Lajaleaa

"Even my dreams need rewrites." . ( 84/100 ) . Hay cierta emoción que los artistas tenemos cuando vemos este tipo de proyectos. El valor narrativo de esta obra logra superarse a si misma y revelar el potencial y valor real de la persona detrás de todo este proyecto. Escrito, dirigido, protagonizado y co-producido por Radha Blank: una mujer que está saliendo de entre la multitud a su avanzada edad para declarar su propio brillo. Aún así, el mensaje de la película no es "las cosas se darán a su tiempo" sino que es una historia importante y realista que dice: "ahora o nunca". Radha se demuestra ser una poeta versátil con su léxico y una importante escritora por la esencia, sensibilidad y emoción que logró con su narrativa en esta historia. Aparte de su perspicacia verbal, simplemente la energía que le da a sus versos y la sátira en sus conflictos verbales equilibran un viaje personal que no me cansaré de escuchar. El blanco y negro en la cinematografía le da textura a la historia, y la transición final explica esta misma decisión fotográfica, que, aparte de ser muy sensible con la realidad y los detalles que escoge de la cotidianidad, también justifica y le da sentido a la etapa emocional por la cual está pasando la artista. Y la música. Simplemente hay una selección musical genial. Los beat originales no son una maravilla, pero permiten la fuerza de la voz y letra de esta agobiada y cansada mujer. Todo es sobre Radha y aún así la falta de egoísmo en la historia y su personaje es de admirar. La catarsis muestra a una persona acostumbrada y acomodada a ceder tanto que decide tomar las riendas de su propia voz y comienza a exigir su propio reconocimiento. El final es ese equilibrio de madurez y respeto que se admira al demostrar que no todo lo que no te gusta de ti está destinado a ser un fracaso, pero tú sí estás destinado a ser un fracaso si no eres parte de tus éxitos.

( 90/100 ) . La película debut del actor y director de teatro Joe Mantello logró una pieza de cine teatral que fluye con las palabras y los discursos de sus personajes. Estos están tan bien construidos fuera del guión que, una vez dentro, el talento recita y hace brillar las palabras y la personalidad en cada discurso. El conflicto verbal es simplemente completo, inteligente y abarca dilemas y problemas que son tan reales y existen con tanta fuerza en la comunidad LGBTQ+ que "The Boys In The Band" gana una importancia necesaria de reconocer. Al terminar de ver el film, se siente lo pesado de meramente ser alguien y la culpa de querer disfrutar ser uno mismo. Los resentimientos, la ansiedad, los tormentos de no ser "normal" y la urgencia en "ser parte de", en la sociedad, en la misma comunidad y de uno mismo, se vuelven palpables, claros e innegables. El guión es el mejor que he visto en mucho tiempo gracias a la tensión, el miedo y pánico que existe en las palabras que se recitan, así mismo la presión desbocada de poder expresar una a una las emociones que se retienen en la vida entera. En ese aspecto, Jim Parson, Matt Bomer, Andrew Rannells, Tuc Watkins, Michael Benjamin Washington, Robin De Jesus y Zachary Quinto, todos y cada uno, tienen un momento muy importante de brillar, tanto en actuación como en guión, en discurso y en personalidad. En la cuestión técnica, existe un ritmo que se admira por respetar la naturalidad de la interacción y la personalidad de la situación completa. La edición le da lugar a las interrupciones, los discursos entrecruzados, las reacciones del perímetro y la profundidad visual. Como ver todo lo que sucede con todos y en todos lados en una obra de teatro. Con un elenco impresionante, un guión inigualable, poderoso y lleno de suspenso, y con elegancia técnica, "The Boys In The Band" por Joe Mantello se lleva el lugar más especial del cine del 2020 en mi corazón. - Actor and theater director Joe Mantello's debut film is a theatrical piece of cinema that flows with the words and speeches of its characters. They are so well developed outside of the script that, once inside, the talent recites and makes the words and personality shine in each speech. The verbal conflict is simply complete, intelligent, and embraces problems and dilemmas that are so real and exists with such a strength in the LGBTQ+ community that “The Boys In The Band” wins a relevance that must be acknowledged. At the end of the film, it can be felt how heavy it can be just to merely be someone and the guilt of wanting to enjoy oneself. The resentment, the anxiety, the torments of not being “normal” and the urge to “be part of” in the society, in the community, and of oneself, become tangible, clear, and undeniable. The script is the best that I've seen in a long time, given to the tension, fear, and panic that exist in words, just like the flooded pressure of being able to express, one by one, the withheld emotions of a lifetime. In that aspect, Jim Parson, Matt Bomer, Andrew Rannells, Tuc Watkins, Michael Benjamin Washington, Robin De Jesus, and Zachary Quinto, all and each one of them, have a really important moment to glow, both in acting and with the script, on speech and personality. On the technical side, there's a rhythm admired for respecting the naturalness of the interaction and the personality of the whole situation. The editing gives place to the interruptions, the crisscrossed speeches, the perimeter reactions, and the visual deepness. Like seeing what happens with everyone and everywhere in a theater play. With an astonishing cast, an unmatched script, powerful and full of suspense, and with technical elegance, “The Boys In The Band” by Joe Mantello takes the most special place of the 2020 cinema in my heart.

( 92/100 ) . En este momento trágico la industria del entretenimiento está innovando soluciones a una velocidad alarmante para no desaparecer las toneladas de dinero que la mantienen a flote. Una realidad vergonzosa de un arte indispensable. En medio de la tormenta está Nolan, abrazando a "Tenet" como una gran esperanza del cine. Lo primero en resaltar es la música. La primera colaboración entre Nolan y Ludwig Goransson crea un aura que complementa de una forma magnifica la velocidad y tención narrativa. Un trabajo hermoso por parte de Goransson. El festival de efectos visuales y la complejidad del concepto cautivarán al público de diferentes formas. Este no es su mejor trabajo visual, pero hay un sentido de valentía e intelecto en la mecánica de toda la película. Aprecié mucho eso tanto como el fuerte lazo entre lo visual y lo narrativo. Nolan explora una concepción del tiempo y espacio compleja de asimilar y se agradece la fuerte coherencia entre la imagen del espacio y el tiempo narrativo. La autenticidad, frescura y complejidad del guión puede comprometer al público, especialmente por la velocidad en la que suceden los eventos, pero yo lo tomo como un ejercicio de habilidad mental que, con una atención y una mente crítica, las resoluciones estimulará a los más concentrados. En cuestión a la actuación no hay mucho drama, pero la tensión que se logra es adecuada y proviene de la interacción entre los delirios de grandeza de Kenneth Branagh y el resentimiento de Elizabeth Debicki. Fuera de ellos, los personajes tienen personalidad y actitud, y la prontitud de la química entre John David Washington y Robert Pattinson facilitan el enfoque en la meta. "Tenet" es una experiencia que vale mucho la pena tener. En medio de su complejidad, hay un espectáculo muy interesante de ver y, aunque volvamos varias veces al film para encontrar respuestas, siempre será un viaje lleno de emoción y sorpresas. - In this tragic moment, the entertainment industry is innovating solutions at an alarming pace to keep the tons of money that keep it floating. A shameful reality of an essential art. In the middle of the storm is Nolan, hugging “Tenet” as a big hope for cinema. The first highlight is the music. The first collaboration between Nolan and Ludwig Goransson creates an aura that superbly complements the narrative speed and tension. A beautiful work by Goransson. The festival of visual effects and the complexity of the concept will captivate the public in different forms. This is not his best visual work, but there is a sense of bravery and intellect in the mechanics of the whole film. I appreciated this as much as the strong bond between the visual and the narrative. Nolan explores a conception of time and space sufficiently complex to assimilate, and that is appreciated the strong coherence between the image of space and the narrative time. The authenticity, freshness, and complexity of the script might compromise the public, especially due to the speed at which the events happens, but I take it as a mental ability exercise that, with attention and a critical mind, the resolutions will stimulate the concentrated ones. About the acting, there is not much drama. But the tension that is accomplished is adequate and derives from the interaction between the delusion of greatness of Kenneth Branagh and the resentment of Elizabeth Debicki. Apart from this, the characters have personality and attitude, and the promptness of the chemistry between John David Washington and Robert Pattison facilitates the focus to the goal. “Tenet” is an experience that is worth a lot. Amidst its complexity, there is a very interesting show to watch and, even though we may have to go back to the film several times to find some answers, it will always be a journey full of excitement and surprises.

( 83/100 ) . Aparte de escribir "Being John Malkovich" (1999) y "Eternal Sunshine Of A Spotless Mind" (2004), el esporádico director llamó la atención con "Synecdoche New York" (2008) y "Anomalisa" (2015). Ahora Charlie Kaufman presenta una producción de Netflix: "I'm Thinking Of Ending Things", la experiencia cinematográfica más importante del 2020. La fotografía, por Lucasz Zal, es bella, profunda y sensible. La escenografía es igualmente versátil y brinda una carga simbólica interesante en sus detalles. El vestuario y maquillaje se adaptan profesionalmente al ritmo de la historia y existe una interacción muy poética entre los personajes y las diferentes dimensiones visuales que construyen la historia. El elenco tiene una dinámica definitivamente profesional. Jesse Plemons y Jessie Buckley logran una relación intensa entre dos concepciones chocando en un mismo cuerpo. Buckley luce un bello talento con un futuro hermoso en el cine. Por su parte, Toni Collette y David Thewlis interpretan audaz e increíblemente a dos personajes complejos y esenciales. Los cuatro se adaptan a un ritmo que desenvuelve una historia demasiado grande para digerir con gusto. Basado en la novela de Iain Reid y adaptada por Kaufman, la película comete el error narrativo de ser indirecta con su propósito y eleva el nivel de dificultad de su existencialismo al darle un cuerpo y voluntad a la conciencia misma. Cualquier interpretación personal puede ser un potencial spoiler, pues la película se recarga en lo visual para dar sentido a su propia voz. Hay una sentido detrás de todo esto pero la respuesta está más escondida de lo adecuado. La complejidad de esta película puede ser contraproducente, pero el nivel de detalle y simbolismo alimenta la muy sedienta experiencia cinematográfica que hay en estos tiempos. Aún sin pandemia, esta película es un aporte importante al repertorio de películas que explotan la experiencia visual que solo el cine puede brindar. - Besides writing “Being John Malkovich” (1999) and “Eternal Sunshine Of A Spotless Mind” (2004), this sporadic director called attention with “Synecdoche New York” (2008) and “Anomalisa” (2015). Now Charlie Kaufman presents a Netflix production: “I’m Thinking Of Ending Things”, the most important cinematographic experience of 2020. The photography, by Lucasz Zal, is beautiful, profound, and sensible. The scenography is also versatile and provides a big symbolism weight in its details. The custom design and makeup adapt professionally to the story rhythm, and there’s a very poetic interaction between the characters and the different visual dimensions that build the story. The cast has a definitely professional dynamic. Jesse Plemons and Jessie Buckley achieve an intense relationship between two conceptions crashing in one same body. Buckley outshines a beautiful talent with a bright future in cinema. Meanwhile, Toni Collette and David Thewlis play incredibly and with audacity two complex and essential characters. The four of them adapt to a rhythm that unfolds a story too big to digest with ease. Based on the novel of lain Reid and adapted by Kaufman, the movie makes the narrative mistake of being indirect with its purpose and raises the level of difficulty of its existentialism by giving a body and a will to the consciousness itself. Any personal interpretation could be a potential spoiler since the movie leans on the visual aspect to give sense to its own voice. There is a sense behind all of this, but the answer is hidden more than the appropriate. The complexity of this movie can be counterproductive, but the level of detail and symbolism feeds the thirsty cinematic experience that exists in these times. Even without pandemic, this movie is a big contribution to the repertoire of movies that exploit the visual experience that only the cinema can deliver.

( 72/100 ) Greg Rucka publicó "The Old Guard" en el 2017 y Skydance adquirió los derechos inmediatamente para producir un live-action de este comic. Estrenada en Netflix y dirigida por Gina Prince-Bythewood, quien conquistó al público con "Love And Basketball" (2000) y "Beyond The Lights" (2014), ahora regresa con una nueva película muy entretenida. Aun cuando no hay un esfuerzo cinematográfico y fotográfico importante, pues la acción sucede a un ritmo que no permite la poética visual, la escenografía se adapta versátilmente a las demandas de la historia. No importa la época o el lugar, el vestuario y la puesta en escena le dan realismo al momento. El origen de la historia es muy violento, y gracias a los efectos especiales esa violencia se respeta y aprecia, pues el peligro y el filo del riesgo está presente. Aunque el CGI no abunda, aporta al detalle y realismo. El guion, por Greg Rucka, evita el conflicto verbal y prefiere crear personalidad con frases épicas sobre la soledad, el destino, la impotencia y la fuerza de voluntad. No me agrada, pero es suficiente para empatizar con los personajes. La diversidad, aunque algo forzada, logra sensibilidad gracias a la actuación. Charlize Theron logra darle dureza emocional con sentido parental a su personaje. Pero el talento de Kiki Layne, ****, Luca Marinelli y Matthias Schoenaerts, como equipo y familia unida solo sirve para pelear contra balas y contar sus historias con la poca emoción que les permite el guion. Harry Melling es irracional en actuación y personaje, y Chiwetel Ejiofor es invisible y conveniente. El guion no exige ni logra en el electo un momento de tensión o drama intimo, todo se recarga en la intensidad de la historia. El cine de acción sacrifica elementos que complementan la unión entre el publico y la historia, pero "The Old Guard" logra un balance suficiente para entretener de principio a fin y fundar el comienzo de un universo con un potencial enorme. - Greg Rucka published "The Old Guard" in 2017, and Skydance immediately acquired the rights to produce a live-action of this graphic novel. Premiered in Netflix and directed by Gina Prince-Bythewoods, who capture the public with "Love & Basketball" (2000) and "Beyond The Lights" (2014), now she comes back with a very entertaining movie. Even when there isn't an important photography and cinematography effort because the action happens in a rhythm that doesn't allow visual poetic, the scenery adapts versatilely to the story demands. It doesn't matter the time or the place; the costume design and the production achieves realism in those moments. The source story is very violent and, thanks to the special effects that violence is respected and appreciated achieving a present feeling of danger and edge. Even if there is little CGI, it provides details and realism. The scrip, also by Greg Rucka, avoids verbal conflict and prefers to create personality with epic phrases about loneliness, destiny, impotence, and willpower. I don't like it, but it's enough to empathize with the characters. The diversity, although somewhat forced, achieves some sensibility with the acting. Charlize Theron manages to give emotional strength with parental sense to her character. But the talent of Kiki Layne, Marwan Kenzari, Luca Marinelli y Matthias Schoenaerts, as a united team and family, is used only to fight bullets and tell their stories with the few drama that the script allows. Harry Melling is irrational in acting and character, and Chiwetel Ejiofor is invisible and convenient. The script doesn't demand or achieves in the cast a moment of tension or intimate drama. It all relies upon the intensity of the story. Action cinema sacrifices elements that complement the union between story and public, but "The Old Guard" manages to present an entertaining balance from beginning to end and launch the start of a universe with big potential.

"I never had a dad, but I always had you." . ( 80/100 ) . Pixar logró estrenar dos proyectos en un año demasiado trágico y caótico. "Oward" es el primero y tuve la fortuna de verla en el cine. Es oficialmente la última película que vi antes de que los cines cerraran por la pandemia. La experiencia fue muy amable y conmovedora. No evita el cliché pero cuida la madures en el clímax y por eso "Onward" se merece un cálido abrazo. Dirigido por Dan Scanlon, director de "Monsters University" (2013), la historia presenta a dos hermanos elfos en un mundo donde coexiste la magia y las criaturas míticas que buscan ver y hablar con su padre una última vez en su vida. "Onward" es una seria de aventuras que nos permite conocer a los personajes y al mundo en el que viven, así como sus inspiraciones, anhelos y recuerdos. Este viaje une a los hermanos lo suficiente como para ganarse el cariño del publico y es suficientemente entretenido como para que haya muy pocas quejas. Aunque la garantía del éxito en cada aventura se puede previsualizar, los acontecimientos logran crear suficiente tensión como para sostener la atención constantemente. Tom Holland y Chris Pratt son las voces principales. Holland logra evocar un sentimiento de timidez e introversión en su personaje, mientras que Pratt logra complementar con carisma y energía. La dramática está equilibrada, pero su mayor éxito esta en el final de la película, pues la combinación entre los personajes y el destino de la historia crean un momento muy conmovedor, lleno de moraleja, sensible y con una fuerza emocional muy bonita. En cuestión a la animación y lo visual Pixar lo hace de nuevo. Hay una textura muy vibrante en la película y la velocidad de la animación sorprende, pues denota un dominio muy grande sobre ese arte. El vestuario es algo simple y la escenografía no es increíble, pero sí es preciosa. "Onward" es un hermoso equilibrio entre lo que la gente quiere ver con un crudo giro de madurez que se comparte con sensibilidad y cariño. - Pixar achieves to release two projects in a very tragic and chaotic year. The first of them is "Onward", which I had the fortune to watch in cinemas and is officially the last movie that I watched before the cinemas get closed by the pandemic. The experience was very friendly and moving, without avoiding the cliche but taking care of maturity at the climax, "Onward" deserves a warm hug. Directed by Dan Scanlon, director of "Monsters University" (2013), the story presents two elf brothers in a world where magic and mythical creatures coexist searching to see and talk with their father one last time in their lives. "Onward" is a series of adventures that let us know about the characters and the world they live in, as their inspirations, dreams, and memories too. This journey unites the brothers enough to win the public charm, and it entertains enough to reduce complaints. Although the guarantee of success in each adventure can be previewed, the events manage to create enough tension to sustain constant attention. Tom Holland and Chris Pratt are the main voices. Hollands achieves to evoke a feeling of shyness and introversion in his character, while Pratt complements successfully with charisma and energy. The drama is balanced, but the biggest success is at the end of the movie since the relation between the characters and the destiny of the story creates a very moving momentum, full of message, sensible, and with beautiful emotional strength. On the animation and visual side, Pixar does it again. There is a vibrant texture in the movie, and the speed of the animation surprises because it proves a big and versatile control over this art. The costume design is a little simple, and the scenery is not amazing, but it is cute. "Onward" is a beautiful balance between what people want to see with a raw maturity twist shared with sensibility and charm.

"Surprice" . (70/100) . Dirigida y escrita por Leigh Whannell, uno de los reclutas de Jason Blum (Blumhouse Productions), "The Invisible Man" es un errado intento de exponer y aprovechar el acoso como producto cinematográfico ofensivo para la sociedad de victimas en la vida real. Bajo la consideración de que soy un hombre, presentaré una perspectiva para la sociedad de hombres que necesitan educarse más sobre esto. Nosotros como hombres NO podemos adueñarnos de la historia de una mujer simplemente porque no experimentamos el cuerpo, la psicología y biología de ellas; mucho menos podemos crear representación, y ese es el error de esta película. Hay un sentido demasiado masculino en el problema central, el contexto de la protagonista, sus decisiones, su definición de solución y en la resolución final. Este es un análisis extenso que no realizaré ahorita, pero la idea es descartar intenciones similares a estas, pues inconscientemente se vuelve una industria masculina explotando la imagen e historia de la mujer. Por parte de lo cinematográfico, la escases de efectos especiales y su técnica son simples y elegantes que logran calidad visual y pule el sentido realista de la imagen. La música, por Benjamin Wallfish, decora esa elegancia. La fotografía es puntual, así como la escenografía. En la actuación, Elizabeth Moss es la única que con un campo de trabajo, pero su personaje arruina el sentido de sus reacciones. Simplemente hay disonancia entra la actriz y su actuación que se lo culpo al guión. A pesar de la humilde y buena intención, hay mucha ignorancia y cinismo masculino que arruina no solo un mensaje de representación muy importante, sino que tira a la basura cualquier logro narrativo con un final tan inconsciente y estúpido. Whannell tiene una interesante inclinación por la Ciencia Ficción y el Terror que ha explorado decentemente hasta ahora, pero su intento de crear conciencia social necesita dirigirse a un tema en el que sí pueda opinar. - Directed and written by Leigh Whannel, one of Jason Blum's recruits (Blumhouse Production), "The Invisible Man" is a mistaken effort to expose and take advantage of harassment as a cinematographic product, offensive to the real-life victim society. Under the consideration that I am a man, I will share a perspective to the society of men who need to educate a little bit more about this. We, men, CAN'T own the story of a woman simply because we don't have experiences in the body, the psychology and biology of them, much less we can create a representation, and that's the mistake of this movie. There is a strong sense of masculinity in the main conflict, the main character's context, her decisions, her definition of the solution, and the final situation. That is an extensive analysis that I won't make right now. But the idea is to dismiss intentions similar to this one since, unconsciously, it becomes a man industry exploiting women's image and story. On the cinematographic side, the lack of special effects, and its technique is enough simple and elegant to achieve visual quality and shines the realistic sense of the image. The music, by Benjamin Wallfish, decors that elegance. The photography is on point, just as the scenery. In acting, Elizabeth Moss is the only one that has a working field, but her character ruins the sense of her reactions. There is simply a dissonance between the actress and her situation, and I blame it on the script. Even though the humble and good intention, there is a lot of ignorance and masculine cynism that ruins a very important representation message and throws to the garbage any narrative achievement with an offensively unconscious and stupid ending. Whannell has an interesting inclination for horror and sci-fi that has been exploring decently until now, but his intention of creating social consciousness needs to be directed to topics on which he can give an opinion.

