortal de estas criaturas. La tensión no termina de establecerse en algunas escenas, puesto que no se mantiene ni bien ni mucho, obtenemos respuestas o revelaciones de manera rápida y la cuenta atrás para el impacto de la nave que marca el ritmo de la película se olvida en muchos momentos. Además, el reparto muy limitado de personajes, hace que tengas muy claro desde el principio quién es carne de Xenomorfo y quién no. En resumen, Romulus es una entrega de terror espacial adolescente, donde se han respetado todas las ideas puestas sobre una mesa de 45 años de antigüedad, pero a la que le ha faltado un buen grado de creatividad al menos a la hora de resolver tensión o generar nuevas muertes de parte de la criatura de matar más perfecta del cine.

[SPOILER ALERT: This review contains spoilers.]

Comencemos con el brillo indiscutible de la película: Christoph Waltz en el papel del Coronel Hans Landa. Un personaje capaz de hacerte temblar y reír al mismo tiempo. Waltz no solo interpreta a Landa; se convierte en él. Su dominio de varios idiomas, su capacidad para alternar entre encanto y amenaza con una facilidad escalofriante, y su habilidad para mantener la atención de la audiencia con cada palabra y gesto, hacen de su actuación una de las más memorables del cine moderno. No es de extrañar que haya ganado el Oscar al Mejor Actor de Reparto por este papel. Landa es el tipo de villano que amas odiar, y Waltz lo interpreta con una maestría que deja una huella indeleble. El guión de Malditos **** es una obra de arte en sí mismo. Tarantino es conocido por su habilidad para escribir diálogos a priori ingeniosos y desenfadados y al mismo tiempo crear un ambiente cargado de tensión, y en esta película, lleva esas habilidades al máximo. Cada línea está perfectamente calibrada, cada escena está meticulosamente estructurada para mantenernos al borde de nuestros asientos. Desde los encuentros tensos hasta los momentos más ligeros, el guión nos guía a través de una montaña rusa emocional. La manera en que Tarantino juega con la historia y mezcla ficción con realidad, creando una narrativa alternativa donde el cine se convierte en un arma de venganza, es simplemente genial. Es un recordatorio de por qué Tarantino es uno de los mejores guionistas de su generación. No podemos hablar de una película de Tarantino sin mencionar la banda sonora, y Malditos **** no es la excepción. La selección musical es impecable, combinando una variedad de géneros y épocas para crear una atmósfera única. Desde las composiciones de Ennio Morricone hasta el uso inesperado de «Cat People (Putting Out Fire)» de David Bowie, cada pieza musical está cuidadosamente elegida para complementar y realzar la acción en pantalla. La música no solo subraya las emociones de cada escena, sino que también añade una capa adicional de significado y resonancia, haciendo que la experiencia sea aún más inmersiva. Hablemos de la escena inicial, una clase magistral en la construcción de tensión cinematográfica. La película comienza en una tranquila granja en la Francia ocupada por los ****. El coronel Hans Landa llega para interrogar al granjero Perrier LaPadite sobre la posible presencia de judíos escondidos. Lo que sigue es una conversación larga y cargada de tensión, donde cada palabra, cada pausa y cada gesto está lleno de significado. Tarantino utiliza diálogos pausados y silencios estratégicos para crear una atmósfera de creciente ansiedad. La actuación de Waltz aquí es especialmente impresionante; su presencia magnética y su habilidad para controlar la escena son evidentes. Esta es la escena junto a la presentación de los **** que establece el tono de la película.Quentin Tarantino aporta su estilo inimitable a Malditos ****, fusionando su amor por el cine clásico con su talento para la narración contemporánea. Su dirección es audaz y estilizada, llena de referencias cinematográficas y un uso innovador de la narrativa. Tarantino no solo dirige la película, sino que la coreografía como si fuera una sinfonía, asegurándose de que cada elemento – desde la actuación hasta la cinematografía y la música – trabaje en armonía para contar una historia que es tan impactante como entretenida. Su capacidad para mezclar lo serio con lo absurdo, y lo violento con lo humorístico, es lo que hace que esta película sea tan única. ¿A quién recomiendo Malditos ****? Recomendaría Malditos **** a los amantes del cine que mezclan historia y contextos reales con una narrativa ficticia. A los que les gusten las películas con diálogos ingeniosos y una buena dosis de acción estilizada. Ideal para aquellos que aprecian las películas de guerra con un giro único y un enfoque en personajes bien desarrollados, también es muy importante que te guste la cinematografía de Quentin Tarantino, su estilo está muy presente.

