CosiMOLOGO

¿Beso? Un truco encantado para dejar de hablar cuando las palabras se tornan superfluas. Frase pronunciada por la actriz Ingrid Bergman es básicamente la esencia de esta historia, en donde la belleza de cada cuadro dice mucho más que el dialogo. El director polaco Pawel Pawlikowski que había mostrado su maestría con Ida (2013), regresa trayendo un romance imposible que tiene de telón de fondo la guerra fría, Pawlikowski cuenta una apasionado romance imposible entre dos personas de diferentes orígenes y temperamentos. Desde la primera escena de esta cinta el espectador queda hipnotizado por la belleza de la imagen en blanco y negro que resalta y contrasta momento de fuerte sentimentalismo sobrio y elegante, que desespera en momentos, que se acompaña perfectamente con la música seleccionada, que parece haber sido creada especialmente para la película. La película comienza a fines de los 40, vemos una recreación fiel de las distintas épocas por las que la película pasa, mostrando por medio de la música el paso del tiempo. La historia va avanzando, vemos reconciliaciones y reencuentros, siempre hermosos, pero en el fondo sabemos que no durara, nos volvemos participes de la desesperación de dos personas profundamente enamoradas que por los obligaciones laborales y los problemas que se vivían en la época no logran consolidar su romance. Joanna Kulig, ofrece una interpretación desgarradora y hermosa, haciendo un tributo a las mujeres de las películas clásicas de la época.

Si hay un director que ha dejado una huella por su peculiar estilo es Lars Von Trier, ahora, luego de llevarse el titulo de "persona no grata" el 2011 en Cannes, regresó al festival con esta obra que como se esperaba causo revuelo y dividió a la crítica. Antes de todo debo recordar que estamos hablando de una película de Lars Von Trier, así que esperar encontrarse con escenas de violencia o sexualidad explicitas no debería ser una sorpresa, así que creo que toda la polémica es completamente injustificada. Narra la historia de Jack un asesino que cuenta sus crímenes, a los que llama incidentes. a un hombre al que llama Verge. Lo mejor de la película es Matt Dilon quien lleva su interpretación a niveles magistrales, recogiendo la esencia que le dio Hopkins a su papel de Hannibal Lecter en El Silencio de los Corderos. Como en la mayor parte del cine de este director la metáfora es usada en varias escenas y junto con esta la referencia al arte clásico, como a la obra de Alighieri, con viñetas que vamos viendo entre cada incidente. Pero aparte de eso La casa que Jack construyó es una obra crítica, satírica y divertida de uno de los directores mas atrevidos, convirtiéndola en una broma de mal gusto muy bien planeada. Con esta película Von trier parodia y hace una crítica al arte y al cine, mostrando el papel estúpido y estereotipado de las mujer en este, con buena música, y su peculiar y magnífico estilo.

Con una trayectoria que abarca 9 películas (incluyendo a esta) el director mexicano marcó un estilo definido y reconocible, en la fotografía y edición. Trajo escenas majestuosas como el plano secuencia final en Niños de Hombre o la escena inicial en Gravedad. Pero con esta consolida ese estilo implantado sus anteriores realizaciones. Lavar los platos o limpiar el corredor de una casa se vuelve hermoso y se siente real. Planos generales y pausados, mostrando la influencia que tiene de Emmanuel Lubezki con un trabajo excelente en la profundidad de campo, van envolviéndonos en la cotidianidad de una empleada doméstica de una familia medio acomodada durante los 70. La estupenda fotografía de Cuarón y la edición convierte a la película en una recordatorio fiel y con el mismo impacto de un documental sobre esa época, trayendo una experiencia sensorial pocas veces vista en una película. No solo la recreación de la época sorprende, sino el retrato que hace sobre el rol de la mujer en la familia a través de Cleo, recordando y tributando con esperanza y deseos de reflexión. Cuarón toma momentos de su vida para construir este relato contemplativo y pausado que llega a un punto de clímax pasando por escenas que hipnotizan por su complejidad y belleza. La actuación de Yalitza Aparicio cautiva desde el inicio, sin impostaciones ni sobre-actuación, mostrando una imagen honesta sobre su condición y además la soledad y miedo al desamparo. La nueva actriz a logrado conmover y mostrado su talento en esta película, que seguro sera recordada como lo mejor del cine latinoamericano moderno.