"Guests? I rather have roaches." . ( 76/100 ) . Impulsada por Warner Bros. y Universal Pictures, "Gretel & Hansel" da pie a un universo cinematográfico dedicado a los cuentos de los Hermanos Grimm que respeta una cosmovisión interesante, aún con una película poca entretenida. Oz Perkins, cuyo cine es desconocido pero no mal criticado, dirige a Samuel Leakey, Alice Krige y Sophia Lillis, popular por ser parte del grupo juvenil que protagoniza "It" (2017), en una nueva visión de "Hansel And Gretel" de los Hermanos Grimm. El guion, al buscar ser interesante, le da una carga simbólica grande a los acontecimientos y a los personajes. Esta carga simbólica hace sentir toda la experiencia algo pesada. El éxito está en el cuidado apropiado del contexto de los personajes como para complementarlos y expandirlos; y en los símbolos y decoraciones visuales. El proyecto no logra ser entretenido, pero con una pizca de paciencia se entenderá que el valor está en la esencia de la historia y no en la problemática. Visualmente, la escenografía y fotografía parecen ser un equipo solido que tiene éxito de mostrar un espacio bien compuesto para que la escenografía reluzca con sus detalles. Hay pocos efectos especiales, pero su escases parece cuidar y encajar en la calidad visual. Por parte de la actuación, con un elenco tan pequeño, sorprende que se logre muy poco. La estrella es Alice Kriege, cuya actuación es elegante y pulcra, pero a pesar de eso, el guion se preocupa tanto por el simbolismo, que le quita cualquier sensibilidad e intensidad potencial a los personajes. Hay mucha modestia y delicadeza por parte de Sophia Lillis que permite que la intimidad de Alice Krige sea poco retada y fácil de esparcir. El pequeño Samuel Leakey, aunque correcto, es al que menos se le exige talento. "Gretel & Hansel" no cuida mucho la experiencia del público y tampoco comparte una moraleja importante, pero sí es interesante ver como se comienzan a juntar las herramientas, crear el contexto y construir los personajes que serán parte de un universo prometedor si se cuida esta misma aura. - Impulsed by Warner Bros. and Universal Pictures, "Gretel & Hansel" gives an entrance to a cinematic universe dedicated to the tales of the Grimm brothers that respects an interesting cosmovision, even with a little entertaining movie. Oz Perkins, whose cinema is unknown but not badly criticized, focuses on directing Samuel Leakey, Alice Krige, and Sophia Lillis, popular for being part of the kids group starring in "It" (2017), in a new vision of "Hansel & Gretel" of the Grimm brothers. The script, which searches to be interesting, gives a big symbolic charge to the characters and happenings. This symbolic charge can make the whole experience kind of heavy. The success is in the proper care given to the context of the characters as to complement and expand them, and in the visual symbols and decorations. The project doesn't achieve to be entertaining, but any person with a little beat of patience will understand that the value of the project is in the essence of the story and not in the problem. Visually, the scenery and photography seem to be a strong team that succeeds in showing a complete and well-composed space so the scenery can show off its details. There are few special effects, but its lack seems to take care and fit in with the visual quality. On the performance side, with a cast so small, it surprises how little it's achieved. The star is Alice Kriege, whose acting is elegant and neat, but, despite that, the script is so worried about the symbolism, that takes any potential sensibility and intensity of the characters. There is a lot of modesty and delicacy by Sophia Lillis that allows the intimidation of Alice Kriege to be little challenged and easy to spread. The little Samuel Leakey, even if correct, he is the one who is the least required talent. "Gretel & Hansel" doesn't take a lot of care of the experience of the public and also doesn't share a relevant lesson but, it is interesting to see how the tools begin to gather, the context is created, and the characters are growing as a part of a promising universe if this aura is taken care of.

"Some people where born so they could be buried." . ( 23/100 ) - "The Devil All The Time" es dirigida por Antonio Campos, un director de New York quien tomó cariño por la novela de DonaldRayPollock con el mismo nombre acerca de historias entrelazadas sobre los pecados de la fe, sus ilusiones y la bondad en el rencor. Con un elenco atractivo conformado por Tom Holland, Bill Skarsgard, Sebastian Stan, Riley Keough, Jason Clarke, Harry Melling, Eliza Scanlen y Robert Pattinson, la película sorprende por el tamaño de su propio vacío. El drama explora el lado drástico de una religión que funciona como un anhelo ignorado en el corazón de los personajes. Esa drasticidad hace que cada uno trate de confirmar su propia fe a través de acciones tan injustificables, que se vuelven absurdas. El tiempo dedicado a explicar cada una de las situaciones también es un problema. Para el tercer acto, el público está aburrido y harto de una serie de eventos grotescos que pertenecen a un contexto imposible de empatizar; y una vez que el público está confundido, aburrido, muy probablemente ansioso y fuera de la experiencia, se puede notar la trivialidad en los elementos técnicos. No hay simbología visual, decoro fotográfico, ni emoción en el lugar o el vestuario, solo una historia sin sentido actuada por un elenco que se esfuerza demasiado en creer en su propio valor. Firmemente, la actuación es lo peor de la película. No por el talento, sino por la evidente disonancia que hay entre el talento y el sentido de la historia. Skarsgard como padre y Pattinson gritando "Delisions" son asquerosos, Melling es totalmente estúpido, la relación entre Keough y Clarke es tonta y predecible, Scanlen y Holland son lo más invisible y monótono, y Stan, como autoridad corrompida, es un desperdicio de personaje que, por alguna razón ilógica, es una pieza clave de la narrativa. Los personajes son pésimos y aunque se respeta el talento del elenco, se les ordena actuar con una fuerza tan exagerada en una historia sin sentido alguno que da risa o confunde. Evítenla totalmente. - "The Devil All The Time" is directed by Antonio Campos, a director from New York who took charm on the Donald Ray Pollock novel with the same name about interlaced stories relating to the sins of faith, its illusions, and the goodness in resentment. With an attractive cast conformed by Tom Holland, Bill Skarsgard, Sebastian Stan, Riley Keough, Jason Clarke, Harry Melling, Eliza Scanlen, and Robert Pattinson, the movie surprises by the size of its emptiness. The drama explores the drastic side of a religion that functions as an ignored longing in the hearts of the characters. That drasticity makes each one of them try to uphold their faith through actions so unjustifiable that they become totally absurd. The time dedicated to explaining each one of the situations is also a problem. By the third act, the public is bored and jaded by a series of grotesque events that belong to a context impossible to empathize with. And when the public is confused, bored, very probably anxious, and taken out of the experience, the triviality in the technical aspects can be noted. There's no visual symbology, photography decorum, or emotion in the place or the costume design, just a senseless story acted by a cast striving too much to believe in their own value. Firmly, the acting was the worst thing in the movie. Not because of talent, but because of the clear disharmony between the talent and the sense of the story. Skarsgard as a father and Pattinson screaming "delusions" are disgusting, Melling is totally stupid, the relationship between Keough and Clarke is dumb and predictable, Scanlen and Holland are the most invisible and monotone, and Stan, as a corrupted authority, is a waste of a character that, for some illogical reason, is a key part of the narrative. The characters are lousy and, although the talent of the cast is respected, they are ordered to act with such exaggerated strength in a story without direction that is confusing or laughable. Totally avoid this.

"Do I want to find you?" . ( 40/100 ) . "Enola Holmes" es la primera película de Harry Bradbeer, quien tiene una carrera extensa en la televisión, y está escrita por Jack Thorne, cuyo mayor éxito fue colaborar en la adaptación del guion en la película "Wonder" (2017). "Enola Holmes" es una historia inofensiva que hace muy poco para inspirar y demasiado para entretener. El guion es culpable de ambas, tanto por "mal representar" un propósito socialmente importante como por querer llenar la película de aventuras igualmente mal desarrolladas. La trayectoria de Enola es desenfocada y se otorga responsabilidades que la desvían de su propio objetivo. Los "nuevos" caminos le permiten aprender del mundo y de ella misma, pero esto provoca que la autonomía de Enola esté a la disposición de los menos responsables. Como diciendo "yo soy más inteligente que tú, tomaré responsabilidad de tus problemas" (una idea algo irresponsable que promueve el abuso). En fin, esto se disfraza con un romance mudo y entre miradas de la forma más cliché posible y elimina cualquier propósito de empoderamiento en la película. Las ideologías de los demás personajes son tan drásticas que no permite ningún debate. Todos estaremos de acuerdo con lo mismo de siempre. También hay un esfuerzo por hacer notar que Enola no lo sabe todo y eso trata de agregar intriga y madurez al ambiente, pero realmente solo genera una auto-contradicción que anula cualquier lección previamente aprendida. Por lo tanto, la actuación de Millie Bobby Brown se reduce a un personaje con poco sentido que le gusta hablar consigo misma, y Henry Cavill, Sam Claflin, Helena Bonham, Louis Partridge y Fiona Shaw no aportan ni muestran un impulso importante. El único esfuerzo visual, aunque no sorprende, es el vestuario. Ni la fotografía, ni la música. "Enola Holmes" falla en llamar la atención de jóvenes y adultos en esta historia, pues esta película es una monótona distracción que entretiene solo a las audiencias poco experimentadas. - "Enola Holmes" is the first movie of Harry Bradbeer, who has a long career in TV Shows, and is written by Jack Thorne, whose greatest success has been collaborating in the adaptation of the script of "Wonder" (2017) movie. "Enola Holmes" is an inoffensive story that makes too little to inspire and too much to entertain. The script is to blame for both of them: for wrongly presenting a socially relevant purpose and for wanting to fill the movie with adventures equally poorly developed. Enola's trajectory is blurry and takes responsibilities that divert her from her own mission. The "new" paths allow her to learn from the world and from herself, but this causes that Enola's autonomy to be in the disposition of those less responsible. Like saying "I'm more intelligent than you, I'll take responsibility of your problems" (an irresponsible idea that promotes abuse). Anyway, this is disguised by a speechless romance between glances made in the most cliche possible way and erases any empowerment purpose of the movie. The other character's ideologies are too drastic that they don't permit any debate. We all will be agree with the same things as always. There's also an effort to show that Enola "doesn't know everything" and tries to add some intrigue and maturity in the ambient, but that only creates a self-contradiction that nullifies any lection previously learned. Therefore, the acting of Millie Bobby Brown gets reduced to a character with not much sense that likes to speak to herself. Henry Cavill, San Claflin, Helena Bonham, Louise Partridge, and Fiona Shaw doesn't provide or show any relevant acting moment. The only visual effort, but not surprising, is the costume design. Not photography, nor music. "Enola Holmes" fails to call the attention of young and grown-ups in this story since this movie is a monotonous distraction that will entertain only the least experimented audiences.

"Stand tall and **** them." . ( 43/100 ) . Grace (Samara Weaving) y Alex Le Domas (Mark O'Brien) disfrutan de su boda con un ambiente tenso que hace sentir a Grace muy incómoda y, de alguna forma, desapegada, mal recibida y prácticamente odiada por la familia de su esposo. La solución a ello se presenta más **** en esa noche cuando la familia la invita a jugar un juego de mesa que podría poner en peligro la vida de Grace. Dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, directores de "Devils Due" (2014) y participantes en colecciones de terror como "V/H/S" (2012) y "Southbound" (2015), películas que probablemente disfrutarán mucho si les agradó "Ready Or Not". Pero por mi parte desafortunadamente tendré que hacer un ejercicio de desprecio. Lo único decente en la película es el elenco y probablemente el maquillaje. El grupo de actores tiene un acuerdo decente y cierta unión que se refleja en el éxito cómico del film. Las actuaciones son excéntricas y exuberantes, sin miedo a romper algún límite que pueda imponer el guión. Por su parte, la película cae en un género gore y el trabajo de maquillaje y vestuario logra crear situaciones muy sangrientas, grotescas y repulsivas, sin embargo, no es excelente o lo mejor del año y los elementos restantes solamente disminuyen su calidad. El concepto o la idea pudo haber sido explorado de formas interesantes, pero los guionistas parecen haber optado por sustituir cualquier potencial intriga por una gran carga de morbo lidiadas por personajes idioticos bajo una justificación absurda. La película simplemente no tiene ni pies ni cabeza, no hay una introducción o contexto, el desarrollo revela secretos que nunca se aclaran, la catarsis de Grace, aunque razonable, es meramente impulsiva y arruina la resolución final que, por más lógica y prevista, se siente fuera de contexto ante la estampida de consumistas ilusos e incompetentes que toman compromisos que no saben cumplir. - Grace (Samara Weaving) and Alex Le Domas (Mark O'Brien) are on their wedding day with a tense ambient that makes Grace feel very uncomfortable, unattached, poorly welcome and practically hated by her husband’s family. The solution is presented later that night when the family invites her to play a board game that could threaten Grace's life. Directed by Matt Bettinelli-Olpin and Tyler Gillett, directors of "Devi's Due" (2014) and participants in horror collections as "V/H/S" (2012) and "Southbound" (2015), movies that you would probably like if you liked "Ready Or Not". Unfortunately, from my point of view, I'll have to write with contempt. The only decent thing in the movie is the cast and probably the make-up work. The cast has a decent acting agreement and some unity that is reflected in the comic success of the film. The cast is eccentric and ebullient, fearless to break any limit that the script could impose. On its way, the movie falls in a gore genus and the make-up and dressing work manage to create very bloody, grotesque and repulsive situations, nevertheless, it's not excellent or the best of the year and every other element just diminish the quality of the movie. The concept or idea could've been explored in more interesting ways, but the screenwriters seem to choose to replace any potential intrigue with a big load of morbidity led by idiotic characters under an absurd justification. The movie simply doesn't make sense. There's no introduction or context, the development reveals secrets that are never cleared, Grace's catharsis, if reasonable, it's merely impulsive and it ruins the final resolution that even if it's logical and predictable, it feels out of place in front of a stampede of naive and incompetent consumerists that make commitments that they doesn't know how to fulfill.

"I should feel something." . ( 73/100 ) . "Ad Astra" es un puro muy duro de fumar, pero también uno muy elegante. Fuera de las influencias que carga la película, se nota la poderosa mano de Hoyte Van Hoytema y su intención por exponer su parte del proyecto de forma integra y pulcra. Hoytema es un erudito capaz de fotografiar y visualizar paisajes interestelares que muy pocos en este planeta podrían imaginar. Ese es el deleite más grande del film. Cuando se trata de observar el panorama, contemplar la distancia y los elementos que conforman las capas visuales como el color y la arquitectura, "Ad Astra" es un gran éxito. Pero hay un gran "pero". El guión, escrito por Gray, desmorona todo potencial en el film. La esencia de la película sonda entre el viaje de Roy en busca de su padre, su propia concepción de la vida y la obsesión del padre con la vida extraterrestre. El guión le da demasiado existencialismo a la voz de Roy y mucho peso a la obsesión del padre. Roy es una persona tan dominada por la pesades de la soledad que su narrativa se vuelve repetitiva y arrastra al público a un eterno discurso de "¿Quien soy y porque no siento nada?" hasta un punto de tedio. Por otro lado, la obsesión del padre es absurda e irracional, y aunque ciertas actitudes se justifican durante el viaje, simplemente agregan monotonía a las escenas que tanto trabajo le costó idear a Hoytema. En ese aspecto, me entristece decir que no hubo un impulso importante de actuación en el film. Es evidente que Brad Pitt comprime su actuación para lograr al personaje, y cuando se esfuerza por romper su propio casco, es muy poco el merito que se le puede dar a un par de lagrimas que no logra retener. Ni Tommy Lee Jones o los 5 minutos en los que sale Ruth Negga aportan en la dramática. Fuera de lo visual, "Ad Astra" es una intención más de generar reflexión en un público que ha visto a gente perderse y encontrarse a sí misma de formas más razonables. Creo que el error de James Gray fue contar la vida de un hombre que no la vivía. - "Ad Astra" is a cigarette hard to smoke but is also an elegant one. Independently the influences that the movie has, it can be noticed the powerful hand of Hoyte Van Hoytema and the intention of presenting his part of the project with integrity and neatness. Hoytema is an erudite capable of picturing and visualizing interstellar landscapes that very few on this planet could imagine. That is the biggest delight of the movie. When it's about observing the panorama, contemplating the distance and the elements that have the visual layers such as the color and the architecture, "Ad Astra" is a great success. But there is a big obstacle. The scrip, written by Gray, crumbles all the potential in the film. The essence of the movie probes between Roy’s journey in search of his father, his conception of life and the obsession of the father with extraterrestrial life. The scrip gives too much existentialism to the voice of Roy and a lot of weight to the father's obsession. Roy is someone so overwhelmed by the heaviness of his loneliness that his narrative becomes repetitive and drags the public into a never-ending speech of "Who Am I and Why I Can't Feel Something?" to a point of tedium. On the other side, the father's obsessions are absurd and irrational, and even when some behaviors are justified while the journey, they simply add monotony to the scenes that Hoytema worked so hard to idealize. In that aspect, I'm sad to say that there was not an important impulse of acting in the movie. It is evident that Brad Pitt compress his own acting to achieve the character, and when he tries to break his own helmet, the merit that can be given to the few tears that he couldn't hold in is too little. Not even Tommy Lee Jones or the five minutes on the screen of Ruth Negga add something to the dramatic. Taking the visuals out, "Ad Astra" is one more intention of promoting reflection in a public that has seen characters getting lost and finding themselves in more reasonable ways. I believe that James Gray's mistake was telling about the life of a man who was not living it.

"You're gonna love it." . ( 87/100 ) . Ari Aster es innegable, promesa visionaria, maestro y poeta singular. Personalmente le tengo cierto disgusto a la película. La experiencia es realmente magistral, reveladora y siniestra. Aster es un amo de la voz visual y usa la geometría, la semiotica, la simbología, la psicología, antropología y un sin fin de elementos para construir cada una de sus tomas y nutrir el progreso de la película. Es hermoso, magnifico y un ver para creer. ¿Pero porqué el disgusto? Porque es prohibido. Tanto narrativa como visualmente se desarrolla y explora una cultura con practicas polémicas y ajenas a la moral común, tan bien producidas, que no es difícil que el público tenga un sentimiento de participación y presencia dentro del film: Al ver la película sentí que entré a la catedral más hermosa e interesante de mi vida, la cual incidentalmente resultó ser una iglesia satánica. Ver tanta sangre, el olor de las drogas y vapores, los cánticos nauseabundos, las pinturas tétricas y el lúgubre sol que cae imparable sobre un ritual enfermizo me hizo salir mareado y con pocas ganas de volverla a ver. Si lo hago sería para estudiarla mejor y en contra de mi voluntad. Hay tanto que rescatar, revisar y admirar, pero el precio puede ser un agobio tan grande e intenso como su belleza. A excepción de Florence Pugh, que actúa con talento, el cast principal es algo mediocre, pero el verdadero valor dramático está en la comunidad, pues el elenco comparte y expresa el alma de la cultura con unidad y fortaleza. Ari también capta las varias capas visuales de su universo y permite que la música, que también sorprende, sea un elemento visible en el escenario. "Midsommar" no es tan excelente como "Hereditary" (2018), y no es difícil notar las coincidencias narrativas que agilizan las cosas aunque provoquen cierta disonancia, pero es un ejercicio de cinematografía que te reta a considerar que "si no sientes cuan hermoso es este horror, entonces no estas sintiendo con el corazón". - Ari Aster is undeniable, visionary promise, singular master and poet. Personally, I kind of dislike the movie. The experience is truly masterly, revealing and sinister. Aster is a lord of the visual voice and uses geometry, semiotic, symbology, psychology, anthropology and an endless list of elements to build each one of his takes and feed the progress of the movie. It's beautiful, magnificent and a see to believe. But why the dislike? Because it's prohibited. Narratively and visually there's a culture being explored with polemic and alien practices to the global moral, so well produced, that is difficult that the public doesn't share a sense of participation and presence inside the movie. While seeing the movie I felt like going into the most beautiful and interesting cathedral of my life, which incidentally turned out to be satanic. Seeing that much blood, the smell of the drugs and the steam, the nauseating sings, the dismal paintings and the baleful sun that falls unstoppable over a sickening ritual made me exit dizzy and with little intentions of watching it again. If I do it, it would be to study it again and against my will. There's so much to rescue, investigate and admire, but the price can be a burden as big and intense as its beauty. Excluding Florence Pugh, who acts with talent, the main cast is kind of mediocre, but the real dramatic value is in the community since the cast shares and expresses the soul of the culture with unity and strength. Ari also captures the several layers of his universe and allows the music, which is also surprising, to be a visible element in the scenery. "Midsommar" might not be as excellent as "Hereditary" (2018), and is not difficult to notice the narrative coincidences that speed up things even if they induce some dissonance, but it's a cinematography exercise that challenges you to consider that "if you don't get to feel how beautiful is this horror, then you’re not feeling with your heart".