Un atleta que quiere ser el mejor tiene que apostar a lo más alto, su ambición no debe conocer límites y hasta ¿qué está dispuesto a hacer para conseguir su objetivo? Puede que no te apasione el tenis para nada, puede que te la hayan vendido como un largometraje súperpicante y a lo mejor te llevas una decepción; pero esta película tiene una entrada espectacular, desde los primeros minutos va a tenerte en vilo y va a mantenerte así hasta el final. A pesar de lo simple que es la trama y de cómo está estructurada en diferentes saltos temporales (los cuales al principio resultan toscos), la puesta en escena de Luca Guadagnino es aplaudible en todo momento. Desde el ritmo frenético de los movimientos en edición de secuencias, la saturación y contraste de los colores juega a favor junto con la música techno de Trent Reznor y Atticus Ross, a las actuaciones de los tres protagonistas. Destacable la interpretación de Zendaya, la cual mantiene al espectador dudando sobre sus intenciones y las cartas a tomar durante todo el largometraje. La relación que se establece entre estrategia de juego y la personalidad de dos amigos, que compiten juntos y cuando llega la hora de triunfar en el mismo deseo acaban enfrentados. No hablamos solamente sobre deporte, sino la ambición de conseguir el interés de Tashi; este personaje acaba resultando ser el más disruptivo. La historia nos va a tener dentro de un trío amoroso en el que tres jóvenes promesas van a chocar entre sí, pero con una lectura muy humana. Vemos a una joven con ambiciones muy firmes, que se encuentra con estos dos chicos, a los cuales hace competir casi por diversión; pero el tiempo hace mella para todos: las carreras profesionales se truncan, las malas decisiones hacen caer la gloria y las ansias de victoria acaban rompiendo las relaciones afectivas.

¿Adónde debemos ir aquellos que deambulamos por este páramo en busca de lo mejor de nosotros mismos? Creo que no fuimos los únicos que llegamos a una sala de cine el pasado mes de mayo esperando encontrar en Furiosa la misma energía imparable que fue Furia en la Carretera (2015) y salimos de la sala con una reacción totalmente inesperada: ¿Qué clase de locura imparable tiene este hombre en la cabeza?El director George Miller nos devuelve al páramo no para llevarnos a otras dos horas de acción incansable, sino para introducirnos la tortuosa vida de una joven Furiosa, desde su cautiverio inicial por un mesías motorizado como es Dementus y sus esbirros, hasta su oficio dentro de La Ciudadela de Immortan Joe, un caudillo de la guerra a manos de un ejército de fanáticos suicidas. Miller es capaz de conducir tan bien la sensibilidad emocional entre sangre, fuego y carne siendo desgarrada. Esta película da sentido a lo que es un tándem perfecto junto a Furia en la Carretera. El director nos lleva a una historia pausada para mostrarnos la importancia de la naturaleza del ser humano de prevalecer y sobrevivir, una lectura sobre el duelo y la recuperación en un entorno donde apenas hay cabida para el amor; donde la esperanza queda simbolizada en una pequeña semilla esperando crecer. A través del proceso evolutivo de Furiosa entendemos sucesos que pasarán más adelante y cómo se presenta al personaje como un ángel oscuro que movido por la venganza y que termina impartiendo justicia ante la tiranía. Aquí no hay nada al azar, se muestra un universo vivo en detalles, diseños extravagantes y secuencias magistrales, donde todo tiene un uso particular. Las actuaciones se mueven en ese mismo espectro: la relación de Anya Taylor-Joy y Tom Burke (el cual nos trae un parecido a Max), centrados en la fisicalidad y emoción más puramente expresivas. Así como el excéntrico Chris Hemsworth en su papel de Dementus, un villano narcisista que ha dejado atrás el sufrimiento y es un lagarto adaptado a los placeres dolorosos que la nueva sociedad plantea, ambicionando el poder por encima de todo. Dentro de los puntos flacos de la película podemos destacar la banda sonora de Junkie XL, la cual no termina de destacar en una película donde reina la épica y la ausencia de diálogos. El diseño de producción es riquísimo en creatividad, pero es eclipsado a veces por el uso del digital en algunas escenas. Además de que la película tiene un buen ritmo seccionado en capítulos y se hace llevadera, es posible que sus 2h y media de duración pueda echar para atrás a muchos espectadores. Furiosa es la última pieza que da sentido a cómo entender el universo post-apocalíptico creado por George Miller en su completo: un collage humanista, poético y violento; donde a pesar del aparente caos que reina en él, personajes torturados buscan la redención o se pierden en el camino, mientras nosotros somos meros espectadores en la distancia del tiempo como si de antiguas historias mitológicas se tratasen. Solo queda esperar qué dice el tiempo sobre ella y cómo termina de establecerse en un momento donde las salas de cine son tan similares al páramo desértico y escaso de vida como en el que habita Furiosa.