Uno de los director contemporáneos más importante es Damien Chazelle. Con 4 películas, el joven realizador estadounidense fue poniendo una huella en el terreno del cine. Tomando notoriedad el 204 con Whiplash, en donde mostró su amor por la música. Luego siguió La la land, un musical que rinde homenaje al género y confirmaba. Ahora cambia completamente el tono de sus 3 películas anteriores y trae esta, que además de recordar el alunizaje es un retrato existencial de la vida de Neil Amstrong. La verdadera fuerza de esta película no se encuentra en mostrar escenas emocionantes de efectos visuales, lo que sorprende es la belleza desgarradora que guardan las escenas cotidianas de la vida de Neil. Primeros planos muestran el talento Ryan Gosling, personaje contemplativo y silencioso, recordando mucho a su interpretación de K en Blade Runner 2049 el año pasado (cinta en la que su personaje comparte rasgos similares con Neil). Nuestro anti-héroe se resigna luego del fatídico suceso que afronta, para poder emprender una misión que pone en riesgo su vida, y su estabilidad familiar. Pero a la vez siendo un medio de superación y de duelo. La que podría haber sido una cinta propagandística y de exaltación estadounidense Chazelle lo convierte en un relato profundo y serio. La capacidad actoral de Gosling y Foy y el montaje detallista y preciso dejan escenas de fuerte carga emocional. Chazelle ha traído su mejor película luego de Whiplash un relato elíptico e hipnotizante desde el primer momento. Justin Hurwitz, compañero inseparable de Chazelle no se queda sin merito, ahora logra aumentar las dosis de tensión y crear climas en las película, sin llegar a convertirla en efectista. Una pena que haya sido prácticamente ignorada en las nominaciones a los Globos de Oro, y dando preferencia a cintas que claramente no se merecían estar allí. Pero no necesita ningún premio para dejar de ser estupenda.

Un subgénero que no tiene muchos referentes modernos para poder ser considerado importante, es tocado por el realizador canadiense Robert Aubert, cuenta una historia convencional de este tipo de cintas, un grupo de supervivientes, que por su cuenta, intentan sobrevivir, luego haber perdido a alguien, terminan por encontrarse y buscan refugio. La diferencia de esta cinta es su acierto visual y peculiar estilo narrativo, que rinde culto al cine de Tarkovski, especialmente a Stalker, en donde el soviético capturaba paisajes y junto con el sonido creaba ambientes oníricos, hermosos y aterradores. Caso similar tenemos en esta cinta. Escenas contemplativas y movimientos de cámara lentos, Aubert capta imágenes poderosas, hermosas y aterradoras. El director se encarga de crear personajes complejos y recarga la película de metáforas y simbolismos visuales, como el extraño ritual que los zombies .Los Hambrientos funciona por su originalidad narrativa pausada y su belleza visual, poco común en este tipo de películas. Lo que Yeon Sang-ho mostró con Estación Zombie el 2016, en donde mirábamos el sacrificio de un ser cercano, aquí es llevado a un extremo desgarrador, que funciona a nivel narrativo. Los Hambrientos se sale de las convenciones de historia de zombies, tal vez no trae una historia del todo novedosa, pero es innegable su logro visual, tan alejado de las convenciones del sub-genero. Cinta imprescindible para verdaderos amantes de los zombies.