"That's a very brave poem young man." . ( 70/100 ) . Aquí tenemos al candidato más fuerte para la película más tierna del año. "Blinded By The Light" trata sobre un chico de Pakistan que crece en Luton, England bajo un régimen familiar muy estricto y discriminado culturalmente por la Inglaterra de los 80s. Casi dominado por la depresión de la injusticia social y una cultura de servicio y opresión, Javed encuentra pasión y consolación en Bruce Springsteen. La directora es Gurinder Chadha, a quién se le conoce por "Bend It Like Beckham" (2002) y una carrera de proyectos que exploran las tensiones y resoluciones entre dos o más culturas. Mientras veía el film, me fue necesario poner en una balanza las cosas que sucedían. Por un lado el gran Viveik Kalra demostró ser un actor muy dinámico y versátil al representar a un personaje que se hidrataría canción a canción. En ese aspecto, el trabajo de vestuario y maquillaje mantienen un ritmo puntual con el estilo que el personaje adopta poco a poco. Pero por otro lado, lo voz del personaje, aunque comenzó sensible e impotente, finaliza con un discurso que, para entonces, Springsteen ya se siente más como una obsesión que como una inspiración. Visualmente, la influencia y la catarsis que Springsteen le provoca al joven Javed se decora de una forma muy autentica, y se nota la falta de miedo por parte de la directora en acercarse a los rostros y expresiones de sus personajes, lo cual se aprecia. Sin embargo, varios otros videoclips que tratan de complementar la energía de la película parecen no saber como mantener la energía visual y ni la edición o la cámara, pueden transmitir la euforia de los personajes y la canción misma. Pero no todo está polarizado, si hay algo muy claro en esta película es que está llena de alma y corazón, sensible al amor y su pasión por existir sin limites. - Here we have the strongest candidate for the cutest movie of the year. "Blinded By The Light" it's about a guy from Pakistan that grows up in Luton, England, under a strict family regime and culturally discriminated by England of the 80s. Almost dominated by the depression of social injustice and a culture of service and oppression, Javed finds passion and consolation in Bruce Springsteen. The director is Gurinder Chadha, who is well known because of "Bend It Like Beckham" and a career of projects that explore the tensions and solutions between two or more cultures. While I was watching the film, I found it necessary to put in a balance the things that were happening. On one side the great Viveik Karla showed to be a very dynamic and versatile actor by representing a character that would constantly be changed song by song. In that aspect, the dressing and makeup work keep an accurate rhythm with the style that the character adopts time by time. But on the other side, the voice of the character, even though it starts sensible and powerless, ends up with a speech that, by then, Springsteen feels more like an obsession than an inspiration. Visually, the influence and the catharsis that Springsteen provokes into Javed it's decorated in a very authentic way. It's also evident the lack of fear of the director in getting close to the faces and expressions of her characters, which is appreciated. However, several other videoclips that try to complement the energy of the movie seem to don't know how to keep the visual energy, and not even the edition or the camera can transmit the euphoria of the characters and the song itself. But not everything it's polarized, if there's something very clear in this movie is that it's full of soul and hearth, sensible to love and its passion to exist limitless.

"It's easier when you're alone." . ( 30/100 ) . Si sigo viendo y reseñando este tipo de películas me van a tomar como un espectador muy exigente y odioso. Dora me deja resignado y, al mismo tiempo, reflexivo en ciertos aspectos. Quitemos la escarcha: Las actuaciones son muy malas e invisibles, la narrativa aspira a ser un episodio extendido de cualquier programa de Nickelodeon con síntomas de que será cancelado, la música también es invisible y los efectos especiales son de bajo presupuesto. Sin embargo (con cierto énfasis para cuidar mi imagen propia y no convertirme en el Comic Guy de los Simpsons), el film mantiene un animo alegre y positivo que cualquier razón de molestarse por pagar para ver un episodio de relleno de Dora La Exploradora en el cine se resbala fácilmente. A lo que me refiero es que a pesar de lo idiota del personaje de Nicholas Coombe, lo pesimista de Jeff Wahlberg, lo inmadura de Madeleine Madden y lo molesto de Eugenio Derbez todo es bien mediado por la ingenua pero positiva chispa de Isabela Moner. No, su actuación no es mejor que la de los demás, pero carga con un personaje escrito justo para anclar al público. Por lo tanto los acompañantes de Dora tienen tan poco incentivo que el positivismo y cosmovisión de ella es suficiente para entretener a los niños sin hacer molestar a los adultos. Es prácticamente lo único que puedo rescatar. También quiero dar una mención honorífica a la escenografía, por ser dinámica y "realista", sin embargo lo que admiro es la capacidad del estudio en recrear un ambiente así de grande y no la calidad de la producción. En fin. Dora no es nada que los niños no puedan ver en la televisión o en sus tabletas y nada que los adultos vayan a disfrutar plenamente, pero los niños se la pasarán bien y los adultos no la sufrirán mucho. - If I keep watching and reviewing this kind of films, people are going to take me as a very demanding and hating spectator. Dora leaves me with resignation and, at the same time, reflexive in some aspects. Let's take off the frost: The acting is very bad and invisible, the narrative aspires to be an extended episode of any Nickelodeon program with symptoms of a future canceling, the music is also invisible, and the special effects are low budget. Nevertheless (stressing enough to take care of my self-image and not becoming the "Comic Guy" of The Simpsons), the film manages to keep a happy and up-beat soul that any reason of getting mad for paying to watch a filling episode of "Dora The Explorer" in the cinema slips easily. What I mean is that it doesn't matter how idiot is the character of Nicholas Coombe, how pessimistic is Jeff Wahlberg, how immature is Madeleine Madden and how annoying Eugenio Derbez is, all is well balanced by the naive but positive sparkle of Isabela Moner. No. Her acting is not better than the other ones but she carries a character written just for holding the public. Therefore, since Dora's friends have so few incentives, her positivism and worldview are enough to entertain kids without bothering grown-ups. It's practically the only thing that I can rescue. I also want to give an honorific mention to the scenery, for being dynamic and "realistic", however, what I admire is the ability of the studio to create an environment that big, and not precisely the quality of the production. Any way. Dora is noting that kids can't see on the TV or in their tablets and nothing that grown-ups will enjoy fully, but kids will have a good time and grown-ups won't suffer it too much.

"Sometimes we are what we wish we could forget." ( 76/100 ) "It Chapter Two" es un caso interesante de analizar. Hay más aventura que terror, más suspenso que espantos, más comedia que drama y, general, este es un cine gore. Y eso está bien. Personalmente la disfruté, especialmente el tercer acto, y fue por la evidente intención de expandir y explotar visualmente todos o la mayoría de los conceptos que podrían existir en el libro, o al menos, que Gary Dauberman (el guionista) planeó para ésta adaptación. Muschietti, en ese aspecto, tiene una visión increíble y comparte un viaje visual rico en criaturas y situaciones espeluznantes, sangrientas, psicoticas, extravagantes y espectaculares que propone a "It Chapter Two" como una de las mejores casas embrujadas que el cine haya hecho. Sin embargo no es difícil saber porqué puede ser deficiente. Antes de llegar al cierre, es necesario acompañar a los personajes por su propio recorrido personal en donde recuperarán memorias que los atacarán en su presente. Ese segundo acto es un poco pesado y falla en anclar al público, pues los personajes (a pesar de que realmente tienen todo el potencial de representar a diversas minorías) se encapsulan en superar situaciones tan personales que cualquier trascendencia se anula. En ese aspecto las ventanas de oportunidad se cierran y las puertas que quedan abiertas solamente crean algo de confusión y distancia, como todo el trasfondo de Pennywise y su ritual invocador. Por otro lado, hay un mejor trabajo de elenco que de actuación independiente. James McAvoy es algo raro, Jessica Chastain es muy simple, Bill Header solo es suficiente, los demás son solo apoyos cómicos o narrativos y Bill Skarsgard como Pennywise carga con un personaje muy incompleto. Pero cuando están todos juntos se puede sentir una interacción interesante y fluida; visualmente unidos aportan las gotas de nostalgia más importantes de la película. - "It Chapter Two" it's an interesting case to analyze. There's more adventure than terror, more thriller than scare, more comedy than drama and, in general, this is gore cinema. And that's fine. Personally, I enjoyed it, especially the third act since there's an evident intention of expanding and exploiting most of all the visual concepts that could exist in the book or at least the ones that Gary Dauberman (the screenwriter) planned for this adaptation. Muschietti, in that aspect, has an incredible vision and shares a visual trip rich in creatures and spooky, bloody, psychotic and spectacular situations that aims to be one of the best hunted houses that cinema has done. Nevertheless, it's not difficult to know why it can be deficient. Before getting to the end, it's necessary to join the characters in their personal walkthrough in which they will be attacked by their retrieved memories. That second act is kind of heavy and fails in graving the public since the characters (even though they have all the potential of representing many minorities) are so bounded to get over situations so personal that any transcendence is nullified. In that aspect, the opportunity windows are closed and the doors that are left open just create some confusion and distance; like the background of Pennywise and its invocation ritual. On the other side, there's a better cast work than independent acting. James McAvoy feels kind of weird, Jessica Chastain is very simple, Bill Header is just enough, the others are just comic or narrative reliefs and Bill Skarsgard as Pennywise carries with a really uncomplete character. But, when everyone is together, it can be felt an interesting and fluid interaction in which visually, all together, contribute with the most important drops of nostalgia in the film.

"Don't cry in front of the mexicans." . ( 75/100 ) . Sincera e interesante sin ser necesariamente entretenida. "Once Upon A Time... In Hollywood" es un agradecido ejercicio de autenticidad en tiempos de melancolía abusiva./El elenco, que es grande y respeta el trabajo de Tarantino, recrea con acierto un ambiente lleno de perfiles influyentes en el mundo del cine hollywoodense. Entonces seguiremos los momentos de #RickDalton y #CliffBooth (interpretados por #LeonardoDiCaprio y #BradPitt) quienes son vecinos de #SharonTate, #RomanPolanski y #JaySebring (#MargotRobbie, #RafalZawierucha y #EmileHirsch) en #Hollywood a finales de los #60s. Lo más relevante de la trama es el ejercicio de observación y la dinámica profesional que existe detrás y delaten de las cámaras que viajan junto a los personajes y personas de esa ciudad histórica. En ese viaje se aprecia y admira el trabajo de escenografía y vestuario, pues los elementos visuales no solo respetan las memorias del joven Tarantino, sino que, en el momento dado, se explotan aunque sea por un breve momento./Tarantino renueva la formula narrativa que los distingue en sus películas sin eliminar su estilo cinematográfico y, al mismo tiempo, la historia expresa situaciones que aluden a inspiraciones personales. En conjunto, el #film es un ensayo sobre el juego que existe entre la personalidad y el personaje de una persona que vive y trabaja en un estudio espectacular como es el de Hollywood. Por lo tanto, en los dos primeros actos es paciente, detallado y con una gran carga de sensibilidad, y en el tercer acto vemos al viejo y confiable Tarantino cuya intensidad es reconocida por ser incontenible./Sin embargo, aunque se puede sentir la dirección osada y vanidosa de Tarantino, su éxito está en el contexto real de su presentación. Actualmente ya no hay respeto por la originalidad, sin embargo, por más personal y nostálgica que sea la película, Tarantino sabe que no vale la pena crear sin honrar su propia visión. - Sincere and interesting without being necessarily entertaining. "Once Upon A Time... In Hollywood" it is a thankful exercise of authenticity in times of abusive melancholy. The cast, which is big and respects the work of Tarantino, fairly recreates a background full of influential profiles in the world of Hollywood films. That's how we'll follow the moments of Rick Dalton and Cliff Booth (interpreted by Leonardo DiCaprio and Brad Pitt) which are the neighbors of Sharon Tate, Roman Polanski and Jay Sebring (Margot Robbie, Rafał Zawierucha and Emile Hirsch) in Hollywood at the end of the 60s. The most relevant of the plot is the observation dynamic and professional exercise that exists behind and onwards the cameras that travel along with the characters and people of that historic city. On that trip, it can be appreciated and admired the scenery and costume work because the visual elements not only represent the memories of the young Tarantino but, at the given time, exploits even if it’s just for a brief moment. Tarantino renews the narrative formula that distinguishes his movies without taking away his cinematographic style and, at the same time, the story expresses situations that allude to personal inspirations. Overall, the film is an essay about the personality vs character game of a person that lives and works in a spectacular studio as Hollywood is. Thus, in the first two acts, he is patient, detailed and with a heavy sensibility, and in the third act, we see the old and **** Tarantino whose famous intensity is uncontainable. However, even though you can feel the vanity and the daring of Tarantino’s direction, its success is thanks to the real context of its presentation. Nowadays there's no respect for originality, however, as personal and nostalgic the movie is, Tarantino knows that there's no point in creating without honoring his own vision.

"Here comes the 1%." . ( 57/100 ) . La juventud que la actriz y directora Olivia Wilde presenta en "Booksmart" está llena de privilegios ignorantes y celebra los valores más incorrectos que justo la juventud necesita vencer y cambiar. La cultura Pop ha producido films sobre la rebeldía, energía y desenfreno juvenil que, junto a films como "Superbad" (2007) y "Project X" (2012), solo fortalecen el estereotipo que la juventud americana se ha ganado: una sociedad de derroche y consumismo irresponsable e innutil. Amy y Molly (Kaitlyn Dever y Beanie Feldstein), están a un día de graduarse de la preparatoria cuando se dan cuanta de lo tontas que fueron al estudiar y no salir de fiesta al mismo tiempo, por lo tanto deciden hacer de su última noche la más loca y aventurada de su preparatoria. No es difícil identificarse con esa juventud, todos lo hemos sido y, al menos un poco, hemos sentido los privilegios de pertenecer y los miedos de ser minoría. El problema es que el guión asume que "pertenecer" es diversión, alegría y festejo, y lanza a sus actrices a una aventura que, en vez de disfrutar, las convierte en patéticos intentos de retroceder a una actitud primitiva. Asimismo promueve la actitud del exceso, el ceder a los impulsos sexuales y mentales, la desconfianza social y "soluciona" la idea de "comprar amigos" con romance. Aunque hay una secuencia de animación (que se puede quitar sin daño alguno), la escena que le da valor a la película (e, irónicamente, se enmudece) es un conflicto verbal que muestra el talento actoral de las protagonistas. A pesar de que el film tiene la oportunidad de exponer un drama socio-cultural, prefiere optar por el camino cómico e inconsciente de su misma cultura. "Booksmart" es peligrosa y me causa pavor imaginar cuantos jóvenes pueden verla y querer crecer igualmente solo porque es "cool". No lo es, hay diferentes tipos de diversión, y entregarse a los impulsos es la forma más irresponsable de vivir. - The youth that the actress and director Olivia Wilde shows in "Booksmart" is full of ignorant privileges and celebrates the most incorrect values that the youth needs to overcome and change. The Pop culture has produced films about young rebellion, energy, and wildness that, along with films like "Superbad" (2007) and "Project X" (2012), just reinforces the american stereotype that youthhood has won: a society of waste and useless, irresponsible consumerism. Amy and Molly (Kaitlyn Dever and Beanie Feldstein), are about to graduate from high school when they realize how foolish they were by studying and not going out to parties at the same time, therefore they decide to make their last night of high school, the most adventurous and crazy. It is not that hard to identify yourself with this youth, we all have been young and, at least a little, have felt the privileges of belonging and the fears of being an outcast. The problem is that the script assumes that "belonging" is fun, joy, and celebration, and throws their cast to an adventure that, instead of enjoying, it makes of them pathetic attempts of behaving in a primitive way. Likewise, it promotes excess behavior, giving in to the sexual and mental impulses, the social distrust and "resolves" the idea of "buying friends" with romance. Even though there’s an animation sequence (that can be taken out with no harm), the scene that gives some value to the movie (and, ironically, is muted) is a verbal conflict that shows the acting talent of the main cast. Despite the film has the opportunity of exposing a social-cultural drama, it prefers to take the comical and unconscious path of the same culture. "Booksmart" is dangerous and it makes me dread to imagine how many young people can see this and would want to grow up just like that because it's "cool". It's not, there are different types of fun and giving in to the impulses is the most irresponsible way of living.

"Stories heal. Stories hurt." . ( 25/100 ) . Inútil, cliché y desvergonzada. "Scary Stories To Tell In The Dark" es justo el cine que pensé que ya se había superado y nos enseñó a que merecemos algo mucho mejor. Andre Ovredal dirige esta adaptación de los cuentos y dibujos ubicados en la novela de Alvin Schwartz que, con Guillermo Del Toro a bordo, se convirtió en un film que promete ser escrupulosa con sus criaturas. Nada más fuera de la realidad, la película es simplemente un desperdicio. Después de vengarse en Halloween, Stella, Ramón, Auggie y Chuck (Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Gabriel Rush y AustinZajur) son perseguidos hasta una "casa embrujada" en donde, según una leyenda, una chica llamada Sarah Bellows fue encerrada porque estaba loca. En un cuarto secreto los chicos encuentran el libro de historias de terror de Sarah y, después de retar a la leyenda, se convierten en victimas de ella misma. La grosería de la película está en el reciclaje tanto narrativo como visual. La historia va exactamente hacia donde cualquier aventura de terror melodramática de los 70s y 80s termina. También pretende ganar valor a través de un método audiovisual muy anticuado: el "jump-scare". El 90% de los "sustos" se dan por el golpe de sonido, lo cual es muy bajo hoy en día, incluso para Del Toro. Las criaturas están bien hechas, pero su propósito solo es persecutorio: No hay un trasfondo o utilidad mayor en esta colección de diseños que el de perseguir y matar. La historia, por su parte, pretende manipular emocionalmente al público con un grito de empoderamiento que, fuera de ser lógico, es meramente conveniente. Los personajes dados a los actores simplemente reducen su talento a gritos, patadas y caras asustadas. Y no importa que el discurso final se de entre lagrimas y fuerza emocional, la historia lo reduce a algo, repito, meramente conveniente. La película demuestra que hay un presente abuso del reciclaje de narrativas que encierra al público en un consumo inútil. Yo ya estoy harto de eso. - Pointless, cliché and shameless. "Scary Stories To Tell In The Dark" is just the cinema that I thought it was already overcome and taught us that we deserve something a lot better. Andre Ovredal directs this adaptation of the stories and draws located in Alvin Schwartz's novel that, with Guillermo Del Toro on board, it became a film that promises to be scrupulous with its creatures. Nothing more outside of reality, the movie es simply a waste. After taking revenge on Halloween, Stella, Ramón, Auggie and Chuck (Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Gabriel Rush y Austin Zajur) are chased to a "hunted house" where, according to the legend, a woman called Sarah Bellows was locked in one secret room because she was crazy. The kids find the room and the book of scary stories of Bellows in there and, after challenging the legend, they become victims of the same one. The vulgarity of the movie is in its narrative and visual recycling. The story goes exactly to whichever horror adventure melodramatic of the 70s and 80s ends. It also pretends to acquire value through a very antiquated method: the jump-scare. 90% of the "scares" are produced by the hit of the sound, which is very low, even for Del Toro. The creatures are well made, but their porpoise is just persecutory: There's no background or utility beyond in this collection of designs that the one of chasing and killing. The story, by itself, wants to manipulate the public emotionally with an empowerment scream that, far from being logic, es merely convenient. The given characters to the actors reduce their talent just to screams, kicks and scared faces. And it doesn't matter that the final speech was given between tears and emotional strength, the story reduces it to something, I repeat, merely convenient. The movie shows that there’s a present abuse of recycled narratives that enclosure the public in pointless consumerism. I'm already tired of that.