No llevábamos ni 15 minutos de película cuando Deadpool se auto proclamaba el Jesucristo de Marvel. Y no es para menos, después de unas películas mediocres y de otras tantas series que tampoco daban la talla llegaba Ryan Reynolds y nos prometía el regreso de uno de los personajes más carismáticos del mundo superheroico: Lobezno. En una época donde el mundo de cinematográfico de los superhéroes esta cada vez más explotado y el consumidor medio se está empezando a aburrir ya de los trajes y los superpoderes, Deadpool llegó para, en una clara autocrítica al mundillo, dar un atisbo de esperanza a los que creemos que el género aún puede darnos grandes cosas. Está claro, si te pones a leer las críticas profesionales, aunque tienen a ser más positivas, la película es un claro fracaso. Menos mal, que algunas veces el público y la crítica no están de acuerdo. Deadpool y Wolverine es una película creada para el disfrute del público. Y lo consigue con creces. Es normal que la crítica profesional le de caña, seamos sinceros, la historia no es del todo buena ni está muy bien desarrollada, algunos chistes no tienen gracia y las constantes autorreferencias a películas que fracasaron en Marvel (no nos matéis, hablamos de Blade Trinity con un jovencísimo Ryan Reynolds también en el elenco) pueden llegar a abrumar, pero sorpresa. Nos da igual. La película es divertida, la historia se pasa rápido, la acción mola, las escenas post-créditos son muy buenas y Wolverine… Hugh Jackman, te echábamos de menos. Lobezno y Hugh Jackman consiguen que de verdad queramos verlos hasta los 90 años. Rebosan carisma, físico, testarudez y furia. Solo por ver a nuestro X-Men favorito con su traje amarillo merece la pena visionar la película. No todo es perfecto, como mencionaba antes la historia es demasiado básica y el final, aunque épico, no deja de ser otro cliché del mundo de los héroes. Un sacrificio que no lo es tanto, y una villana muy fuerte que es destruida por querer abusar de su poder por un berrinche un poco infantil. Aunque como me alegra que no cierren la puerta a poder ver más a Deadpool y Lobezno juntos en pantalla. Hay tantos chistes, que por probabilidad todos no iban a ser buenos, de echo hay algunos que dan vergüenza ajena, pero se compensa con los momentazos que encontramos a lo largo de la película. Bye bye bye… Otra cosa que funciona a la perfección es la música, ya sea por esa intro que se cuela en el top 3 de las mejores de Marvel, como por todas las canciones elegidas para las peleas o momentos épicos. Tirar de clásicos no siempre es malo, y recuperar algunos como este de NSYNC le da a la película toque necesario para que no pierda ritmo, Recomiendo Deadpool y Wolverine a: Si te gustan las películas de comedia violentas, las pelis de superhéroes, eres fan de los X-Men o simplemente te gusta Lobezno, esta película te va a encantar. A los demás, si igualmente soportáis la sangre y os gusta la acción, vais a disfrutar igualmente de una película que se pasa muy rápido.