En 1954 estrenó Nace una estrella, protagonizada por Judy Gardland, la película a la vez adaptaba una película de 1937. Hubo otra versión en 1976, una cinta . Ahora Bradley Cooper, como su primera incursión como director, vuelve a traer esta historia protagonizada por Lady Gaga, también su primer papel como actriz y el mismo Cooper. Jackson Maine es una estrella consagrada de la música, que tiene problemas de alcoholismo y drogas, lo cual esta terminando con su vida y carrera. Bradley Cooper decide darle a la película un tono más adulto y serio, recuperando lo mejor de las anteriores versiones, pero imponiendo un estilo que posiblemente veremos en sus siguientes trabajos, caracterizado por una cinematografía hermosa, , y una edición bien acabada, capturando imágenes tan bellas y coloridas como a la vez una muestra sombría de un mundo musical agobiante y devorador. Dentro de esas imágenes hermosas están las de los conciertos en las que el espectador queda impactado desde el inicio por la estupenda escena musical, que recoge la fuerza de un concierto real y emociona por la capacidad vocal Cooper y Gaga que ofrecen buenos temas musicales originales, que seguro serán las preferidas para la siguiente edición los Premios de la Academia. Pero también compartimos el sufrimiento del protagonista y todos los problemas que su vicio le causa, gracias a la excelente y conmovedora dirección e interpretación de Bradley Cooper, estas escenas llegan a un grado pocas veces visto en una película. Tenemos escenas desgarradoras y de fuerte carga sentimental, como las que el protagonista comparte con su hermano, personaje que a pesar de no tener un papel principal se encuentra muy bien desarrollado. Sin embargo con Nace una Estrella, Bradley Cooper nos da una historia melodramática, que como pocas llega a conmover sin necesidad de impostaciones sentimentales baratas, retratando el sufrimiento y el tormento de un cantante a causa de excesos, recordando a cintas como la de Olivier Dahan, La vida en Rosa, cuya escena final comparte similitud con esta. Con esta película Cooper demuestra su gran potencial como director y ofrece una papel desgarrador, junto a Lady Gaga, que hipnotiza desde su primera aparición y conmueve hasta las lagrimas. Un aplauso para ambos.

Pasaron 40 años para que por fin podamos ver Al otro lado del viento, la obra póstuma de Orson Welles (no veo necesario explicar quien es) que no pudo ser finalizada por problemas de presupuesto. Netflix, junto con la edición de Bob Murawski y con Frank Marshall, productor de cintas como El Sexto Sentido y Mundo Jurásico, en la curaduría, son los encargados de traer esta cinta que ningún cinefilo debe pasar de alto. Pueden ver el documental "Me amarán cuando esté muerto", que explora los últimos 15 años de vida de Welles,incluyendo material sobre "Al otro lado del viento", también disponible en Netflix. Imposible predecir como hubiera sido el corte final del director, pero esto tenemos, una película que tiene el sello de autor, en la que Welles plasmó a modo de sátira su opinión sobre el cine, sobre su cine. Con referencias a Godard, Felini y a otros directores europeos y americanos, esta obra satírica y extraña, es un acto de rebeldía bien planificado por parte de Welles, donde critica al cine europeo, hollywoodense, vanguardista a todas las etiquetas existentes e incluso a sus películas. Al otro lado del viento, además es un auto-retrato en donde Welles delinea con trazos toscos, desordenados e hilarantes la nemesis de un director de cine y el proceso de realización de una película, presentando la historia de Hannaford, un director frustrado que no puede completar su último proyecto. Durante la película vemos escenas de esta película inconclusa de Hannaford, una metáfora del rol femenino y masculino en el cine, y conocemos a personajes que son claras alusiones a personas reales que intervinieron en la vida del director. Como la severa crítica de Hannaford o los periodistas. Extraña, a primera vista, satírica y profética; no solo por la aproximación que hace sobre el cine moderno, sino por que la historia se convirtió en un flashback, invención de Welles, que refleja la carrera y vida de uno de los directores más importantes de la historia del cine, la obra más personal del legendario director y de lo mejor del año.

Con 3 películas estrenadas hasta la fecha (Pantera negra, Guerra Infinita) y 2 más programadas, el UCM está en su mejor época, ya que cada película que estrenan arrasa en taquilla. Pero eso no quiere decir que todas sobresalgan. Luego de los sucesos de Guerra Civil, Sott fue condenado a 2 años de arresto domiciliario. El hace todos los esfuerzos posibles para llevar una vida normal con su hija, hasta que un día termina envuelto en una nueva misión Guardianes de la Galaxia, fue una buena película en la que Marvel supo como manejar la historia y equilibrarla con la comedia. Desde esa película no hay alguna que no tenga esa particular comedia. Y está no se salva. La película malgasta momentos que pudieron ser muy bien utilizados para generar suspenso o un ambiente dramático son chistes.Y un villano que termina siendo simpático. Pero, ¿Esto a quién le importa? Con tal lo que el publico espera ver son grandes explosiones y se olvidan de que el cine es una arte que merece ser bien trabajado. Desafortunadamente el aspecto técnico también es descuidado. La primera película, por lo menos, tenia ciertas escenas bien logradas, como aquella en la que Ant-Man intenta escapar de una bañera, compuesta en su mayoría por algunos planos secuencia. Ahora no pasan de ser tomas, que bien podrían pertenecer a una película de Michael Bay.