"Apex predator all day." . ( 72/100 ) . Admitiré que Alexandre Aja, el director de ésta película, hace un buen trabajo en crear el suspenso en "Crawl" y que, si se considera seriamente, revivir esa fobia por el **** animal que películas como "Jaw" de Steven Spielberg popularizaron. La premisa es muy simple: Haley (Kaya Scodelario) busca de su padre Dave (Barry Pepper) en medio de un huracán categoría 5 en Florida. Ella lo encuentra en el sótano de su antigua casa después de ser atacado por una familia de cocodrilos que anidaba ahí. Así es como se convierten en victimas de unos predadores que atacan cualquier amenaza potencial. El film, sorprendentemente, mantiene al público muy escéptico, pues el proyecto resulta ser realista y suficientemente lógico que es muy raro sentir que "eso no puede pasar": "Crawl" no es absurda. Sin embargo, claro que tiene sus deficiencias narrativas y visuales. Los efectos especiales definitivamente se notan ser de bajo presupuesto y poca calidad, pero los efectos visuales son lo que salvan a la película: la escenografía, el concepto espacial e, incluso, la dirección de arte es exitosa, pues la arquitectura, ágilmente, parece dictar la dirección de la narrativa. Por su parte, la narrativa presenta una dinámica muy creativa en un espacio específico. La interacción que Kaya y Barry tienen en la pantalla no es exigente, pero es esencial, lo cual aporta solidez a la situación, pues ambos se inspiran mutuamente a superar la situación sin forzar algún tipo de sentimentalidad. Puede ser dudoso el éxito que pueda tener la idea de sobrevivir en una casa inundada invadida de cocodrilos, pero considero que este ejercicio de acción y suspenso es decente por la forma en la que cuida su intensidad y sensibilidad en un ambiente que explora sin romper sus propias naturalezas. La recomiendo como parte de un cine que honra el pánico a lo desconocido y salvaje. - I'll admit that Alexandre Aja, the director of this film, makes a good job in creating suspense in "Crawl" and, if considered seriously, bring back the phobia in the animal savagery that movies like "Jaw" of Steven Spielberg, made famous. The premise is simple: Haley (Kaya Scandelario) searches for her father Dave (Barry Pepper) in the middle of a category 5 hurricane in Florida. She finds him in the basement of an old house of his after being attacked by a family of alligators that were nesting there. That's how they become the prey of a predator that will attack any potential threat. The film, surprisingly, creates skepticism in the public by being realistic and enough logical that feeling like "that cannot happen" is not very frequent: "Crawl" is not absurd. Nevertheless, it does have its narrative and visual flaws. The special effects can definitely be seen to be of low budget or poor quality, but the visual effects are the ones that save the movie: the scenery, the spatial concept and, even the art direction is successful by the way the architecture, skillfully, seems to dictate the direction of the narrative. In its own way, the narrative shows a very creative dynamic in a specific space. The interaction that Kaya and Barry have on the screen is not demanding but it is essential, which gives strength to the situation by how they inspire each other to get over the situation without forcing any kind of melodramatic vibe. It can be doubtful the success that can have the idea of surviving a flooded house overrun of alligators, but I consider this to be a decent example of action and thriller cinema by the way it takes care of its intensity and sensibility under a concept that explores its own natures without breaking its rules. I recommend it as part of a cinema that honors the panic to the wild and unknown.

"The more I drink, the more she gets drunk." . ( 78/100 ) . Jon S. Baird, conocido por "Filth" (2013), hizo un drama nada reconocible llamado "Cass" (2008) y luego de dirigir varios episodios en series de poco alcance presentó en el 2018 su tercer film: "Stan & Ollie". El director es de Escocia y unió fuerzas con, Jeff Pope, un escritor y productor de TV y cine exclusivo de Inglaterra, para contar la historia de Stan Laurel y Oliver Hardy, que fueron el más famoso dúo de comedia de los 30's a los 50's. Después de 15 años de tensión y distancia se reencuentran para revivir la fama y chispa que tuvieron en el mundo antes de que Hardy decidiera no renovar el contrato que tenía con Laurel. El plan es hacer un tour por toda Inglaterra con el cual Stan pueda persuadir a un productor de cine que lo ayude a filmar el guión que apoyará económicamente y volverá a colocarlos en la industria del entretenimiento. La película es un trabajo de cine justo que provoca respeto por Steve Coogan y John C. Reilly, quienes demuestran una gran dinámica en la pantalla y un gran talento para dominar y saltar entre los humores que el guión muy ágilmente intercala en la narrativa. El dúo es muy preciso en su interacción y fluye junto al guión con la energía necesaria para ganarse la atención y sonrisas del público. El director también tiene mérito: son varias las escenas en donde se puede notar la fluidez, el decoro y la elegancia de la cámara, así como la sensibilidad de su visión. Muy diferente a "Filth" (2013), una comedia sucia sobre la corrupción; "Stan & Ollie" es carismática, elocuente, optimista, a veces frustrante pero siempre entretenida. Esta historia sobre el choque de identidades y el trabajo en equipo nos enseña que mientras más duro se trabaje, más complacientes serán las recompensas, y que la fama de "Laurel And Hardy" se la deben a su ética profesional y la esencia en la personalidad del dúo que, con esfuerzo, lograron presentar a un público aplaudiendo. - Jon S. Baird, better known because of "Filth", made a non-recognizable drama called "Cass" (2008) and after directing some episodes in TV series with little reach, he presented in 2018 his third film: "Stan & Ollie". The director is from Scotland and he joined forces with Jeff Pope, a writer and producer of TV and cinema exclusive of England, to tell the story of Stan Laurel and Oliver Hardy, who were the most famous comedy duo from the 30s to the 50s. After 15 years of tension and distance, they reunite to revive the fame and sparkle that they had in the world before Hardy decided to not renovate the contract that he had with Laurel. The plan is to make a tour across all England with which Stan can persuade a cinema producer who can help him film the script that will help them economically and put them in the entertainment industry again. The movie is a fair cinema work that creates respect for Steve Coogan and John C. Reilly, who show a great dynamic in the screen and talent to dominate and jump from humor to humor that the scrip skillfully inserts in the narrative. The duo is very precise in their interaction and flows along the script with enough energy to win over the attention and smiles of the public. The director also has merit: in several scenes can be noticed the fluency, the decorum, and elegance of the camera, as well the sensibility of his vision. Very different from "Filth" (2013), a dirty comedy about corruption; "Stan & Ollie" is charismatic, eloquent, optimistic, sometimes frustrating but always entertaining. This story about the clash of identities and teamwork teach us about how the harder the work, the pleasant can rewards be; and that the fame of Laurel And Hardy it's owned to their professional ethics and the essence of the duo personality that, with a lot of effort, achieved to show in front of a clapping public.

"We'll decide what's impossible."- . ( 20/100 ) . "Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw" es una grosería cinematográfica y una absurdez inaceptable. La historia pretende sostenerse con una ideología ilógica, nada ética e incoherente; por lo tanto la "gran" voluntad del villano, interpretado por Idris Elba, simplemente provoca vergüenza. El guión, al contrario de otras películas de Fast And Furious y cualquier película de acción, construye su épica con frases ofensivas entre Hobbs y Shaw que se extienden eternamente. En ese aspecto, la actuación de Dwayne Johnson y Jason Statham no solo es mala, sino que, gracias a la misma dirección, es tan melodramática y deficiente que da lástima. Con toda seguridad digo que ni Vanessa Kirby, Helen Mirren o Eiza Gonzales (especialmente Eiza) tuvieron una participación relevante o digna de ser vista en todo el film. Los efectos especiales. Por Dios. Siempre pensé que el punto de la saga es crear una acción espectacular que empuje los limites de la realidad en el concepto de F&F (Furious 7 podría ser un buen ejemplo), sin embargo, la película es un ejercicio retrograda en la que las coreografías de pelea se interrumpen por la misma edición y los efectos especiales están tan lejos de ser realistas o dentro de las leyes de la lógica física, que provoca molestia. Este sutil Transformers se escuda detrás de valores culturales como la familia que "se tiene, se recupera y se gana" solo para eliminar cualquier gota de empatía, sensibilidad o sensatez. "Hobbs And Shaw" más que una película, es un montón de niños meándose dinero encima después de vender chicles masticados a sus padres ricos quienes, con indiferencia, les dan el dinero para que los dejen de molestar. Lo peor es que esta plaga promete un futuro, que es lo que más me ofende, pero ahora que sé que tan fútil puede ser la industria del cine, aspiro a actuar en contra de un consumo de entretenimiento ínfimo. Por favor no la vean. - "Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw" is a cinematography vulgarity and an unacceptable absurdity. The story pretends to sustain itself with an illogic, non-ethic and incoherent ideology; therefore, the "great" willingness of the villain, played by Idris Elba, simply provokes shame. The scrip, on the contrary of other Fast & Furious and any other action movie, builds it's epic throughout offensive dialogue between Hobbs and Shaw which extends eternally. In that aspect, the acting of Dwayne Johnson and Jason Statham is not just bad, but thanks to the direction itself, it is so melodramatic and deficient that it gives pity. With all the security in me, I state that not even Vanessa Kirby, Helen Mirren or Eiza Gonzales (specially Eiza), had relevant or worthy of seeing participation in the hole film. The special effects. My God. I always thought that the point being of the saga was to create a spectacular action that pushes the boundaries of the realness in the concept of F&F (Furious 7 could be a good example), but the movie is a retrograde exercise in which the fight choreographies are interrupted by the edition itself and special effects are way far from being realistic or accord to the physical logic that is annoying. This subtle Transformers shields itself behind the cultural value of family that "you have, you recover, and you win" just to delete any drop of empathy, sensitivity or sanity. "Hobbs & Shaw" more than a movie, is a bunch of kids pissing themselves money after selling chewed gum to their rich parents who, with indifference, give them the money to stop bothering them. The worst thing is that this plague promises a future, which is what offends me the most, but now that I know how futile the cinematic industry can be, I aspire to act against the consumerism of empty entertainment. Please don't watch it.

"Art is pain. Life is suffering." . ( 81/100 ) . Hay muchas fortalezas en el universo que se está construyendo alrededor del nombre de John Wick, y aunque su ejercicio narrativo está absorbido por su acción, también sorprende el hecho de que se logra construir un camino con golpes y peleas más que con palabras y "complejos" discursos. En este capítulo, el público continuará como testigo del recorrido que John Wick realiza en busca de su libertad. Ésta vez, él está dispuesto a ir hasta la punta del iceberg para negociar su salida de aquella red de sociedades bélicas y dedicadas al crimen organizado. Parabellum tiene lo suficiente para entretener y emocionar a un público amplio: Las secuencias de acción son ingeniosas, creativas y, varias veces, hipnotizantes, los diálogos están adecuadamente decorados con frases poéticas sobre el dolor y la gloria, la fotografía y la escenografía son difíciles de ignorar por su atractivo e impacto; tanto Keanu Reeves como Halle Berry demuestran una química y una chispa de energía increíble y, lo más importante, se nos permite descubrir más sociedades, artefactos y personajes que incrementan la intriga en el recorrido. Sin embargo, aunque la intriga crece, toda esa información no complementa la comprensión de dicho universo. Hay situaciones de alta importancia que se tratan de forma muy esporádica y situaciones "poco" importantes que toman "mucho" tiempo en resolverse. Sí, el enfoque de esta saga de acción es construir situaciones de alto impacto visual con coreografías realistas y que fluyan técnicamente, pero, aunque sabemos que Wick quiere sobrevivir porque está siendo cazado, la película incrementaría el valor de su historia si tan solo explicara por quien y por qué. - There are many strengths in this universe being built around the name of John Wick, and even though the narrative exercise it's absorbed by its action, it's surprising the fact that the film achieves to build its way with punches and fights more than with words and "complex" speeches. In this chapter, the public will continue as witnesses of John Wick and his road to freedom. This time he is willing to go to the tip of the ice-berg to negotiate his exit of that warlike society dedicated to organized crime. Parabellum has enough to entertain and excite a wide public: The action sequences are clever, creative and, several times, hypnotizing; the dialogs are accurately decorated with poetic phrases about pain and glory; the photography and scenery are hard to ignore because of its attractiveness and impact; both Keanu Reeves and Halle Berry shows an incredible chemistry and a sparkle of energy, and, the most important, the intrigue in the story is increased by the introduction of more societies, artifacts, and characters. Nevertheless, even if the intrigue increases, all that information doesn't complement the understanding of that same universe. There are topics of high relevance with a sporadic treatment and situations of "little" importance that take "a lot" of time to resolve. Yes, the focus of this saga is to build high visual impact situations with realistic choreographies and technical flow, but even if we know that Wick wants to survive because he is being hunted, the film would increase the value of its narrative if it just would explain by who and why.

"I'm not the one who is lost." . ( 81/100 ) . Toy Story nació en 1995 y ha crecido junto a su audiencia. Cada una de sus aventuras reitera la formula, esencia y estilo de la saga más identificable del cine. 24 años y una trilogía después, Woody y Buzz Lightyear regresan con una aventura más en la que los juguetes aprenderán nuevas y valiosas lecciones con la que podrán cerrar ciclos y abrir caminos. Bonnie está nerviosa por entrar a la escuela, así que Woody decide apoyarla. En su esfuerzo, Bonnie crea un juguete con materiales desechables que la calma y estimula espiritualmente, pero Forky, el nuevo juguete, tiene una concepción de si mismo que disparará esta nueva aventura. Toy Story 4 tiene un par de problemas para organizar sus moralejas, que son varias y muy valiosas, y pasa gracias a la formula de la saga: abrir con una propuesta "original", los personajes se adaptan, pero para ello se hace una burbuja de acción "inteligente" en medio del trama que enganche al publico con tensión y abra paso al propósito de la propuesta inicial. Esta técnica le da un ritmo mecánico al film y, aunque no aburre, tampoco logra homogeneizar sus elementos sensibles y de acción. Sin embargo, los momentos sensibles están llenos de conciencia, auto-crítica, valores, percepciones y argumentos que aterrizan al público en el terreno, me atrevería a decir, más humano de la saga, pues destruye la idiosincrasia de los personajes y elimina la presencia del "enemigo" a través de un discurso hermoso sobre la consideración, la utilidad y la oportunidad de aprovechar y otorgar segundas oportunidades. Toy Story 4 ya no nos trata como niños, y como adultos tenemos que entender que en la vida no hay enemigos, solo concepciones diferentes que merecen la misma atención y respeto. Quiero remarcar una animación y fotografía con mucha textura que embellece cada locación. La música también contribuye y, en general, las bellezas y el suspenso son de alta calidad que, aunque sean engranes diferentes, fluyen sin problemas. - Toy Story was born in 1995 and has been growing up along with its public. Each one of their adventures reaffirms the formula, essence, and style of the most recognizable saga of cinema. 24 years and a trilogy after, Woody and Buzz Lightyear comes back with one more adventure in which the toys will learn new and valuable lessons with which will be able to close cycles and open roads. Bonnie is nervous about getting into school, so Woody decides to help her. In his effort, Bonnie creates a new toy with disposable materials that calms her and stimulates her spiritually, but Forky, the new toy, has a conception about himself that will trigger this new adventure. Toy Story 4 has some trouble to organize its morals, which are several and very valuable, and that’s thanks to the formula of the saga: open with an "original" proposal, the characters have to adapt to it and, therefore, a bubble of "clever" action is made in the plot to engage the public with tension and open a way to the porpoise of the initial proposal. This technique gives the film a mechanical rhythm and, if maybe it doesn't bore, neither achieve to homogenize its sensible and action elements. Nevertheless, the sensible moments are full consciousness, self-critique, values, perceptions, and arguments that hold the public to, what I would dare to say, the most humane moment of the saga. This is because it destroys the idiosyncrasy of the characters and eliminates the presence of an "enemy" through a beautiful speech about consideration, utility and the opportunity of taking and giving second chances. Toy Story 4 doesn't treat us as kids anymore, and as grown-ups, we must understand that there are no enemies, just different conceptions that deserve the same attention and respect. I just want to stand out the animation and photography with a lot of texture that embellishes each location. The music also contributes and, in general, the beauties and thrills are so high quality that, even though they are different gears, they flow smoothly.

"I laugh in the face of danger." . ( 65/100 ) . Yo creería que Jon Favreau se sentía indeciso sobre dirigir ésta película o no. The Lion King se siente muy semejante al liveaction: The Jungle Book (2016), uno de los clásicos de Disney que dirigió previamente. Pero mientras que The Jungle Book (2016) se siente muy solida y bien adaptada, The Lion King (2019) se siente sin magia e incongruente. La verdad es que The Jungle Book (1967) y The Lion King (1994) no son iguales. La historia de Simba y Scar no es diferente, y en ésta película se trata de recrear al clásico del 94 de la forma más puntual posible. Pero mientras se cuida la linea narrativa, el estudio comete la grosería de descuidar la esencia de la original: la animación extravagante, las montañas de elementos que marchan y decoran a un musical salvaje, un entretenimiento visual que no solo construye un contexto social-animal, sino que lo exponencía de tal forma que estar dentro del **** de los personajes es una aventura tanto como estar en su mundo salvaje. Nada de eso está y, en vez, se sustituye por un paisaje natural que, aunque los efectos especiales son justos y se esmeran por construir un mundo natural bello con personajes realistas, minimiza, no solo el mismo valor de su moraleja, sino la memoria de un clásico animado. Por lo tanto, la película resulta como una lógica historia de injusticia en la que la redención triunfa sobre los celos interpretada por animales que hablan y cantan. Pero no todo es malo. No podía esperarse menos de HansZimmer, que recrea la esencia y energía musical tan bien que le queda grande a la misma película. Yo lo nomino como mejor música original del 2019. Parece que Disney no se detendrá con su intención de alimentar la nostalgia del público a través de experimentos cinematográficos que, si bien algunos tienen más éxito artístico que otros, solo nos confirman que "Nada pasa del mismo modo dos veces." (Aslan). - I would think that Jon Favreau felt uncertain about directing this film or not. The Lion King feels very alike to the live-action The Jungle Book (2016), one of the Disney classics remake that directed previously. But, while The Jungle Book (2016) feels solid and well adapted, The Lion King (2019) feels magicless and incongruous. The truth is that The Jungle Book (1967) and The Lion King (1994) are very different. The story of Simba and Scar is the same one, and this movie tries to recreate the 94 classic in the most accurate way. But while the main focus is to take care of the narrative line, the studio commits the atrocity of neglect the essence of the original: the extravagant animation, the mountains of elements that march and decorate a wild musical, a visual entertainment that not only explains a social-animal context but also exponentiates it in such a way that being inside of the wildness of the characters is an adventure as much as being in their wild world. None of that is in here and, instead, it's replaced by a natural landscape that, even though the special effects are fair and works hard to build a beautiful natural landscape with realistic characters, it diminish both the value of it's moral and the memory of an animated classic. Therefore, the movie ends up being a logical story about injustice in which redemption triumph over jealousy played by animals that can talk and sing. But not everything is bad. It could not be expected less from Hans Zimmer, who recreates the musical essence and energy so well that it feels bigger than the actual movie. I nominate it as best original score of 2019. It looks like Disney won't stop with its intention of feeding the nostalgia of the public through cinematographic experiments that, if maybe some of them have more artistic success than others, only prove that "Things never happen the same way twice." (Aslan).