Boy Kills World te deja con la sensación de haber descubierto una auténtica joya, ha pasado desapercibida, pero es una de esas rarezas que parece hecha a medida para los que disfrutan de la violencia desenfrenada, la comedia irreverente y las historias de venganza que no se toman a sí mismas demasiado en serio. Esta película es una auténtica sorpresa, una mezcla explosiva entre Deadpool, John Wick, y Kick-Ass. Desde el primer minuto, te atrapa con su combinación única de violencia estilizada, comedia oscura y una narrativa de venganza que se desenvuelve de forma tan frenética como emocionante. La violencia es brutal, pero con ese toque de humor oscuro que hace que te rías mientras dices: «¿Pero qué acabo de ver?», solo digo que no pierdas de vista la escena del rallador de queso. El protagonista, interpretado por Bill Skarsgård (sí, el mismo que hizo de Pennywise en It), es simplemente perfecto en su papel de antihéroe mudo y letal. Su actuación es la columna vertebral de la película, y su carisma, aunque más sutil que en otros papeles, te mantiene enganchado desde el primer minuto. Aunque el protagonista es mudo, gracias a su forma de hablar al espectador mediante sus pensamientos, rompiendo así la cuarta pared de una forma original, nos deja una gran cantidad de escenas de comedia bastante originales que hace que incluso en esos momentos donde la acción se para, te diviertas. La música de Boy Kills World es otro punto fuerte. La banda sonora es vibrante y cañera, cada canción fue introducida para elevar las escenas de acción a un nuevo nivel, unas escenas que, por cierto, son una auténtica maravilla. Hay algunas secuencias tan sorprendentes e inesperadas que, honestamente, no sabrás si reír, gritar o ambas cosas a la vez. La película no se corta en ser creativa con la violencia, y eso es lo que la hace tan única y entretenida. Es como un videojuego llevado a la gran pantalla, pero uno de esos que realmente te gustaría jugar. La trama, es una de tantas historias de venganza de las que ya hemos disfrutado antes, pero al menos se reserva un factor sorpresa, que aunque pudiera ser esperado, no deja de salirse de lo convencional para disfrute del espectador y nos deja una de las escenas finales más épicas y entretenidas que recuerdo este año 2024. Si tuviera que ponerle un pero a Boy Kills World, este sería que, aunque su duración es de 2 horas (y una escena post-créditos); la historia, llegada al final, puede parecer un poco larga, pero nada que no se pueda soportar con la traca final, que te deja totalmente satisfecho. Recomendaría Boy Kills World a: Si eres de los que disfrutan con el humor negro de Deadpool, la precisión letal de John Wick, y la irreverencia colorida de Kick-Ass, mezclada con violencia y un poco de gore, esta película es para ti. Es ideal para esos días en los que quieres desconectar del mundo y sumergirte en una historia que te haga reír, asombrarte y decir «¡Qué pasada!» y que al terminar, solo puedas recordar esos momentazos que te deja la peli, sin pensar demasiado en otras cosas.

Si tuviera que hablar de película de infancia, esa sería La Isla. Dejadme llevarlos de vuelta a 2005, un año en el que me encontré en una sala de cine con apenas 10 años, sin esperar ni saber qué me iba a encontrar, solo algo sobre una isla y persecuciones de coches, todo por cortesía del maestro de los fuegos artificiales, Michael Bay. Sin embargo, lo que descubrí fue una mezcla fascinante de ciencia ficción reflexiva y el sello inconfundible de la acción de Bay que, contra todo pronóstico, me dejó prendado desde entonces. Puede no ser la mejor película de la historia, pero llegó en el momento justo para que mi yo de 10 años se quedara prendado, y eso es lo más importante. Michael Bay es un director conocido por su estilo inconfundible: tomas rápidas, colores saturados, ángulos de cámara dramáticos y, por supuesto, explosiones que desafían la lógica y la física. En La Isla, estos elementos están a la orden del día. La película está llena de escenas de acción trepidantes, con persecuciones de alta velocidad y explosiones que hacen que tu asiento vibre. Pero, a diferencia de algunas de sus otras obras que pueden sentirse huecas, La Isla presenta una premisa intrigante que te atrapa desde el principio. La historia de los clones y la supuesta utopía de la isla introduce un toque de ciencia ficción que plantea preguntas éticas y filosóficas sobre la identidad y el valor de la vida humana. La trama se centra en Lincoln Six Echo (Ewan McGregor) y Jordan Two Delta (Scarlett Johansson), dos residentes de una instalación futurista que creen que son los últimos sobrevivientes de un cataclismo global. Descubren que, en realidad, son clones criados para proporcionar órganos y tejidos a sus contrapartes humanas ricas. La revelación de esta verdad es un golpe maestro que transforma la película de un thriller de acción a una reflexión sobre el sentido de la vida y la moralidad de la clonación. Esta premisa, que podría haber sido relegada a un mero telón de fondo para la acción, se desarrolla con suficiente profundidad para mantener tu interés más allá de las secuencias de explosiones. Es aquí donde La Isla brilla: en su capacidad para combinar el entretenimiento de alto octanaje con una historia que realmente te hace pensar. Y hablemos de la banda sonora, porque, honestamente, es un componente crucial de por qué esta película me ha dejado una marca duradera. La partitura de Steve Jablonsky es nada menos que épica. Los temas musicales complementan perfectamente las escenas de acción y los momentos de introspección. La música tiene esa capacidad de hacerte sentir cada explosión y cada momento de revelación con una intensidad que te deja sin aliento. ¿Recomiendo La Isla? Recomendaría La Isla a los fanáticos de la ciencia ficción que también disfrutan de una buena dosis de acción. Si te gustan las películas que combinan conceptos intrigantes con explosiones que te hacen saltar de tu asiento, esta es para ti. Es perfecta para aquellos que aman un buen thriller distópico con un toque de reflexión filosófica sin irse a clásicos más pausados aunque fascinantes como Blade Runner. Síguenos en **** para más contenido.