Debra Granik hizo notoria la carrera de Jennifer Lawrence el 2010 con Winter's Bone. Ahora Thomasin McKenzie se luce junto a Ben Foster, un veterano de guerra, que no logra adaptarse, y lleva una vida aparentemente normal con su hija en un bosque. Por un descuido, un día son descubiertos y se ven obligados a integrarse en la sociedad. Lynne Ramsey mostró con "Nunca estarás a salvo", el tormento de un hombre por su experiencia en la guerra, y luego como justiciero en el mundo de la prostitución. En dicha película Joe, interpretado por Joaquin Phoenix se redime y continua con su vida. Un caso similar se presenta en Leave no Trace, es igual de abrumadora, pero sin necesidad de ser tan oscura como la cinta de Ramsey. La tranquilidad de los bosques de Oregon han recluido a un hombre que perdió a su esposa y ahora, aparentemente mejor, cuida de su hija, joven que siempre se muestra colaboradora y lleva una buena relación. Debra Granik, sabe como manejar la historia que adapta un libro de Peter Rock del 2009, My Abandonment, que se basa en hechos reales. Una historia que se conduce gracias a la fuerte relación entre padre e hija, que está siempre dispuesta a ayudar a su padre. Will, el personaje de Foster, un ser contemplativo, con una profunda complejidad psicológica y también filosófica, pero preocupado, lo que servirá que su hija para poder sobreponerse a las dificultades que afrontarán. Tomashin McKenzie se luce mostrando a una joven que se vio obligada a madurar por la experiencia que vivió, lo que le ayudará a encontrar lo que realmente desea de su vida. La fotografía captura los sobrecogedores pasajes de Oregon, también consigue momentos de fuerte humanismo que conmoverán a mas de uno. Una película conmovedora y hermosa, como pocas.

La cinta de Spike Lee cuenta la historia real de Ron Stallworth, el primer agente negro del departamento de policía de Colorado Springs, que encabezó una investigación infiltrándose en el Ku Klux Klan, con un doble que asistía a las reuniones. Spike Lee, cineasta que grabó la pésima re-make de Oldboy regresa con una película muy bien filmada, con un estupendo trabajo en la estética, al momento de recrear épocas y momentos. Una película que funciona como un policial serio, por momentos, pero no deja de ser muy entretenida. Valiéndose de un humor irónico y sarcástico Lee trae una historia, que como pocas reflexiona sobre un tema delicado y necesario, como el año pasado Jordan Peele (quien produce esta película) demostró con ¡Huye! Lo mejor de la película es el final, una escena tenso y bien filmada, pero a la vez grotesca en indignante de ataques raciales reales, mostrando la porquería de realidad (como anuncia en el trailer) en la que aún se vive. También es destacable la escena en donde vemos a un hombre que recuerda el revuelo que causo la película El nacimiento de una nación, que como se explica, fue la causante del resurgimiento del KkKlan. Un recuento de las película de explotación de los 70´s, con un gran elenco y un mensaje contundente y claro. De lo mejor del año

Joe es un jinete que luego de sufrir un accidente que le obligó a detener su actividad de jinete, comienza una búsqueda de una nueva identidad y el significado de su existencia. Un tópico que pocas veces ha decepcionado, muchas veces abordado en la corriente "indie", desde películas como Buscando mi destino (Easy Rider), la estupenda opera prima de Dennis Hopper o Hacia Rutas Salvajes, la biografía de Christopher Johnson McCandless. En esta película la directora china Chloé Zhao marca un estilo que se hace notar desde la primera escena. Contemplativa y pausada, va mostrando la fuerte relación que tiene Brady con los caballos, También somos participes indirectos de los rituales de los jinetes. Rodeado por una sociedad tosca y herida, pero con deseos de superación. El dolor que le genere a Brady no poder seguir montando, se muestra con la convincente actuación de Brady Jandreau. La directora captura momentos de una belleza y fuerza comparable con la frustración de Brady, con un realismos abrasivo, que aterrera y conmueve en momentos.