"You're supposed to be the generation who lead us into the future." . ( 65/100 ) . No hay mucha diferencia entre ésta y varias otras películas infantiles. How To Train Your Dragon jamás fue mi mayor afición y ver la conclusión de esta saga no me fue conmovedor. Sin embargo debo de admitir que hay un par de momentos de gran valor narrativo y emotivo que la salvan de ser totalmente invisible. En esta aventura, Toothless y Hiccup, interpretado por Jay Baruchel, rescatan dragones y los integran a un estilo de vida más seguro. Sin embargo, el espacio en donde habitan ya es muy pequeño para todos los integrantes y también es muy vulnerable de los agresores, por lo tanto, el plan es mudar a la sociedad de dragones y humanos al mundo escondido en donde podrán vivir sin confrontaciones. La única parte de ingenio que vale la pena rescatar en la narrativa es la forma en la que el amor no se puede sostener sin la amistad. Me hubiera gustado una resolución en la que el sacrificio y el abandono no se hubiera dado, pero también entiendo que es parte de una intención que hará que sobreviva tanto la emoción por la saga como el respeto por la mitología en la que se basa. Visualmente, sí es un festín. Hay una aglomeración de elementos y detalles que hace que el recorrido asombre con colores, formas, especies, lugares y una que otra secuencia visual que hará que el cariño de la gente por la saga no desaparezca pronto. Hiccups le enseña al público el valor del ser incondicional y la forma en la que eso crea amistades y relaciones tan fuertes, humildes y transparentes que la distancia, cuando es la solución, no es un obstáculo. The Hidden World es una película carismática que no aspira a nada más que a mostrar un mundo visualmente hermoso y una narrativa fácil de digerir cuyas pequeñas vueltas dramáticas engancharán a grandes y pequeños. - There's not much difference between this and many other kids movies. How To Train Your Dragon never was my biggest fondness and seen the conclusion of this saga was not really moving for me. Nevertheless, I will admit that there are a couple of moments with great narrative and emotive value that save it from being completely invisible. In this adventure, Toothless y Hiccup, voiced by Jay Baruchel, rescue and integrate dragons to a much safer life stile. The problem is that the space where they live is too small for all of the members and too vulnerable to attackers, therefore, the plan is to move the human-dragon society to a hidden place in which they will be able to live with no confrontations. The only clever part that is worth saving in the narrative is the way in which love is unsustainable without friendship. I would’ve liked a resolution in which sacrifice and abandonment would not have happened, but I also understand that is all part of the intention to survive both the emotion for the saga and the respect for the mythology in which is based. Visually, it is a feast. There's a jam of elements and details that makes the travel to surprise with colors, forms, species, places and some few visual sequences that will hold the affection of the people to the saga for some long time. Hiccups teaches about the value of being unconditional and the form in which that creates strong, humble and honest enough friendships and relationships that distance, when it is a solution, it's not an obstacle. The Hidden World is a charismatic movie that doesn't aspire to more than a visually beautiful world and an easy to consume narrative with little dramatic turns that will engage kids and grown ups.

"It's easy to fool people when they are already fooling themselves." . ( 68/100 ) . Spider-Man: Far From Home relaja el ambiente adecuadamente justo después de Avengers Endgame, sin embargo también tumba la calidad que el MCU logró con Endgame y Avengers Infinity War. Far From Home gana y pierde al mismo tiempo. Todos los personajes son triviales y desenfocados, lo cual revela que la historia tiene problemas para mostrar su propio propósito. Misterio, lejos de ser enigmático, es confuso tanto por su falta de finalidad como por su propia misión y Parker, aún después de lo que ha enfrentado como super-heroe, parece desconocer sus prioridades; y cuando al fin está decidido, explicarse es un acto forzado que arruina cualquier carga dramática. No es culpa de Tom Holland o Jake Gyllenhaal, quienes actúan puntualmente, sino del guión, que no se decide entre ahorrar diálogos o dar más romance, comedia o acción. Por otra parte, la ironía en las historias secundarias agregan una carga de comedia boba y molesta totalmente innecesaria que le quita seriedad e importancia a la trama principal. Fuera de la molestia que me provocó ver esas deficiencias, admitiré que la película me sorprendió. No considero que los efectos especiales hayan sido buenos pero dieron vida a un concepto visual muy interesante de explorar. La cuestión de las ilusiones ópticas y la transformación del espacio gracias a la aplicación de la realidad virtual me dejaron con ganas de más situaciones similares. Las secuencias de acción se extrapolan y mientras las de Misterio se sienten recicladas, a Spider-Man le dan creatividad y le permiten relucir con coreografías algo ingeniosas. También hay puntos de impacto, que no revelaré para evitar spoilers, que logran anclar al film a un nivel de tensión terrenal que sustituye el factor de la fantasía por un impacto tan realista que puede provocar escalofríos. Peter Parker tiene mucho que aprender y eso no supone prosperidad para el héroe si no deja de ser un aprendiz y se convierte en un sabio. - Spider-Man: Far From Home smooths the mood properly just right after Avengers: Endgame, nevertheless, also tackles the quality that the MCU achieved with Endgame and Avengers: Infinity War. Far From Home win some and lose some. All the characters are trivial and unfocused, which reveals the failures of the story to show its purpose. Misterio, far from being enigmatic, it's confusing both by his lack of finality and by his own mission; and Peter Parker, even after what he have faced as a superhero, seems to not know his priorities, and when he finally makes up his mind, explaining himself it's a forced act that ruins any dramatic value. It's not Tom Holland's or Jake Gyllenhaal's fault, who act accurately, but it’s the scrip's fault, which doesn't decide if to save dialogs or give more romance, comedy or action. Also, the irony in the background stories adds a dumb and annoying comedy totally unnecessary that takes away all seriousness and importance to the main plot. Outside from the bother that those failings brought in me, I will admit that the movie also surprised me. I don't consider the special effects to be good, but they gave life to a very interesting visual concept to explore. The matter about optical illusions and the transformation of space thanks to the application of virtual reality left me wanting more similar ideas. The action sequences are polarized and while the ones of Misterio feel reused, creativity is given to Spider-Man and he's able to shine with kind of clever choreographies. There are, also, impact points, that I won't reveal because of spoilers, that achieve to hang the film in a down to earth level of tension that replace the fantasy factor for shocks so realistic that can give the chills. Peter Parker has a lot to learn and that might not promise prosperity for the hero if he doesn't stop learning and star knowing.

"I am, inevitable." . ( 95/100 ) . Ya por arriba de la euforia que me provocó Endgame podré ser más específico con esta reseña. Cuando hablo con la gente sobre Endgame siempre comienzo diciendo: Los hermanos Russo le tienen mucho cariño y entusiasmo a Marvel y su MCU que es notable la dedicación con la que desenvuelven y cuentan su historia. Desde el cameo de Joe Russo (quien lo ha hecho en las películas de Marvel que dirigió a excepción de Avengers Infinity War), pasando por varias fuertes referencias para los fans de verdad de Marvel y la capacidad de honrar la melancolía del público, hasta el ingenio con el que construyen a los personajes y sus destinos; esta última película de The Infinity Saga demuestra que el cine de acción, de consumo masivo y alto valor capitalista, también puede tener un gran valor artístico. Mientras que la trama de Infinity War se crea un ambiente lleno de tensión, emoción y acción, en Endgame, noté que el objetivo era contrastarlo y, por lo tanto, tenemos un desenlace más sensible, sentimental y dramático. Una forma muy acertada de tratar con ambas entregas. Por lo tanto, aunque menos peleas, tenemos más momentos personales e importantes, para los personajes, que los llevaran a recobrar, uno a uno, su propia inspiración y motivación. Por lo tanto, los actores, principalmente Robert Downey Jr, Chris Evans y Scarlett Johansson logran agregar dramática a la película y, junto a varios más, forman un elenco justo. Visualmente es poética y espectacular, especialmente porque se enfoca en construir escenarios enormes y llenos de emoción en donde la luz es caótica, el espacio pacífico, la tierra pesada y todos logran al menos una postura digna de un memorial. La música, por Alan Silvestri, complementa la emoción perfectamente y, en sí, me encantó tanto que podría hablar de Endgame sin cansarme. Me da gusto ver que hay gente que, por más sumergida en la industria comercial, todavía es responsable de su propio arte. Gracias. - Now that I’m over the euphoria that Endgame caused in me, I will be able to be more specific in this review. When I talk with people about Endgame, I always start by saying: The Russo brothers are very fond and enthusiastic to Marvel and it's MCU that it's remarkable the devotion with which they unfold and tell their story. From Joe Russo's cameo (who has done it in the Marvel movies that he has directed, except in Avengers: Infinity War), passing through strong references for true Marvel fans and the capacity to honor the public's melancholy, until the cleverness with which they make their characters and their destinies; this last movie from the Infinity Saga shows that action cinema of massive consumerism and high capitalist value can also have a great artistic value. While the plot of Infinity War creates an environment full of tension, emotion, and action, in Endgame I notice that the objective was to contrast it and, therefore, we have a more sensible, sensitive and dramatic outcome. An accurate way to deal with both deliveries. Thanks to that, the actors, mainly Robert Downey Jr., Chris Evans, and Scarlett Johansson achieve to add drama to the movie and, along with other actors, they build up a fair cast. Visually it's poetic and spectacular, especially because it focuses on build gigantic sceneries full of emotion in where light is chaotic, space is calm, the ground heavy and everyone achieves, at least, one posture worthy of a memorial. The music, by Alan Silvestri, complements the emotion perfectly and, anyways, I loved it so much that I could talk about Endgame without getting tired. I'm glad to see that there are people that, even though they are deep into the commercial industry, are responsible of their own art. Thanks.

"I've had better nightmares." . ( 71/100 ) . No hay mucho que discutir de Captain Marvel con Brie Larson como protagonista. Carol Denvers es parte de un fuerza militar élite Kree en la que Yon-Rogg, interpretado por Jude Law, ayuda a Carol a controlar sus poderes e impulsos y, al mismo tiempo, es entrenada para luchar una guerra en contra de los Skrulls. Pero una misión en el planeta Tierra, que provoca misterios y revelaciones, ayuda a Carol a descubrir su verdadero ser y poder. Al igual que todas o la mayoría de las peliculas del MCU, no hay un impulso dramático muy importante o que valga la pena. En cuestión de la historia, me atrevería a decir que es una de las películas más monótonas que recuerdo de Marvel. Su error está en que trata de sensibilizar al público en temas que conocemos muy poco y, al mismo tiempo, lo hace de forma muy diplomática. Esta es una película algo política con un discurso de inclusión con el que el público no podrá empatizar adecuadamente; no por la falta de valor en el mensaje, sino por la falta de trasfondo y lo que ignora la protagonista y, con ella, el público. Irónicamente, eso ayuda a que la moraleja reluzca y, cuando es necesario, crear intensidad emocional. La película tiene éxito en mostrar a un personaje que es fuerte por ser humano y no por sus poderes habilidades. Visualmente no es la película más espectacular de Marvel, incluso si omitimos las películas de Avengers y la música, compuesta por Pinar Toprak, resalta y apoya un poco la emotividad en el proyecto. Si me gustó más de lo que me gustaría aceptar es por la misma moraleja y que Larson la personifica con seguridad, autoconfianza e individualidad, valores con los que me identifico plenamente pero que, desafortunadamente, no se construyen bien en Captain Marvel. - There's not a lot to discuss of Captain Marvel with Brie Larson as the protagonist. Carol Denvers is part of a Kree military elite force in which Yon-Rogg, played by Jude Law, helps Carol to manage her powers and impulses and, at the same time, is trained to fight a war against the Skrulls. But a mission on planet Earth, that brings into light mysteries and revelations, helps Carol to discover her true self and power. Just as all or most of the MCU movies, there's not a very important or worthy dramatic impulse. Talking about the story, I would dare to say this is one of the most monotone movies of Marvel that I can recall. Its mistake it's in how it tries to sensitize the public in topics we know little and, at the same time, it does it in a very diplomatic way. This is a kind of politic film with a speech about inclusion with which the public won't be able to empathize properly; not because of the lack of value in the moral, but because of the lack of background and what the main character and, with her, the public. Ironically, that helps the moral to shine and, when it's necessary, create emotional intensity. The movie succeeds in showing a strong character because of being human and not because of her powers and abilities. Visually it's not the most spectacular movie of Marvel, even if we omit the Avengers movies and the music, composed by Pinar Toprak, highlights and supports a little the emotivity in the project. If I liked it more than what I would like to accept is because the same moral and that Larson personifies it with security, self-confidence, and individuality, values with which I fully relate but, unfortunately, are not well built in Captain Marvel.

"Commitment!" . ( #65/100 ) . Dirigida por Mike Mitchell y protagonizada por Chris Pratt y Elizabeth Banks; en esta segunda entrega de The LEGO Movie, el universo de LEGO se enfrenta a los invasores de Lego Duplo, quienes han destruido todo indicio de "awesomeness" en la ciudad. Después de cinco años, los ciudadanos se han vuelto más rudos y maduros, a excepción de Emmet, quien se ve en la necesidad de cambiar cuando Wyldstyle y sus amigos son raptados y llevados a otra dimensión. The LEGO Movie 2: The Second Part es una ingeniosa sátira que logra crear y contagiar una burla sobre la formula popular del consumismo actual, aún cuando no hace nada para cambiar el rumbo. Otro de los méritos es la animación y, aunque hay mucho CGI y falso stop-motion, la #película agrega elementos como dibujos 2D, material no animado y escenarios realistas para nivelar los ambientes y darle velocidad y dinámica. Lo que más me sorprendió fue la habilidad que tiene para crear una doble narrativa, en la que los personajes, sus acciones y descripciones, proponen una historia superpuesta fuera de lo que se ve. Aunque estos aciertos son suficientes para mantener entretenido al público, no son excelentes y la trayectoria narrativa cliché, el dramatismo irónico y el pop reciclado provocan que el público nunca cruce la barda de la experiencia y se quede en una entretenida observación. The LEGO Movie 2 busca implantar el dilema que existe entre cambiar y ser uno mismo. La moraleja es intermitente en la película y la resolución, aparte de estar muy disuelta, busca dar una respuesta determinada: "Se tú mismo", lo cual provoca el abandono de la intención que de repente tuvo la historia de decir: "Cambia para bien" o "Madura". Personalmente eso fue lo que me hizo cavilar y crecer cierto disgusto por ella, pero para un público poco exigente, The LEGO Movie 2: The Second Part es suficiente para entretenerse y no sentir tedio por el cine infantil. - ️English version️ - Directed by Micke Mitchell and voiced by Chris Pratt and Elizabeth Banks, in this follow up of The LEGO Movie, the universe of LEGO faces the invaders of LEGO Duplo, who have destroyed any sign of awesomeness in the city. After five years, all the citizens have become tougher and more mature but Emmet, who's challenged to change once Wyldstyle and his friends are abducted and taken to another dimension. The LEGO Movie 2: The Second Part it's a clever satire that achieves to create and spread a mockery about the popular formula of actual consumerism, even yet, when it does nothing to change it. Another one of the merits it's the animation and, even though there's a lot of CGI and fake stop-motion, the movie adds elements like 2D drawings, non animated material and real live sceneries to play with the environment and give rhythm and dynamism to it. What surprised me the most was its ability to create a double narrative, in which its characters, their actions and descriptions, proposes an overlapped story outside of what it's been seen. Even though these achievements are enough to keep the public entertained, they are far from being excellent and the cliché narrative, the ironic drama and the recycled pop makes the public to never cross the wall of experience and leaves them only in an entertained observation. The LEGO Movie 2 search to place the dilemma between change and being oneself. The moral its intermittent in the movie and n the resolution, which is very dissolved, tries to give a determined answer: "Be yourself", which causes the abandonment of a sudden intention in the story to say: "Change for good" or "Grow Up". Personally, that was what made me brood and grow some dissatisfaction for it, but for a less demanding public, The LEGO Movie 2: The Second Part it's enough to get entertained and not feel tedium for kid films.

"Cheeky white fellow." . ( 77/100 ) . Warwick Thornton, de Australia, presentó su tercer film en la Biennale y en el TIFF 2017 en donde recibió la bendición de la critica profesional. Sweet Country es una aventura dolorosa cuyo paisaje demuestra la talentosa #fotografía de Thornton que retrata no solo la belleza y la quietud de un lugar salvaje, si no también, la ausencia de humanidad gracias a la falta de justicia y, aún así, su sensibilidad. I don't want to discredit the movie, which is beautiful, but it doesn't controls well the quantity of tension that it want. Sam Kelly y su familia son abusados por los ciudadanos de un condado muy retirado en los años 20 de Australia y los actos ebrios de uno de ellos provoca que Sam sea culpado de asesinato. Esto provocará que la familia se vea perseguida y juzgada bajo términos nada imparciales. Mientras la historia defiende la justicia que Sam busca al huir del juicio, también tiene el ingenio de juzgar a la justicia misma. El elenco hace un trabajo justo para representar sus papeles y logra generar la tensión que busca la historia, pero, sin querer desacreditar a la película, pues es hermosa, esta no mide bien la cantidad de tensión que quiere y, como tampoco busca complacer al público, usa el silencio como voz principal para expresar un discurso de agonía, opresión, trauma, ignorancia y angustia. Por lo tanto los personajes ahogan el razonamiento con decisiones impulsivas cuyas consecuencias se basan en el estatus social de la época. Sweet Country es una historia que hace justicia a ese mismo valor. Crea una pesada tensión por su valor enorme que hará al público crítico feliz de su misma completud y al público en general cargar con una culpa que preferirán ignorar. - Warwick Thorton, from Australia, presented his third film in the 2017 Biennale and TIFF, where received the blessing from the professional critique. Sweet Country is a painful adventure which landscape shows the talented photography of Thorton that shows not just the beauty and the quietness of a salvage place, but also, the absence of humanity thanks to the lack of justice and yet, how sensible it is. Sam Kelly and his family are abused by the citizens of a far away county in the '20s of Australia and the drunk acts of one of them makes Sam to be blamed for an assassination. Then, the family will be persecuted and judged under impartial terms. While the story defends the justice that Sam searches by running away his trial, it also has the cleverness to judge the justice itself. The cast makes a fair job to represent their roles and they achieve to create the tension the story searches, but, and I don't want to discredit the movie, which is beautiful, it doesn't controls well the amount of tension they want and, as it doesn't want to please the audience, uses the silence as the principal voice to express a speech of agony, oppression, trauma, ignorance and anguish. Therefor, the characters drown the reasoning with impulsive decisions which consequences are based in the social status of that epoch. Sweet Country is a story that makes justice to that same value. It creates a heavy tension given to its high value that will make the critical public happy by its own fullness and the general public to burden a guilt that would prefer to ignore.

"If you love what you do, you can survive anywhere." . ( #20/100 ) . Después de ver la nueva película de Nuri Bilge Ceylan, "Ahlat Agaci" (Official Selection Cannes 2018), me decepcioné y molesté con lo que la gente hace con el cine a veces. El mérito que la gente le da a la película se encuentra en el dialogo, el cual conforma todo el proyecto. Pero mientras unos ven una extensa e importante conversación que revela la angustia existencial hacia los valores y acciones tomadas por los varios "roles" que conforman a la misma cultura que afecta y forma al individuo, yo veo una fallida intención de explicar la serie de posturas indefinidas que conforman a la cultura ignorante y vacía con la que luchará la voluntad de un sujeto igualmente confundido y que, al final, el mayor atributo de su viaje es que "aprendió" que "solo sabe que no sabe nada". Hay certeza en la existencia y se basa en la información, pero si lo sustituimos por una sutil y pesada intención de convicción, entonces no habrá resolución. "The Wild Pear Tree" ignora eso y se convierte en una conversación sin argumentos, conceptos definidos, acuerdos o conclusiones, que le da permiso a sus personajes de defender una postura poco informada y muy sesgada que simplemente se deja a la deriva de la atención de la gente con poco habito de reflexión. Visualmente no existe una menor intención de poética y congruencia entre tomas. Hay drásticos cambios de calidad de imagen que se pueden ver entre cortes, una falta de cuidado en la corrección de color o, mínimo, mostrar el panorama de la historia de forma sensible. Las actuaciones simplemente se encargan de conversar con elocuencia el dialogo que representan. La intensidad dramática solo se presenta en 3 min. de las 3 horas que la película hace soportar a su público. El cine no solo puede ser más que un vórtice de incertidumbre mal producido, sino que también tiene que promover el valor de la voz y el propósito; no de voces ignorantes e intenciones incompletas cuya resolución sea la rendición. - After seeing the new #movie of Nuri Bilge Ceylan, “Ahlat Agaci” (Official Selection in Cannes 2018) I got disappointed and mad with what people makes with cinema sometimes. The achievement that people gives to the film it’s found in the dialog, which builds up all the project. But when some see an extensive and important conversation that reveals the existential anguish towards the values and actions taken by the several “roles” that conform the same culture that affects and forms the individual, I see a failed intention of explaining the different undefined postures that conforms the ignorant and empty culture with which the will of one subject, equally confused, will fight so, at the end, the major attribute of his journey is that he “learned” that “he only knows he doesn’t know anything”. There is certainty in the existence, and it’s based in information, but if we substitute it with a subtle and heavy intention of conviction, then there will be no resolution. “The Wild Pear Tree” ignores that and becomes a conversation with no arguments, defined concepts, agreements or conclusions, that permits its characters to defend a poorly informed and very biased posture that ends up adrift to the attention of people with little reflective habits. Visually there’s not a minor intention of poetic or congruence among the takes. There are drastic changes of quality in the image between cuts, a lack of care in the color correction or, at least, in showing the landscape in a sensible form. The acting simply is responsible of making an eloquent conversation with the scrip that they represent. The dramatic intensity it’s only shown in 3 min. out of 3 hours in which the movie makes it’s public to sit through. Cinema can’t just be more than a vortex of uncertainty badly produced, but it can also promote the value of voice and porpoise; not of ignorant voices and incomplete intentions which resolution is rendition.

"You're nothing but a cold fart" . ( #76/100 ) . Basada en una historia real, Ron Stallworth, interpretado por John David Washington (hijo de Denzel Washington), es un policía negro en cubierto que logra infiltrarse en la organización del KKK para evitar una confrontación social trágica. Spicke Lee reconoce la fortaleza que la lección de su #película tiene, sin embargo, la combinación de humores, aunque anima al público, también le quita intensidad al proyecto. Por lo tanto, la actuación se contrarresta y no hay un momento dramático central en la historia que esté liderado por el elenco principal. Aunque sí hay un momento clímax, este se construye plenamente por el desarrollo de eventos y la música, la cual, interpuesta entre la comedia y el drama, solo agrega una sensación de exageración. Y aunque sí hay una poética visual, esta no se encuentra en el cuerpo de la narración y solo se presenta cuando la dirección decide agregar decoración visual a la esencia de ésta. Por ultimo, la película cuenta con un final algo encimado. Aunque es correcto y tiene éxito en generar un impacto y conciencia social, este trata de cerrar el ambiente de la película con cierta intensidad que no precisamente arregla el temple del proyecto total. Siendo honesto, realmente no estoy familiarizado con el cine de Spike Lee, pero, independientemente del contexto social y cinematográfico del director, "BlacKkKlansman" es un desarrollo de eventos entretenido de ver y con una cereza muy dulce para un pastel que es de fácil digestión. - Based in a real life story, Ron Stallworth, performed by John David Washington (Son of Denzel Washington), is a black undercover cop that managed to infiltrate to the KKK organization to avoid a tragical social confrontation. Spike Lee knows the strength of the lesson that his movie has, nevertheless, the combination of humor, if it animates the public, also takes the intensity away of the project. So, the acting counteracts and there's not a central dramatic moment in the story led by the principal cast. Even though there's a climax moment, this is mostly done by the development of the events and the music, which, in between the comedy and the drama, only adds a sensation of exaggeration. And even though there's a visual poetic, this is not in the body of the narration and it's presented only when the direction decides to add a visual decoration to the essence of it. At last, the movie has an ending quite topped. Even though it's correct and succeeds to give a social impact and consciousness, the movie tries to close the ambient of the movie with certain intensity that doesn't really fix the temper of the whole project. Being honest, I'm not really familiarized with the cinema of Spike Lee, but, independently of the social and cinematographic context of the director, "BlacKkKlansman" is an entertaining development of events to watch with a cherry too sweet for a cake that is of easy digest.

"When you love someone, this is what you do." . ( #60/100 ) . El propósito de Shoplifters es importante, complejo y con un valor reflexivo enorme, sin embargo, su valor final está en el dilema moral (que solo propone) y no en la experiencia narrativa y cultural que trata de integrar a ese dilema. Esta es una familia que puede ayudar y adoptar a una niña con quien solo ganan dilemas morales y económicos. Con 2 horas de duración, Shoplifters le dedica 3/4 del tiempo a explorar esos dilemas y exponer una gran gama de emociones personales. Al principio es fácil dejare llevar por esa observación y admirar los detalles de un espacio oprimido en una cultura específica, pero la falta de tensión y la gran carga de sensibilidad provoca que la #película se vuelva pesada y menos conmovedora, aun cuando visualmente intriga el hecho de que puede agregar textura, temperatura y tamaño a la historia. Es hasta el último tercio cuando se presentan una serie de enigmas que no se introducen previamente de forma adecuada. A partir de ahí, la actuación se eleva minimamente para cooperar con un suspenso con poco sustento, pero que tiene éxito en plantear un dilema moral que, mientras más inocente sea el espectador del propósito, menos atención ganará. - The porpoise of "Shoplifters" it's important, complex and with a big reflective value, however, its final value is in its moral dilemma (which only proposes) and not in the narrative and cultural experience that tries to incorporate in that dilemma. This is a family that can help and adopt a little girl who only brings economic and moral dilemmas. With 2 hours of duration, Shoplifters dedicates 3/4 of its time to explore those dilemmas and expose a wide range of personal emotions. At the beginning its easy to let go by that observation and admire the details of a repress space in a specific culture, but the lack of tension and the big deal of sensibility provokes that the #movie becomes heavy and each time less moving, even when visually intrigues the fact that it can add texture, temperature, and size to the story. It's until the last third when a series of enigmas are presented without being introduced properly. From there, the acting elevates minimally to cooperate with a suspense with little sustain, but it achieves to stipulate a moral dilemma that, while more innocent the spectator is of the porpoise, less attention it will have.

- Se Rokh (2018) - . "Es un toro con bolas de oro." . ( #45/100 ) . Esta búsqueda propone una visión cultural que es tanto irónica cómo valiosa. Teniendo en cuenta la consecuencia política, Jafar Panahi, el Iraní quien presentó en el 2015 "#Taxi" y ganó el #GoldenBear en la #65Berlinale, regresa a su zona segura: dentro de un coche. En el, le da un recorrido al público en una espacio estancado en el tiempo que oculta una intención y aspiración. Perseguiremos a nuestros personajes tanto como para ver un gran pedazo de la enigmante y curiosa cultura que subsiste en las lejanías del horizonte, como para estipular que esa existencia se la debe a la juventud, rebelde y hambrienta de información y decisión. Una historia que no cuida actuaciones, con vacías y largas conversaciones y sin decoro visual cuyo poder, por mínimo que sea, está en presentar un lugar cuya lejana locación solo entierra deseos, condena a los valientes y celebra, con inocencia, su ignorancia. ------------------------ This searching proposes a vision of a culture that is as ironic as valuable. Taking into account the political consequence, Jafar Panahi, the Iranian who presented "Taxi" in 2015 and won the Golden Bear in the 65 Berlin International Film Festival, comes back to his safe zone: a car. In it, he gives a tour to the public in a place stuck in time that hides an intention and aspiration. We will chase our characters to see a big piece of the enigmatic and curious culture that remains far away in the horizon to stipulate that its existence its owned to the youth, rebel and hungry of information and decision. A story that doesn't take care of actuation, with long and empty conversations and no visual decorum which it's only power, as little as it is, it's presenting a place which remoteness only buries wishes, condemn the brave and celebrate, with innocence, it's ignorance.

"I'm not fake, you're bore." ( 100/100 ) . Siento que no quiero escatimar palabras, reducir textos y construir frases breves, pero realmente el resultado de toda ésta producción se puede reducir a una sola expresión: Esto es perfección. Sí, yo sé que es una oración que no se debe de usar de cualquier manera y que su valor es tan poderoso como para que solo los dioses se la merezcan, pero si Aglaya me diera la oportunidad de conquistarla le invitaría una crepa dulce y la llevaría al cine a ver ésta muestra de creatividad, ingenio y humanidad pura. El Jazz es un género meramente musical que se identifica por su veracidad y capacidad de generar estructuras de dialogo instrumental a través de la improvisación. Pero hoy me atrevo a estipular al Jazz como un género visual y cinemático también. Éste es el primer acercamiento que tengo al cine de Gaspar Noé y ya con la obligación de estudiarlo en su totalidad declaro que él y su propuesta visual es totalmente Jazzista. Como si la construcción y posterior descomposición de la imagen fuera el tema principal en Climax, Noé entra al estudio con un guión de 5 páginas y la presurosa intención de grabar en solo 2 semanas para mostrarnos una puesta en escena construida en su 80% con improvisaciones. Los diálogos, los bailes y la expresiones del elenco se van adaptando a las situaciones que se han establecido para que, a través de largos y grandiosos planos secuencias, la brocha de la cámara pinte con los actores toda la cinematografía. La actuación, por lo tanto, es una muestra de drama carnal interpretado por cuerpos y almas apasionados por la misma improvisación. Con la intención de querer mencionar a los 24 respetables y excelsos miembros del Cast, solo remarcaré a la merecedora de un Academy Award por su actuación en Climax, Sofia Boutella, quien es, literalmente, la única en el cast que tiene una carrera cinematográfica. Aparte de ella, repito, todos merecen al menos una nominación en los festivales más refinados como mejor elenco o mejor actuación de soporte. El merito está en la capacidad de todos de encarnar una propia versión de una situación que construye personas conscientes y las resume en únicamente impulsos y reacciones epilépticas. El dinamismo emocional que la historia le exige a sus talentos y la creatividad de razonamiento que ellos mismos se crean para generar el arco narrativo, le da ganas al público de aplaudir el nivel de resolución psico-motriz que los actores tienen. En la cuestión visual, existe una poética magistral tanto en la forma técnica de crear la visión como en el contenido de la imagen, pues el uso de la colorimetría apoya la semiótica de la narrativa. Ésta semiotica no es estricta, lo cual hace de toda la película una gran oportunidad para que el público cree una interpretación propia y personal del viaje narrativo. Independientemente de la interpretación que le demos, la cámara y la fotografía, soportadas por el mismo Gaspar Noé, funcionan como las vías de una montaña rusa que jugará con nuestras emociones de la forma más espontanea y brusca posible, dejándonos sorprendidos por la intrusión íntima que logra con su sola estructura dramática visual. Sin darnos tiempo de indignarnos por esa intrusión, simplemente nos queda reflexionar y lentamente regresar a una vida real cuyo sabor no es tan dulce y tampoco tan amargo como lo que se acaba de ver. Ese es el éxito principal de Climax, pues nos levanta del suelo y nos sacude con tanto fervor que una vez terminada la experiencia, la vida real se siente tan diferente y sin la misma chispa de energía que las ganas de volver a sentir ese golpe de adrenalina no faltarán. Hay una gran cantidad de elementos que fluyen y sorprenden al público de diferentes maneras. El ingenio, la innovación y la creatividad que surge en la sala de edición de Noé se siente muy viva a través de la música que usa durante toda la narrativa y los diferentes cortes y elementos gráficos que aglomera en una fiesta de destellos visuales. Las letras, los mensajes, los negros, los blancos, los ángulos, les letreros, etc, todo se intercala para consolar a los ojos y almas de los que deseamos del cine una experiencia intima y espectacular. Tan cerca de ser un desastre que anonada con su osadía. Climax, sin querer hacer el cuento aún más bello, es simplemente una sorpresa, una intrusión, una liberación y una experiencia única en el cine que te puede hacer llorar, vomitar y sonreír.

"No puedo, estoy muerto." . ( 72/100 ) . Roma es una colección de fotografías que evocan una memoria con un valor sensible increíble, pero, como dije hace un párrafo, no puedes planear una memoria, y Roma es una memoria muy bien planeada. Cuaron no es un tonto y estoy seguro de que sabe cada una de las razones de sus decisiones y el alcance de ellas, lo admiro plenamente por ello. Sin embargo yo no me dejaré llevar tan fácilmente. Roma relata uno de los fragmentos más importantes en la vida de Cleo, quien trata de darle vida al recuerdo de Libo, quien fue la sirvienta, cuidadora y nana de la familia de Cuaron. Cleo será quien nos transporte por la ciudad y las habitaciones; quien nos hable de las personas, de los romances y odios; las clases sociales, los paisajes, los niños, los adultos y, en sí, el panorama intimo de la sociedad mexicana en los 70's. Cuaron reafirma su capacidad de hacer cine y su gran habilidad poética. Él se demuestra como una de las personalidades más responsables, humanas, emotivas y conscientes en su arte. Esto no es nuevo, pues en cada uno de sus proyectos sorprende narrativa, visual y simbólicamente. Sin embargo, Roma, como una carta personal a sus seres queridos, no lo siento como su mejor proyecto. A pesar de que cuida y detalla cada plano de sus tomas con paisajes, eventos y rostros, la película es pesada por el hecho de que pretende hacer que su público contemple lo más posible. Uno de los amigos con los que fui a verla mencionó al salir: "Siento que la película podría alargarse todo lo que sea y yo podría seguir viéndola a gusto." Le doy la razón, el nivel de encanto que el público le tenga a la película depende del nivel de atención que le preste a Cuaron, y la paciencia de cargar, no solo con la historia, sino con el lugar y tiempo mismo de la exposición. Dicha exposición es, repito, una colección de memorias fotográficas. La memoria no necesita de narrativa extra, de visualización extra, de buenas actuaciones, de un guión, de una dirección y de un elenco enorme para construir grandes y bellos espacios, sino al revés. El contexto, la actitud, la interacción y la situación están delimitadas por la misma memoria fotográfica. Y Cuaron tomó sus mejores fotografías, las recordó, construyó un escenario para recrearlas, escogió a la gente necesaria para representarla e, independientemente de la calidad, la presentó. Eso no solo es injusto, sino también un golpe bajo. Por eso hay gente enojada con Yalitza Aparicio y su falta de trayectoria; y Marina De Tavira y su falta de presencia comercial. Pero también es por eso que han sido muy merecidamente premiadas con sus nominaciones al Oscars. El ingenio reside en que Cuaron ha escogido los retratos más bellos no de su vida, sino de la vida. Así como esas pequeñas brisas de paz que me acariciaron aquel día en el que estuve en el bote, él toma a todo su equipo y los pone frente a la cámara para reaccionar ante la belleza de la vida y sus diferentes significados. La belleza de hablar con un niño, la belleza del cuerpo, la belleza del llanto, la belleza un abrazo, de un temblor, tanto en el cuerpo como en el alma, de una abandono, de una búsqueda, de una lucha, de una muerte y una victoria. Cuaron sabe que hay belleza en la vida y lo usa a su favor, usa a la vida para expresarla en su película junto a un elenco que no necesita nada más que ser sensible a ella misma. Por lo tanto no importa que la fotografía tenga efectos especiales, o que el guión salte abruptamente a una resolución incoherente con la actitud de los personajes, personajes que no demuestran un estilo de vida extraordinario. Mientras todos los elementos sean bien advertidos de qué, lo que están haciendo no es actuar y trabajar, sino vivir, todo estará bien. No me quiero extender más. El film es hermoso, y está muy bien filmado, la esperanza que tiene Roma en que el público sea tan sensible, paciente, atento y melancólico es demasiada. Personalmente, tengo suficiente belleza en mi propia vida como para querer verla a través de las fotos de alguien más. Otros tendrán suficiente belleza en la suya como para apreciar la de alguien más. Otros carecerán de belleza en su vida como para ser capaces de admirar la de alguien más, o tal vez carecen tanto de ella que son incapaces de reconocerla aunque la vean en una película. Sea cual sea la situación, Roma es una belleza que no es difícil encontrar en la vida que cada uno de nosotros va fotografiando y coleccionando en su memoria.

"The business model relays on the costumer's unshakable stupidity." . ( 95/100 ) . Vox Lux es la segunda obra de Brady Corbet, un chico que creció actuando en la escena dramática de Hollywood de los 2010's y aparece en películas de culto como Mysterious Skin (2004), Funny Games (2007), Melancholia (2011), entre otros. Cuando lo vi en Mysterious Skin lo consideré como una personalidad interesante de seguir. Sin embargo, después de algo de tiempo le gané indiferencia. A pesar de eso se ha aparecido intermitentemente en varías películas que buscan construir el cine de cultura en Estados Unidos y después de ver Vox Luz siento que, para él, estar al perímetro de esas experiencias le ha permitido formar una opinión amplia y crítica del espectáculo americano. Vox Lux, protagonizada por Natalie Portman y Raffey Cassidy, relata la historia de supervivencia de una chica en una jungla capitalista y consumista. Después de un evento nacionalmente trágico, la jungla social catapulta incidentalmente la carrera de esa chica quien crece para entender y defender la complejidad de su propia postura de privilegios y ventajas. Esa postura fácilmente la coloca como una ignorante en un mundo que tiene tantos puntos de fuga, sin embargo ella luchará por su propio centro. La magia máxima en la película es la facilidad con la que introduce los discursos. Narrada por Williem Dafoe y orada por Portman, Corbet presenta el guión más accesible y, aún así, complejo del año. Cada linea y cada escena está cargada con discursos emocionalmente pesados, filosóficamente complejos y brutalmente razonables. Ellos presentan la lógica detrás del valor (para mi, un antivalor) de la competencia. La competencia social, espiritual, económica, cultural y familiar. Todo nace de la observación que Corbet ha tenido de su propia cultura, una cultura con una total influencia política y que se alimenta del ámbito espectacular. Corbet toma esa política y la cultura del entretenimiento y descubre una reacción social increíblemente indignate ante los ojos de millones, pero justa ante los ojos de pocos miles. La palabra clave es Pop. La cultura pop nació en Estados a través de la música popular. Fue la gente de color, el jazz y la fusión de varios géneros que creció la apreciación por el arte de consumo masivo a nivel nacional. Posteriormente eso se convirtió en una cultura masiva la cual, bajo los permisos, errores y presencia de la política, se convertiría en un estilo de vida. Un estilo de vida que se define en cantidades materiales y cualidades superficiales. La crítica, entonces, se hace hacia la política, quien abre puertas para permitir escenarios horridos, macabros, sin valor espiritual y de alta demanda de consumo. El consumo, entonces, nos lleva a la plataforma del entretenimiento, quien alimenta inmesurablemente esa necesidad de mantener las torres de fama y los puentes sociales que llevan a los centros de atención, todo decorado por una joyería de egoísmo, vanidad e ignorancia emocional: "El éxito". El ingenio detrás del proyecto no solo es excelente: enamora; y Portman, Cassidy, Dafoe y Jude Law brillan en la forma en la que presentan cada capa narrativa, pues actúan con excelencia. Por parte de la visualización, no solo hay una simbología importante en varias escenas, sino que Corbet crea una sátira visual que se siente deficiente y exagerada (especialmente en el acto final) que busca revelar una piel no tan "especial" del entretenimiento. Como proponiendo la duda de "¿Realmente ésto es la gran cosa?". Y la música que Sia produce y escribe para la película lo corrobora. Ya hablaré de ello en mi reseña del soundtrack, pero a grandes rasgos, la música, que también es una ironía, expone el lado más plástico e inútil del espectáculo y qué, aún así, es mundialmente aclamado. Con la intención de concluir este escrito, solo mencionaré que la película termina con una sonrisa. A pesar de que se expone que nuestro mundo está inundado de ignorancia social, también hay orgullo, preocupación y amor inevitable que alimenta esa ironía existencial. Y también, a pesar de que todo esté perdido, realmente no lo está, porque son pocos los que pueden vivir al perímetro de esa perdición, son pocos los que la observan y están dispuestos a exponerla y desnudarla. Corbet es uno de ellos, emancipado de la expectación y promovedor del pensamiento crítico. Inspira.