Basada en un libro escrito el Meg Wolitzer narra la historia de Joe Castleman, al que un día le avisan que será galardonado con el Premio Nobel de Literatura, se verán a la luz secretos y florecerán rencores. Estamos frente a una de las películas más conmovedoras y mejor actuadas del año, en donde Glenn Close ofrece una interpretación excelente y conmovedora que hace que la atención se mantenga solo en ella desde la primera escena. La historia se construye poco a poco, vamos vemos los conflictos internos y secretos de una familia que podría ser considerada perfecta, llena de sutilezas constantes e incluso un notorio humor negro. "The wife" muestra una imagen honesta de la vida de una mujer en una sociedad que ahora, por lo menos, intenta reconocerla y darle el derecho que se merece. Jonathan Pryce tampoco se queda sin mérito, ofrece una actuación de un hombre que puede ser el tipo con el que nadie quisiera conversar, pero a la vez interesante. La historia tiene un ritmo pausado al inicio, pero se torna más ágil y la historia toma cierto tono de suspenso, en donde nos van dando algunas piezas que nos llevaran a una conclusión final. Björn Runge, ha traído una historia contundente de amor, que encaja perfectamente con los temas y problemáticas actuales. No se pierdan esta película.

Lee Chang-Dong adapta una historia corta del reconocido autor japones Haruki Murakami, narra la historia de un joven egresado de la carrera de literatura (que trabaja como cargador), un día se rencuentra con Haimei, una vieja amiga que ahora trabaja en una tienda animadora , ella le pide que cuide a su gato, mientras hace un viaje. Allí conoce a Ben, un joven adinerado. La película comienza con una escena (filmada en un plano secuencia), allí nos presentan a Jongsung y Haimei. Podemos dividir a la película en dos partes: Comienza como un drama romántico, contando un tipo de triángulo amoroso entre Jongsung, Haimen y Ben. Para esto el espectador ya ha captado el halo de misterio que se acrecienta en la siguiente parte. Poco a poco los colores se van tornando oscuros. La película pasa del drama al suspenso. Podemos ver los verdaderos sentimientos y emociones de los personajes. Los celos, la posición social (tema que la película toma como referente para el desarrolo de los personajes) , el amor y el sexo impulsan el relato y dan nombre a esta hermosa y aterradora historia. Una obra maestra.

El director Paul Greengrass ya había demostrado su capacidad para poder contar sucesos reales con "Vuelo 93" y "Capitán Philips", pero con esta película se supera. Narra el violento atentado que cobró 77 vidas el 2011 en Noruega y las consecuencias directas en una familia y en el país. Comienza mostrando una secuencias muy violenta del atentado; con esta se marca el tono de la película. Los colores en la película varían entre grises, las actuaciones son expresivas y todo se mezcla con el ambiente tenso y sombrío que se vivió luego del atentado. No peca de sensacionalista y se mantiene seria, mostrando las consecuencias directas del atentado sobre un joven y su familia, la frustración que va creciendo en el y todas las consecuencias de esta. Además, también seguimos la historia de un abogado que se ve obligado a defender a el responsable del atentado. El conflicto moral que se plantea, los problemas que esto le acarrea, se ve representado de una manera realista y directa. Un magnifico docu-drama con una fuerza abrasiva.