"I don't think you can save people. Nicky." . ( 73/100 ) . Recuerdo cuando vi Stronger (2017) con Jake Gyllenhaal: Llena de propaganda y con una carga de sensibilidad que apela extremadamente a la idiotez emocional de la gente. Beautiful Boy tiene la decencia de no ser una novela drasticamente melodramática. Dirigida por Felix Van Groeningen, quien es de Belgium y lo he visto lucirse en The Broken Circle Breakdown, la cual fue nominada a un Academy Award como Best Foreign Language Film en el 2014, Beautiful Boy, desafortunadamente, cae en las garras del servicio social de Hollywood. El director, quien adaptó el guión junto a Luke Davies, equilibra las emociones de la historia y nos presenta momentos de calidez y frialdad visual y narrativa con éxito. Sobre la adicción y sus repercusiones en la estabilidad familiar, Beautiful Boy no quiere meterse en la complejidad del concepto y se enfoca en la transformación y vulnerabilización del entorno familiar ante las decisiones drásticas e impulsivas de uno de los miembros. A quien considero que es necesario resaltar en esa interacción es a Steve Carell, a quien jamás lo había visto más solido en una papel dramático, incluso después de verlo en Foxcatcher. Su esfuerzo es genuino y realmente le es fácil apelar a la figura paterna de la mayoría de las culturas. Yo no solo me identifiqué con él como persona, sino vi a mi padre en él y eso se me hizo muy conmovedor, no solo porque he visto esa actitud en mi padre, sino en los consejos y las atenciones que otras muchas figuras parentales me han dado: Padres de mis amigos. Por su parte Timothee Chalamet es supremo como siempre. Logra fluir con la complicada relación de la que está encargado construir y entre que impulsa a Carell y obedece a su guión, consigue adaptarse correctamente en las escenas. Fuera de las actuaciones considero que sí hay cierto atractivo fotográfico y cierta preocupación por la narrativa visual. Decoran y soportan la historia y las relaciones y evitan que la gente se distraiga o se confunda entre las sensaciones que la película trata de expresar. En resumen, visualmente es directa con el público y también bonita. La historia también tiene sus propias moralejas, y aunque se pueden abrir debates muy interesantes con las filosofías, decisiones y resoluciones a las que llegan los personajes, al director no le interesa exponer posturas o resolver dilemas; prefieren solo contar una historia, y siento que eso le quita intensidad al proyecto en general; eso lleva a que la conclusión de la historia se sienta rendida y algo abierta. Entiendo que el tamaño de la lucha en la historia merece privacidad y paciencia, sin embargo no hay un mensaje o propósito en el cierre narrativo, y los letreros de propaganda simplemente no ayudan. Créanme, si la propaganda no hubiera sido la intensidad final y hubiera sido más ingeniosa y sutil, hubiera donado ese mismo día, pero realmente la película no merece más inversión de la que le di al comprar mi boleto de entrada. El problema no está en el contenido, sino en el contexto. Personalmente buscaré el momento correcto para presentarle esta película a mi padre porqué se que él es más vulnerable a este tipo de publicidad y realmente le gustará, se encariñará y seguramente me lo agradecerá, pero si mi situación familiar fuera diferente, Beautiful Boy quedaría en la canasta de descuentos en cualquier Walmart. Pero hey, al menos vi a Steve Carell en su mejor expresión dramática.

"That's all it is Miles. A leap of faith." . ( 93/100 ) . Hace ya más de tres semanas que vi esta película y me duele muchísimo haber pospuesto este escrito. El dolor existe por la misma pasión que Spider-Man: Into The Spider-Verse prendió en mi y posponer ese grito de opinión sobre este proyecto me ha abrumado mucho. Pero no más, hoy se escribe y hoy se publica. Tan **** como temprano. No hay duda, mis amigos, las críticas y la voz de todos lo declaran: Spider-Man: Into The Spider-Verse es mágica, increíble y, simplemente, llena de una vida que contagia una cantidad de energía insostenible, pero que, también, nos enseña a controlar. Está dirigida por Bob Persichetti, quien domina la dimensión animada, Rodney Rothman, quien domina la parte narrativa, y Peter Ramsey, quien aprovecha la habilidad de estos chicos para expresar una visión propia. Entre los tres se nota cierto acuerdo y consenso entre el propósito del proyecto en general: la diversidad. La diversidad es un valor muy importante para la película, pues gracias a ella existen expresiones de dinamismo y creatividad de importante aporte. Esto se demuestra en una historia inclusiva que logra acoplar una gama totalmente drástica de personajes. Escrita por Phil Lord, quien se da el trabajo de investigar y respetar el perfil de los personajes que usa, la historia es un golpe de adrenalina increíble, pues saca los elementos más poderosos de cada uno de ellos. Contada desde los ojos de un chico cuyo contexto socio-político es tenso, da un símbolo que representa a una gama muy amplia de sociedades. Sin embargo, no lleva al símbolo al conflicto político y, en cambio, decide explotar el valor de esa inclusión proponiendo direcciones de prosperidad. En medio de una animación espectacular y una historia amigable, llena de comedia de calidad y cierta moralidad, hay un ingenio que presenta una historia tanto realista como razonable, inclinada a la lógica y emotividad humana, y, lo mejor, sin ser sensible. Otro de los méritos del guión es que los personajes y sus contextos ayudan mucho al argumento tanto cómico como moral, lo cual hace de todo el trayecto, uno muy solido. La animación que se presenta, exalta, cansa y le exige a uno mismo a tener los ojos muy abiertos, muy despiertos ante la velocidad de las situaciones, y cuando te esfuerzas por participar en ese ritmo te encuentras corriendo y saltando junto a los personajes, en el mismo conflicto, en la misma satisfacción. En la cuestión de la actuación o drama, sin ser sensible, los personajes están escritos para que sus decisiones reflejen problemas reales en la sociedad y no es difícil identificarse con ellos, sus dilemas y cargas personales. En Spider-Man: Into The Spider-Verse se nota la unión de varias intenciones y todas cooperan con fervor para lograr este impacto. Lo que más aprendí de esta película es a no tener miedo. No tener miedo a ser la mejor versión de mi mismo, a luchar por lo que considero correcto y esforzarme por aprender y desarrollar todas mis propias habilidades. Me lo enseñó a través de esa valentía que tienen los directores, quienes no temen a crear un universo que no quepa dentro de la pantalla; no temen a los detalles, a la velocidad, a los colores y a la explotación de los elementos; no le temen a presentar una historia que refleje la realidad, pero en vez de criticarla, protesta proponiendo una solución. Pero mi más grande admiración está en que no le tienen miedo a usar la esencia y el poder del cine qué, en las manos equivocadas, serían inestables, pero en sus manos, que demostraron ser las correctas, estos elementos se convirtieron en un producto organizado, sustentable, solido y con un valor que se puede explorar extensamente. Recuerdo que salí de la sala pensando: "Isra, tú tampoco tengas miedo. Crea mundos, personajes y situaciones que nadie pueda anticipar, que reflejen lo verdadero pero que no se detengan en la crítica, sino que exploren la posterioridad de las decisiones importantes." No es Spider-Man, es cada uno de nosotros, que puede encontrar su juventud, su energía y su propósito en sí mismos, en nuestra propia dimensión y en nuestras propias decisiones, solo es cuestión de tener fe. Fe en uno mismo.

"Everything is possible. Even the impossible." . ( 88/100 ) . Hay demasiado por lo que sonreír en este regreso de Mary Poppins. Lo siguiente será una confesión fuerte: No he visto Mary Poppins, la primera entrega de ésta saga que se presentó en 1964 para que las salas de cine no volvieran a ser lo mismo. Así que realmente no realizaré una comparativa, pero eso no evitará la extención de mi jubilo. El regreso de Mary Poppins en manos de un nuevo elenco se siente, después de mi confesión, muy fresca, muy importe, muy impresionante: Imponente. El director es Rob Marshall, quien pinta cada escena de la película con la porción justa y adecuada de sensibilidad y espectacularidad. Desde su primera presentación en el cine con Chicago, su gusto por los musicales ha presentado sus mejores trabajos, y a pesar de que no estoy familiarizado con la totalidad de ellos, conozco un par que definitivamente me han sorprendido. Y Mary Poppins Returns, totalmente, es parte de ellos. Es muy difícil que el público no se contagie de ese gusto primigenio que nace de Rob Marshall y se instala en todo Mary Pappins Returns: Las coreografías, un magnifico y atractivo vestuario por parte de Sandy Powell, una ****, colorida y gradualmente enaltecida con creatividad y dinamismo por parte de John Myhre y una deliciosa composición por parte de Marc Shaiman. Todos son amigos en Mary Poppins Returns y cada pieza del trabajo confabula para presentar una honorable visión que, al menos, sea tan imponente como su predecesora. Y hablando de predecesoras, Dios, Emily Blunt no está fuera de las opciones más fuertes para ser nominada a un Academy Award por su personificación. Personalmente todavía tengo en un pedestal a Toni Collete por Hereditary, sin embargo Blunt es magnifica como aquella figura femenina inteligente, elocuente y llena de vida y energía que necesita toda ambientación complicada y oscurecida por los problemas que atormentan a los adultos. Por su parte, Lin-Manuel Miranda hace un gran acompañante de aventuras, tan inspirado por su previa experiencia con Mary Poppins que su sentido de aventura permite enseñarnos al público que no es difícil mantener encendida una pequeña flama de inspiración en nuestro interior al crecer, y menos aún, esparcirla. Los pequeños Pixie Davies, Nathanael Saleh y Joel Dawson y su permanente presencia en la narrativa inunda de ternura toda la aventura, y la forma en la que expresan las lecciones aprendidas también les otorga un papel sensible que le da importancia al musical. Y cuando se trata de sensibilidad, el guión, de David Magee, nos abraza con Ben Wishaw, quien sin problemas le dará una ancla a aquellos adultos presentes en la sala. Wishaw logra presentarse sensible y emotivo, presionado socialmente pero también personalmente, y entre querer ser su mejor adulto y ser su mejor niño, es él y su hermosa sonrisa la que nos enseña que no solo es más divertido, sino justo y necesario, ser nuestros mejores niños posibles. En ese último número musical, mi sonrisa no podía ser más grande y con alguna desconocida humedad en mis ojos disfruté cada fragmento de la música, de los personajes, de la historia, de las escenas y de mi mismo en esa sala. Sonará muy cursi pero, a veces permitir que la alegría ajena se impregne en uno mismo es el milagro que necesitamos. No es difícil ser bueno y no es difícil ser atento; no es difícil luchar, no es difícil encontrar la luz, no es difícil encontrar aquello que perdimos, no es difícil encontrar otras perspectivas, no es difícil explorar más allá de lo que dice la portada y no es difícil creer. Todo, en uno mismo. Por más extravagante e increíble que seamos.

"You're not the only one whitout friends." . ( 72/100 ) . Can You Ever Forgive Me? se presentó en el Toronto International Film Festival del 2018 en donde recibió un lote de críticas que la ubican como una de las películas mejor críticadas del 2018 en Metacritic con un enorme 87. Ésta es una película de culto sobre un perfil de sutil impacto en la historia americana. Y es esa sutileza lo que lleva al personaje a la magnificencia, aunque haya sido después de su fallecimiento en el 2014. Lee Israel fue una escritora de biografías extendidas sobre personalidades igual de "underground" que ella. El logro que tuvo con esas biografías se lo debe a la forma en la que se identificaba con esas personalidades, y al escribir sobre ellas con gran intención, sentía que construía una trayectoria misma sobre la que valdría la pena que alguien más escribiera. Sin embargo, poco a poco, su recepción bajó, sus investigaciones dejaron de ser motivadas y su economía fue deficiente. Sin ideas, sin inspiración y sin dinero, las editoriales dejaron de interesarse en sus propuestas y desertó. Hasta que un interesante accidente despertó vida y chispa de nuevo en su trayectoria como escritora. Filmada en una Manhattan de los 90s, el trabajo cinematográfico hace un buen intento de vestir y personalizar a Melissa McCarthy como una chica apagada y resignada, pero consciente de su necesidad por un sustento económico. La fotografía no es espectacular pero la corrección de color es la que mantiene la estabilidad de la imagen con la época, pues se eliminan los contrastes y aprovecha la calidez o la frialdad del momento. Este es un momento importante para McCarthy, pues, prácticamente, éste es su primer papel dramático. Ella, junto a Richard E. Grant generan una interacción suficiente y puntual a la intención de sus personajes. Y mientras E. Grant lo decora con elocuencia, McCarthy se muestra como una persona sin escrúpulos y desapegada de la gravedad de sus acciones pero sensible ante las únicas cosas que más le importan: ella y su gato. Claro, aprovecha un rol sin una carga emocional pesada y que permita implementar su habilidad cómica, pero también sorprende un par de veces con la intensidad de su reacción. Personalmente, mi admiración está en su capacidad de generar esas reacciones, pero considero que el nivel de intensidad puede ser complementado. El guión no le permite ni a McCarthy ni a E. Grant, tener un dialogo complejo y la tensión que maneja es casi infantil y se siente como dos niños jugando. Aún, cuando el conflicto crece, sus personalidades son suficientemente serenas como para anular la tensión. Por otro lado, la historia que cuentan está llena de intrigas y sensibilidades y les permite tomar decisiones inteligentes que construyen conflictos entre ellos en la que la resolución evidencía el sentido de conveniencia con la actúan. A pesar de que McCarthy no haya sido la sorpresa dramática del año, sí demuestra que puede introducirse al mundo del cine relevante. Y en una historia sobre la cotidianidad en un lugar lleno de oportunidades, el valor de una persona se reduce en el valor de su público. Lee Israel será recordada por darle personalidad a varios personajes de la historia literaria del país y Melissa McCarthy por representar a alguien cuyo valor propio lo encontró, entre las gracias de la vida y las complejidades personales, en sus propias palabras y su propia personalidad. Aquella que escribió las cartas a las que los coleccionistas llamaban "invaluables".

"I like the way they pop." . ( 17/100 ) . Con un indignante 66 en Metacritic, un grosero 94 en Rotten Tomatoes y mi ilusividad, me dirigí al cine a ver la peor película que he visto en el año. Ni siquiera superó a Early Man, a la que tenía peor calificada hasta ahorita. Bumblebee, que trata sobre el origen del héroe más adorado de la linea de Transformers, realmente habla sobre como se adapta al planeta tierra, un lugar en donde somos hostiles con las cosas que no conocemos. La película es demasiado melodramática, con un personaje central que respeta el estereotipo de una persona rebelde y deprimida, con una familia disfuncional y que llama la atención de chicos nerds que se convertirán, "accidentalmente", en sus mejores acompañantes. Hailee Steinfeld no actúa mal y es muy bonita, pero el guión con el que está trabajando simplemente me ha dado una muy mala impresión. La recuerdo un poco en True Grit, por Ethan Coen y Joel Coen y su actuación fue justa y prometedora, pero saltar de ahí a Bumblebee es un mal camino para estudiar su trayectoria. Bumblebee es melodramática, casi telenovelesca, tonta, absurda, exagerada, inútil, incoherente, ilógica y, sorprendentemente, también incómoda. El personaje principal está destinada, desde el principio, a ganar y aprender a vencer las excusas que la historia le interpone, asimismo se refleja en su complañero Autobot para enseñarle lo que ella misma tiene que aprender y, así, mostrarse como una mujer fuerte e independiente cuyo cabello se balancee al rimo del viento de la puesta del sol en el horizonte. Se necesitaría muy poca inteligencia emocional para disfrutarla plenamente, pues el sentimentalismo se fuerza demasiado en el público. Me aburrí demasiado rápido esperando una sorpresa cinematográfica, pero ni visualmente es sostenible. Las secuencias de pelea y acción no está justificadas la mayoría de las veces, los efectos visuales son una copia y pega del cine de Michael Bay y los efectos especiales no son dinámicos ni creativos, solo construyen escenas sin estética, atractivo o intriga. Lo que más me molestó fue la carga épica que le dan a John Cena. Se la pasa hablando con frases que lo tratan de hacer ver rudo, despiadado y fuerte, pero sin un contexto suficientemente solido como para enaltecerlo. Entonces solo se ve absurdo y en el momento dado se vuelve en amigo porque, pues, aquello que quería matar lo salvó. Bumblebee es un ejercicio que se anula a sí mismo y te impulsará a salir de la sala inmediatamente o a aplaudir las hazañas de un golpe mercadotécnico cuyo valor artístico, repito, es nulo. Hay gente a la que le ha agradado esta experiencia, pero considero que están realizando una mala comparación. Trasformers jamás ha sido un proyecto de valoración, sino una campaña de mercado, y no porque Bumblebee sea la campaña mejor realizada de la saga significa que merece ser reconocida. Separar el reciclaje industrial de Bumblebee de la saga es como decir que una Oreo sabe mejor que las demás solo porque es gratis. Lo dije en mi reseña de Aquaman: cualquier futuro film bajo cualquier estereotipo narrativo de acción, será una vergüenza. Y Bumblebee no solo es una vergüenza, sino una tristeza enorme. Entiendo que es cine infantil y que la acción y narrativa trata de apelar a aquellos cuya experiencia en el cine sea joven, sin embargo, esa juventud tiene la oportunidad de crecer con parámetros narrativos que apelen a la innovación, a lo inteligente y, mínimo, razonable. Pero si se continua promoviendo este cine, solo estamos promoviendo un vicio idiotico en el que la sociedad se puede estancar narrativamente con presupuestos que pueden ser usados para historias de mayor impacto. Mi mayor tristeza reside en el director, quien decidió participar en éste proyecto y manchar un poco su muy corta carrera. Travis Knight, quien fue el Lead Animator en películas de calidad indudable como Caroline (2009), ParaNorman (2012), The Boxtrolls (2014) y director de Kubo And The Two Strings ha provocado que me mantenga al margen de sus intenciones o aspiraciones. Perdón por extenderme demasiado, pasa a veces cuando me molesto.

"You are the bridge between the land and the sea." . ( 52/100 ) . Aquaman es el claro ejemplo de como un trailer puede ser mejor que la película misma, gracias a las críticas me permití verlo y, a pesar de mi fuerza de voluntad, sucumbí a las seducciones de esos pocos minutos. La fui a ver al cine y, dicho y hecho, es una pésima película. ¡Pero hay un muy gran pero! Aquaman se trata sobre este superheroe náutico creado por DC Cómics cuya influencia en el mundo de superheroes ha fundado una competencia contra Marvel. El superheroe es muy obvio, pues su poder está relacionado con el mar, la vida mística en ella y su conflicto con la tierra. Aquaman esta dirigida por James Wan, a quien todos conocemos por ser el creador de grandes sagas de terror como Saw, Insidius y The Conjuring, así como demostrar su dominio total en el cine de acción con Furious7 y, ahora, Aquaman. No estoy seguro que la pasión de Wan por el cine de acción sea legítima, es más, incluso creo que su estilo se burla totalmente de sí mismo, pues construye, desde su comienzo, una puesta en escena que no escasea en épica. Y como si estuviera usando su cuaderno de la universidad en la que tiene apuntada la formula correcta para hacer películas de acción, construye toda la narrativa. O no se dio cuenta de la ancestralidad de esa formula o decide explotarla tanto que su error está en no considerar, no solo que su proyecto puede caer en el cliché, sino en la magnitud de la caída en ese cliché. Frases épicas, decisiones lógicas, aventuras mundiales, secuencias de pelea, explosiones espontaneas, romance, guerras masivas, enemigos construidos con base en la venganza y la ignorancia, la trayectoria de un joven diferente y especial y el autodescubrimiento con el que todo público básico se puede identificar. ¡Ah! Y por cierto, un sentido del humor nato de un personaje cuyo carisma escupe su humanidad en la cara. Todo es lo mismo. Tanto que sentí que, prácticamente, estaba viendo nada realmente. Personalmente no puedo decir que estoy enojado, a final de cuentas la película te deja tan claro su propia intención que dejarse llevar es menos pesado que luchar en contra de ella. Sin embargo no puedo ignorar que sí estoy cansado. Cansado del reciclaje hollywoodense que pretende apelar a la nostalgia creando referencias a obras pasadas y usando una misma estructura incontables veces para forzar la mediocridad y la falta de crítica en el público. Estoy cansado de adivinar el final a más de una hora de anticipación y sentir que los estudios están jugando con mi tiempo porque creen que el público consume lo que le sea dado, que ellos controlan nuestros gustos y que no es al revés. Pues bien. Ahora estoy totalmente seguro de que tenía razón. Razón en creer en la crítica y no en los trailers, razón en ser responsable con el cine que consumo y promuevo, y definitivamente no promoveré este tipo de cine. El lado bueno es que Aquaman es, por excelencia, un ultimatum para todas las futuras películas de acción que quieran usar la misma formula. Está tan bien trabajada baja esa formula que no solo avergonzará los futuros intentos, sino que los hace tan inútiles de existir que, en su mejor expresión, serán copias idénticas a lo que Aquaman logró. Así que DC no tiene más que hacer que innovar desesperadamente. A pesar del nulo trabajo de actuación y el grosero reciclaje exponencial de la historia, sí quiero rescatar un solo elemento, y es la razón que elevó la película a una valoración más mediocre que pésima: el concepto visual. El mundo y la ambientación visual que carga la película es una de las mejores que he visto en el año. Verla, explorarla y analizarla me inspiró enormemente y abrió mi imaginación a un mundo de posibilidades con las que yo luchaba por descubrir. Wan me ha hecho el trabajo más fácil y es porque presenta en Aquaman un zócalo de detalles, leyes físicas, personajes y situaciones alternativas que se podrían explorar de formas muy intrigantes, enigmantes e importantes para la presentación visual de la historia del cine. En conclusión, vayan a verla, no porque sea la película de acción mejor hecha, sino porque Aquaman representa los vestigios de un cine que ya estaba muerto desde hace décadas; porque debería de ser la última película de acción en su estilo. Personalmente, no solo me niego, sino me es difícil ver un futuro propio junto a estas obras. Porque si el tiempo no las elimina, yo lo haré.