Nicolas Cage es un actor que ha dado buenos y pésimos papeles, actuando en algunos dramas, películas de acción y comedias. Pero este año trajo el mejor de todo sus papeles con Mandy. Dirigida por Panos Cosmatos, cuenta la historia de una pareja que vive una vida apacible en un bosque, junto al Lago de Cristal (una referencia a Viernes 13), son brutalmente destrozados por un culto de hippies satánicos, que recuerdan a la horrorosa "familia" de Charles Manson, lo cual lleva Red una espiral de venganza enloquecida. Lo más notorio de la película, desde que vemos el poster es el uso del color. La primera parte es en una palabra, hermosa. Los colores y la ambientación musical, del fallecido compositor Jóhann Jóhannsson, crean un ambiente hipnótico y onírico, como si de una droga se tratase. De esta parte, seguro la mejor escena es el encuentro de Mandy con la secta, una bomba visual, perfectamente realizada y complementada con la música. La historia va avanzando y llegamos a la parte dos. Aquí es donde la locura se desata luego de un macabro evento. El ambiente se vuelve tenso y llegan las mejores escenas de la película. La interpretación de Nicolas Cage se vuelve aterradora y maniática. Las escenas de acción brillan por el excelente trabajo en el diseño de producción. La película logra emocionar, aterrar y encantar. Incita al espectador a ser parte de la locura y desmadre que va sucediendo en la pantalla, es grotesca, sangrienta y estilizada, alcanzando dimensiones épicas que se comparan con las descripciones de Lovecraft de sus imaginarios mundos. Panos Cosmatos ha creado una de las mejores películas de horror y acción de los últimos años.

El director francés Pascal Laugier creó una gran polémica el 2008 cuando presentó Mártires, una película que sorprendió por las escenas de violencia gráfica y dividió opiniones entre la crítica. Ahora conociendo sus antecedentes se esperaba un slasher que siga ese estilo de su anterior película, mostrando escenas muy gráficas de violencia, pero el director prefirió filmar una película en donde se habla de uno de los temas principales de este subgénero del terror: El papel de la mujer. Este género fue acusado de misoginia y sexista; en la mayoría de las películas el rol femenino es representado de una manera no políticamente correctas, acá Laugier hace un recuento de esté tema poniendo algunas metáforas que refuerzan el mensaje que se propone. Narra la historia de unas jóvenes que se mudan con su madre a un casa nueva, la primera noche un grupo de asesinos las **** sale de los parámetros del slasher contando una historia distinta con un giro al final. Una película aterradora, sin valerse de escenas extremadamente violentes, pero que coloca a Laugier como un director con un buen futuro.

La historia se sitúa en un futuro no muy lejano, en donde la mayoría de personas tienen alguna mejora tecnológica en sus cuerpos, Gray Trace es un de los pocos que no acepta esta idea. El es un mecánico casado con una trabajadora de una de las empresas que ofrecen estas mejoras al cuerpo. Blumhouse es la productora encargada de traer está película. Esta productora es conocida por financiar cintas de terror, la mayoría no de muy buena calidad, pero si hay algunas que sorprendieron, como Huye o la primera de Insidious. Leigh Whannell se encarga de dirigir esta cinta de ciencia ficción muy cargada de referencias a diversas cintas del género y a la literatura de ciencia ficción, especialmente a los libros Philip K. ****. La historia comienza cuando luego de un desafortunado suceso, Gray se ve obligado a usar un implante de una inteligencia artificial que le ayudara. El dilema de las inevitables consecuencias de la tecnología se plantea desde inicio de la película y va tomando forma a medida que esta avanza, mostrando que no es una película de ciencia ficción más sino que además ofrece algo más. La película se va convirtiendo en un cyberpunk, con una textura similar a la de Blade Runner u otras cintas del género, además es innegable el homenaje a Matrix en las escenas de acción, que por ciertos están muy bien filmadas. Leigh Whannell con esta cinta pone otra vez en discusión el controversial tema de la des-humanización de la tecnología en una cinta de ciencia ficción bien trabajada.

Un tópico recurrente en el cine "indie", es mostrar el proceso de maduración y trance de adolescencia a juventud. Un buen ejemplo es Lady Bird, la película del año pasado que dió a Greta Gerwing reconocimiento en diversos festivales, e incluso le valió cinco nominaciones a los Oscar. Allí Greta explora la historia de una joven en el último año de preparatoria y la tensa relación con su madre, allí la historia se maneja básicamente por las tensas conversaciones entre madre e hija; acá las actuaciones logran transmitir todo, solo vemos a Kayla en sus actividades cotidianas y nos identificamos con ella, compartiendo todas sus dudas y problemas. Elsie Fisher hace un gran trabajo interpretando a Kayla. Entra las películas de este estilo con temáticas similares, esta destaca por no quedarse en el cliché y contar la historia políticamente correcta, sino que además explora otras temáticas poco convencionales, pero igual de cruciales. Una película con un tinte cómico con una historia de aceptación, honesta y conmovedora. No se pierdan Eighth Grade.

Sebastian Lelio es uno de los realizadores latinoamericanos más importantes de esta época. Se hizo notar el 2013 con Gloria, pero el año pasado sorprendió con "Una mujer fantástica", la historia de Marina, una mujer transgenero que debe sobreponerse a las limitaciones, después de la muerte de su pareja. El hecho de que un director halla decidido tocar una temática,algo polémico, sobre todo en esta parte del mundo, y abogar por una comunidad es importante, y mucho más si lo hace bien. Lo más destacable es el guión de Rebecca Lenkiewicz, que se encargó de adaptar Ida (2013) ahora adapta Desobediencia, también un libro escrito por Naomi Alderman. Este, que se encuentra lleno de metáforas, como las pelucas que usa Esti, que puede significar como oculta su verdaderos sentimientos. Lo que se debe y lo que se quiere; unos de los temas principales de la película, los sentimientos y los deseos reprimidos. Está escrito con humanidad y fuerte realismo, rosando en partes la perfección. Separa y equilibra los temas que se propone, no se limita a contar con los clichés de este tipo de historias, sino que explora diversos temas y genera tensión en ciertas escneas, trayendo así una historia hermosa, que habla sobre la libertad, la sumisión la sexualidad y la fe. Aparte del guión lo mas destacable de esta cinta son las estupendas actuaciones. Ambas actrices ofrecen una excelente y conmovedora presentación. Desobediencia pone a Sebastián Lelio como uno de los mejores realizadores de nuestra época.

La película es selección oficial y compite en el Festival de Sitges 2018, se presentó en Sundance, donde fue galardonada con el premio a la realización excelente. Un mundo devastado por una extraña enfermedad que exterminó a todas las personas, en donde aparentemente, solo queda vivo un hombre que dice disfrutar de esa soledad, se ve "amenazado de compañía" cuando llega una segunda sobreviviente. Un dilema explorado en alguna películas, como Soy Leyenda del 2007, en donde un hombre queda "completamente" solo en el planeta, solo con la compañía de su perros e infectados de una extraña enfermedad que los convirtió en zombis. Acá no hay muertos vivientes que quieran comerse vivos al protagonista de la historia, interpretado magistralmente por Peter Dinklage, solo existe la soledad abrumadora que aparentemente el protagonista disfruta, pero que es puesta a prueba cuando conoce a Grace. Esta sensación de soledad se transmite al espectador con el ritmo de la película, algo lenta en partes, pero nunca llega aburrir. Las ideas que Del tiene sobre la sociedad y la compañía son negativas, pero a medida que la película avanza descubrimos que esta falta de humanidad y pensamiento del protagonista pueden cambiar. Nos presentan a Grace, interpretada por la entrañable Elle Fannig, una chica que también sobrevivió a la enfermedad. Es joven e ingenua, no llega a darse cuenta que la "libertad" conlleva más responsabilidades (cual tío Ben). El director con una poesía visual y un ritmo pausado toca temas como la soledad y la pérdida, llegando a equilibrar todos los temas que se propone. con el telón de una historia de ciencia ficción. I think We´re Alone Now, posiblemente no llegue atraer al público que busca algo más simple de una historia de ciencia ficción, pero si asombrará a aquel que tiene ganas de reflexionar.