"The world changes when young people give a damn." . ( 76/100 ) . Jason Reitman estuvo ocupado este año. Su trayectoria proviene desde su comedia seria e ingeniosa sobre temas de impacto e ironía social. Esto se muestra en su primera obra Thank You For Smoking (2005), sin embargo fue hasta el 2007, con Juno, en donde su segunda dirección lo llevó a una nominación al Academy Award. Su tercera dirección en Up In The Air (2009) también lo premió y a partir de ahí se le ha considerado un director relevante, competitivo y contundente. En este mismo año presentó dos películas cuyas producción no realmente fueron pequeñas: Tully, en donde se presentó una de las primeras actuaciones más intensas e importantes del año, cortesía de Charlize Theron, en cooperación con Mackenzie Davis; y ahora The Front Runner. En The Front Runner, Reitman adapta un libro llamado "All The Truth Is Out" escrito por Matt Bai quien es un periodista y columnista político. El protagonista es Gary Hart, diplomático, abogado y corredor delantero de las elecciones políticas para la presidencia de United States en 1988. Su historia, de alguna forma, fundó las bases éticas de la actitud pública y evidenció el importante valor de la privacidad y su gran vulnerabilidad ante la voracidad periodística. La historia no es complicada y es fácil de relatar, pero el debate ético que Reitman aprovecha sí lo es. ¿Hasta que punto es privada la vida de las figuras públicas? En la película, el equilibrio se logra gracias a la complejidad de diálogos y discursos que son adoptados por personalidades ágiles con el verbo y la expresión física. Bajo el guión del mismo Reitman, es Hugh Jackman y el impulso que le exige a Vera Farmiga, J. K. Simmons y actores de baja gama como Mamoudou Athie, Molly Ephraim, Sara Paxton y Steve Zissis, lo que logra que la película tenga una carga dramática interesante de ver. El elenco es aún más grande y la cámara es suficientemente dinámica como para presentar la línea de opinión de cada personaje, las diversas posturas que representan y la forma en la que influencían en el desarrollo narrativo. Por otro lado, varias de las presencias se sienten superpuestas y provoca que la película se sienta saturada de personalidades sin un propósito específico. Son pequeños momentos los que fortalecen a la película. A pesar de que la introducción de la idea principal de la historia se extiende inadecuadamente, ésta sí permite destellos de actuación y conflicto verbal en instantes muy específicos, pero la transición entre esos momentos generan cierto desapego por la historia. The Front Runner no es una mala película y tampoco está mal hecha. El dilema político y social que trata es fuerte, no lo suficiente como para crear impacto inmediato y una reflexión trascendental pero sí para conocer la importancia de un valor social. Sin importar el estatus público que se tenga, la privacidad se tiene que respetar, sin embargo, mientras más reconocimiento, uno es más vulnerable a sus errores y, por lo tanto, más responsable de sus acciones.

"¿Pero como puedes ser tan inocente?" . ( 68/100 ) . Este proyecto cinematográfico, que no es de Hollywood pero sí es de relevancia internacional, tiene un contexto muy interesante. El director es Asghar Farhadi, nacido en Iran y responsable de levantar el nombre de su país en los festivales de cine internacional más importantes del mundo. Ya sea en Cannes o en Berlin, Farhadi ha sido premiado enormemente por la complejidad de las situaciones sociales que expone en sus proyectos. Películas como About Elly (2009), su más relevante y ganadora de un Academy Award A Separation (2011), The Past (2013) nominada a mejor película extranjera en los Golden Globes del 2014 y su también ganadora de un Oscar A Salesman (2016) lo han demostrado como un director comprometido con su cultura y su arte. Este año presentó ante Cannes su nuevo proyecto y su primero que no es de colaboración Iraní. En Cannes, su mayor éxito fue la crítica, y a partir de ahí buscó su lugar en varios festivales internacionales. Todos Lo Saben es una tensión social disparada gracias a un acontecimiento trágico que revelará antiguas heridas, rencores e intenciones cuyas interacciones le da el valor a la película. El ejercicio social que provoca Farhadi es muy similar al que exige en sus proyectos; al estar escrita por él mismo, se nota un control total en las diversas direcciones que planea para los personajes y eso le da cierta certidumbre y garantía a su público. El problema está en el primer acto, pues será un reto para el público cargar un establecimiento de personajes que puede ser algo largo y, sin el contexto adecuado, inútil. Éste acto, de casi 40 min, resta expectativa y atención al público, pero también lo deja con ganas de un cambio drástico de situaciones, y cuando ésto pasa, en el segundo acto, hay una sensación de observar un nuevo comienzo. Esto no es realmente benéfico, pues las posturas del elenco se vuelven un poco reiterativas y aunque el objetivo del segundo acto es revelar de la forma más sutil e inteligente los discursos de cada personaje, su pasividad lo hace algo pesado de seguir. Y durante el tercer acto, en medio de la solución del misterio y la intriga añadida, el tiempo para apaciguar la tensión y generar nuevos misterios también se siente muy arrastrada. Por otro lado, es necesario recalcar que esa pasividad permite un cuidado de la ambientación correcto. Hay un permiso que tienen los actores para crear esa ambientación y presentarla de la forma más personal, humana y dramática posible. En ese aspecto, el elenco hace un trabajo muy respetable para sostener la película, pues la tensión total la crean ellos. La responsabilidad se ladea entre Penélope Cruz y JavierBardem, sin embargo la participación de Ricardo Darín, Bárbara Lennie y Ramón Barea también brilla en sus respectivas escenas. La fotografía también es decente, y aunque no busca aprovechar el panorama de la locación, sí cuida el espacio que los personajes ocupan en la pantalla para generar cierta poética corporal. Es algo complejo reseñar ésta película, pues los elementos exitosos se homogeneizan con los elementos deficientes. Todos Lo Saben no tiene un mensaje específico, pero sí una trayectoria muy concreta; y por más intensa o sensible que sea una escena, hoy otra pesada y desgastante. No quiero decir que Todos Lo Saben es mediocre, pero entre errores y aciertos logra un equilibrio duro de digerir en donde su preparación es mejor que su sabor.

"It's a guy who is old, and used to me young." . ( 65/100 ) . The Old Man And The Gun ofrece una experiencia que busca encariñar a su público con las bellezas de la aventura adulta y sus reflexiones, pero cae en una monotonía y cierto circulo vicioso al eliminar cualquier oportunidad de consecuencia y tensión dramática del relato. Mientras escribo ésto estoy escuchando el soundtrack de la misma película. Compuesto por Daniel Hart, no solo logra subir de calificación al proyecto, sino suaviza mi intención de expresar mi cierto descontento de la película. Lo primero que diré es que The Old Man And The Gun opaca totalmente una composición musical muy interesante de escuchar y que es bella y elegante por sí sola. Si pueden, pónganle mucha atención, porque es lo que más vale la pena en la cinta. The Old Man And The Gun narra la historia de una personalidad de cierta polémica en la historia de United States llamada Forrest Tucker quien no solo logró una gran serie de asaltos con estilo y elocuencia, sino que logró escapar alrededor de 16 veces de la cárcel. La historia de ésta personalidad se narra en una época de su avanzada edad en la que, se cuenta, conoce su estabilidad romántica y se condena por última vez. Entonces serán tres personajes los que girarán entorno a esta historia: La de Tucker, la de Jewel, su romance y la de John Hunt, su cazador. Robert Redfort, en lo que se rumorea, su última interpretación, encarna a esta personalidad apasionada, compleja, pero segura de sí misma. Alrededor está Sissy Spacek, representando a Jewel y al apreciable Casey Affleck como el detective en cuestión. La actuación de estos tres es justa y puntual, pero si no es extraordinaria o potente es porque, en general, la historia no pretende ser trascendental. La historia es indulgente y muy condescendiente que erra en dar emoción y tensión y prefiere establecer a su público en un ambiente sensible cuyo objetivo del protagonista es romper. Entonces, en vez de generar cierta empatía y atención, el público es vulnerable a caer en pasividad y desapego. La película explora temas y valores como la edad, la pasión, el amor y el peligro en sus contextos más adultos. Esa exploración logra darle una connotación de ternura a los personajes, pero esta se pierde en los momentos enfocados a las hazañas de vandalismo y correteo. Las moralejas y mensajes se presentan sutilmente, pero éstas se las arreglan para no ser trascendentales y sólo muestran a un par de personalidades cuya mayor realización es haberse escabullido a la adaptación del sistema social en el que están y qué, una vez que se dieron cuenta de su logro, decidieron sucumbir a abandonar sus aventuras. Por lo tanto no hay ni una complejidad que estudiar ni una emoción a la cual sostenerse, la historia se queda flotando en un aire de mediocridad en la que su mayor atributo fue el de ganarse un boleto a ser una de las experiencias más pasajeras del año. Visualmente tampoco hay mucho detalle, tal vez sí mucho cuidado pero fuera del vestuario, no hay algún elemento de la imagen que aporte emotividad a la historia. Éste es un año muy raro para el cine. Sin tener en cuenta las nominaciones al Academy Award que se realizarán dentro de un par de meses, considero que las prioridades de Hollywood de este año, o están muy dispersas o tienen una agenda muy pacífica. De cualquier forma, entre ésta y varias de las películas de la imagen cultural estadounidense que ha presentado Hollywood en este año, considero que hay algo muy flojo.

"Dolar signs and empty promises" . ( 83/100 ) . Dirigida por Steve McQueen nominado y ganador del Academy Award a Best Motion Picture Of The Year del 2014 por ser el responsable de 12 Years A Slave y también director de Shame (2011), Widows es uno de los mejores guiones que he visto en éste año. Widows narra la historia de un grupo de mujeres que busca la estabilidad después de que un accidente las dejara sin esposos. Esta historia está basada en el libro del mismo nombre escrita por Lynda La Plante, la adaptación la hizo el mismo McQueen junto a Gillian Flynn, escritora de, tanto la novela como el guión, Gone Girl (2014) y la reciente serie llamada Sharp Objects con Amy Adams y Patricia Clarkson. En general, la película es un ejercicio correcto y profesional de cinematografía. Desde la primera secuencia el público puede darse cuenta de que el presupuesto no es ningún problema, y, gracias a eso, se siente como McQUeen dirige con toda tranquilidad y comodidad. Visualmente hay varias escenas interesantes de observar, varios planos y movimientos complejos para mostrar cosas simples que le otorga a la película cierto dinamismo visual y funciona como una carnada mental para el público. La fotografía también está bien cuidada, no es la más espectacular del año, pero la corrección de color, los planos y varias secuencias de persecución y acción, junto con los cortes que se agregan en la post-producción generan una actividad visual mur enérgica y activa. Es difícil no entretenerse con todo el juego y el casi espectacular viaje que los personajes tienen en la historia. En los personajes hay una completud en sus posturas que hace sentir seguro al público. Cada una de las posturas se explica ingeniosamente a través de la forma en la que cada chica resuelve sus propios obstáculos. El elenco, conformado por la hermosisima e increiblemente talentosa Viola Davis junto a Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki y Cynthia Erivo, crean un gran interacción. Cada postura ofrece una versión personal y puntual del valor de la fuerza, la personalidad, el ingenio y la voluntad. A pesar de que la historia no las lleva a generar un drama puro, sí las guía hacia la toma de fuerza necesaria para ser imponentes en la pantalla. Ninguna de ellas se queda corta y todas sorprenden con la forma en la que adoptan el papel y lo expresan. La historia o el guión es lo que más tiene éxito en este proyecto, pues su complejidad presenta una puesta en escena sobre un nivel de hostilidad social tan grande que parece absurda, pero es totalmente realista. El ingenio está desde la idealización principal, pues presenta varias situaciones de estabilidad que tienen el poder de representar a varias mujeres de la actualidad, y con el mismo ritmo veloz con las que las presenta, las libera. En medio de esa liberación las mujeres se encontrarán con la dificultad e ignorancia de saber qué hacer con esa libertad. Sin embargo, gracias a la unión de personalidades, la prioridad que le dan a recuperar su propia estabilidad les da un plan con el cual luchar. Y en medio de esa lucha cada mujer encuentra y se arraiga a su propio poder, sus propias capacidades y sus voluntades mismas de ser por ellas mismas. Como si fuera poco, en medio de ese empoderamiento, también se revelan problemas, complejidades y dilemas políticos y sociales que representan los problemas racistas, sexistas, clasistas, machistas, superficiales y estereotipicos que existen en la actualidad. Cada personaje tiene un propósito y cada propósito choca en una red social compleja y peligrosa que existe gracias a una cadena alimenticia de poder e intenciones. En esta historia, no importa quien seas, si no impones tu propia fuerza de voluntad, no conseguirás lo que quieres; pero con lo que nadie contaba es que las mujeres también pueden jugar, y también tienen una voluntad. Widows explota en todos los sentidos: le da al público una película de acción decente y también le da un drama importante, sorprende con la sensibilidad que expresa en la transición de situación a decisión y entretiene con la intensidad de sus escenas de acción. Widows es una carta de empoderamiento que dicta qué, en este mundo lleno de hombres hostiles y sin humanidad, las mujeres son las ganadoras indudables del juego. No porque ella sean mejor que los hombres, sino porque los hombres están ciegos con su orgullo. Realmente me la pesé muy bien al ver Widows y la recomendaría, no solo por el suspenso bien creado, sino por los discursos bien construidos.

( 53/100 ) . No estoy enojado para nada, he tenido el honor de conocer el gusto a través del descaro que puede tener una película para impulsar la poca voluntad en los espectadores de exigir calidad en vez de contenido. Pero ¡Hey! También se necesita ingenio para qué, hasta su público más crítico, sucumba ante los cariños de una sátira bien hecha. No lo digo por mi, la mayoría lo confirma: Metacritic le da 71, IMDb 76 y Rotten Tomatoes, en medio de su chanchullo, le da 88, o 73, depende de donde se vea, y 63 por parte del público. Créanme, no soy ningún hater, ya confesé que me gustó la película, pero esa no es mi opinión total. Les advierto, los siguientes párrafos no serán totalmente amenos a éste nuevo proyecto de Disney. Ralph regresa con Vanellope a una aventura auto-impuesta y de una forma algo absurda en la que la pareja de amigos se ve en la necesidad de visitar el vasto mundo del Internet. Su gran diversidad y espacio seducirá y obstaculizará la fortaleza de la amistad que Ralph y Vanellope lograron en la película anterior. La decencia que tiene Ralph Breaks The Internet está en su sátira. El permiso que Disney le otorga a la película para burlarse de sí mismo es lo que le da formalidad, no solo a la película, sino a la transición moral que ha buscado y logrado la compañía en toda su historia. El dialogo y la presencia de las princesas de Disney generó una auto-crítica y una sátira con suficiente éxito como para aplaudir el hecho de que Disney no es solo una empresa productora de contenidos y experiencias, sino que también es un ente que crece poco a poco junto a su público; y el hecho de que se burle de sí mismo y le de paso a los personajes más icónicos de la historia de la animación a adaptarse, lo demuestra como una empresa que ha madurado y que no le molesta jugar con los errores de su pasado, pues ha aprendido de ellos y aspirará a ser lo más correcto posible. Sin embargo es triste que haya decidido hacerlo junto a una de sus formulas, ya, más añejas. La historia es un reciclaje más de las aventuras que tanto Disney como cualquier otra productora masiva ha presentado en sus historias más comerciales. Ese reciclaje presenta una historia que no solo ya es muy usual, sino que ya hasta parece tonta: El viaje de los protagonistas para salvarse que pone a prueba su amor o amistad para luego presentarlos como sus propios enemigos gracias a que se dejan llevar por el impulso personal y sin reflexionar en sus decisiones para que, al final, aprendan uno sobre el otro; dejar de tomar decisiones irresponsables, vencer los miedos o inseguridades propias y que la relación se fortalece por la distancia sino por la voluntad. No considero ésto un spoiler, pues son tantas las veces en las que los estudios cuasi monopólicos nos han presentado esta trayectoria. Tampoco estoy molesto, repito, el ingenio de la película está en que supo colocar una sátira bien realizada en un mal montaje, lo disfruté, pero no negaré que sin ese lado cómico, probablemente me hubiera enojado. En fin. Visualmente tampoco hay mucho espectáculo, pero sí mucho mercado. La animación de Walt Disney Animation Studios ha evolucionado inmensamente, y podrá no tener las mismas habilidades y valores que Pixar, pero nadie podrá dudar de su esfuerzo. Sin embargo una parte de mi quiere ser suficientemente cruel como para decirles "Oigan, dejen de animar, hay quienes lo están haciendo mucho mejor, ayúdenles. O sorpréndanos. Hagan algo increíble e imprevisto que se gane el respeto de su público. Pero si se quedan en medio, estarán condenados a ser parte de un tumulto gigantesco de ideales imposibles de ubicar e innecesarios de recordar; la otra parte de mi prefiere solo ser indiferente a su existencia. En resumidas cuentas, Ralph Breaks The Internet es un juguete de cereal. Si escoges al cereal por el juguete, entonces el producto está haciendo algo mal. Pero vean el lado positivo, ¡lanza agüita! (el juguete).

( 76/100 ) Ganadora del Directing Award en el Sundance Film Festival de éste año y protagonizada por Maggie Gyllenhaal, The Kindergarten Teacher es una historia sobre el impulso y la obsesión como único salvavidas que tiene el talento inocente. Ésta #película está dirigida por Sara Colangelo, una directora emergente que solo ha realizado dos largometrajes en su carrera, el primero llamado Little Accidents con Elizabeth Banks y su segundo proyecto éste remake de la película de Israel del 2014 con el mismo nombre. The Kindergarten Teacher funciona gracias al equilibrio de dos cosas muy importantes: una historia que permite la existencia de un personaje complejo y la capacidad de Gyllenhaal de comprender y explorar esa complejidad. Gyllenhaal retrata a una maestra de Kinder con aspiraciones poéticas sin resultados prometedores, hasta que descubre esa chispa de talento en uno de sus alumnos. A partir de ahí, la travesía logrará introducir dulzura en los momentos más perturbadores y perversión en las intenciones más bondadosas. En este ensayo sobre el talento humano se toca con éxito una imagen de la cultura americana cuya fe se recarga en la cantidad y no en la calidad. La fotografía no podrá ser la más impresionante, pero lo que permite es darle un marco a la imagen en la que se desenvolverá toda la aventura. Es difícil dar una opinión sobre ésta película que no tenga revelaciones narrativas, ya que la calidad de su historia está íntimamente ligada a la dimensión de las resoluciones psicológicas que se presentan en la historia. Sin embargo diré que es una película especial y que se atreve a tomar riesgos para llevar a su público a lugares en donde la moral es el antagonista de lo bueno, y lo bueno se siente tan raro que pareciera ser malo. La película en general no tiene ni la intención ni la necesidad de ser una experiencia espectacular o conmovedora, pero refleja un aspecto de la actualidad americana que define suficientemente bien la forma en la que, no solo genera su propia autodestrucción, sino que también la defiende y cuida. The Kindergarten Teacher es la historia de una heroína que conocerá el valor de hacer el bien y provocar el daño al raptar la magia que le queda a su propia sociedad, no para apoderarse de ella, sino para promoverla y crecerla. Y entre una moralidad irónica y una ética desesperada, esa heroína se reconocerá, no como la poeta, sino como la poesía. Vayan a verla, la película está suficientemente bien realizada como para que un público crítico y con capacidades mínimas de reflexión pueda encontrar una gran cantidad de momentos y valores que apreciar.