Un estilo que ya fue visto antes en películas como Open Window, Eliminar amigo (un muy mal ejemplo de este estilo), que consiste en narrar la historia por medio de la pantalla de una computadora o teléfono. Cuenta una historia aparentemente simple: un hombre viuda en busca de su hija. La película se centra en la primera parte en presentarnos al personaje del padre, en los primeros minutos ya podemos tener una idea de que tipo de persona es. Luego la hija, una chica aparentemente normal que supo como superar la muerte de su madre. Pero a medida que la película avanza nos damos cuenta de que nada es lo que aparenta. Las redes sociales y el Internet han permitido que muchas personas lleven una vida doble, este discurso se plantea la película. Y también de como los medios de comunicación alteran y convierten ciertas noticias en espectáculos mediáticos . Podemos sentir la misma frustración del padre, su miedo. Luego la historia continua como un thriller en el poco a poco se van poniendo piezas, que nos llevan a sacar conclusiones. Pero siempre algo que termina sorprendiendo. La interpretación de John Cho es fenomenal y está a la altura de las exigencias de su papel. La película podría compararse con la magnifica Gone Girl, que explora un tema similar, pero desafortunadamente, el final, que no es malo, pero parece ser que el director no confía en nuestra capacidad de deducción, todo está muy dicho (literalmente). Pero sin embargo la película no deja de ser tensa, emocionante y muy entretenida.

Ya había demostrado su habilidad al dirigir animación stop motion, con "El fantástico Señor zorro". Pero en esta película se perfecciona. Siendo fiel a su estilo Wes Anderson crea un escenario muy detallistas, coloridos, que navegan entre blancos y amarillos pasteles. La película contiene escenas que no fueron dobladas de su lenguaje original, japones y voces de varios actores conocidos, por lo cual recomiendo ver la película en sus idiomas originales (inglés y japonés). Que no se confunda a esta película con la típica animación con la que estamos familiarizados. Es una hermosa historia de aventura con un tono cómico, que no es en lo absoluto la comedia de Disney y de otras películas animadas, sino algo más profunda y adulta (no en el mal sentido). Pero también tiene espacio para profundos momentos dramáticos. Junto con Henry Selick y Adam Eliot, Wes Anderson se merece ser catalogado como uno de los mejores directores de este estilo de animación.

La autobiografía de la directora, periodista, y documentalista Jennifer Fox es una de las películas más conmovedoras y fuertes del año, ya que la directora se atreve a contar el abuso sexual que sufrió a los 13 años. Mientras Jennifer trabajaba en un documental sobre victimas de abuso infantil, un día recibe una llamada de sus madre, alarmada, al encontrar una historia que escribió durante un verano. En ese tiempo ella vivía en un campamento de equitación, junto con tres jóvenes. La señora G, su entrenadora de equitación, una mujer disciplinada y guapa. El señor G, fue la "pareja" (como ella lo llamó durante mucho tiempo) de Jenny cuando ella tenia 13. La historia se construye poco a poca, los datos se van formando. Se acompaña con la interpretación de Laura Denn, que llega a conmover con más intensidad en la escena final. Elizabeth Debicki no se queda sin merito, también ofrece una interpretación muy bien lograda. Una forma novedosa de narrar una autobiografía, que se ayuda de la historia escrita por Jennifer a los 13. Puede que posiblemente la película incomode a ciertos públicos, perosi se observa con una visión seria notará las intenciones que guarda. No pasen por alto The Tale, una de las mejores películas del año

A24, a dado gratas sorpresas en la sección de producciones independientes. Este año trae Hereditary, una joya del horror moderno de la que escribiré en un futuro. Y el año pasado Lady Bird, la historia de una chica rebelde y terca y su proceso de maduración. Pero ahora es distinto, un adolescente consigue un trabajo de verano trabajando para un entrenador de caballos y se hace amigo del caballo de carreras, Lean on Pete. La historia se va construyendo poco a poco y de los que parece ser un simple drama, el director termina sacando una historia mucho más desarrollada. La actuación de Charlie Plummer de 18 años, como Charley de 16 está genial. Las emociones que transmiten Charlie, junto con el montaje y la fotografía son genuinas. La película llega a conmover y emocionar. Es un retrato hermoso de la vida de un joven y como afronta diversos infortunios. No llega a caer en efectismos y se mantiene sobria. Una de las mejores propuestas independientes del año. Muestra a una sociedad triste y el sueño americano. Como Charley se va formando experimentando lo peor que le puede suceder a un chico de su edad, las decisiones que tiene que tomar y a que le conducen.

Neil Gaiman es uno de los escritores más prodigiosos del género fantástico. Coraline adaptado el 2009 y el 2017 American Gods, una serie producida por Amazon. Ahora de la mano de John Cameron Mitchell trae la historia de un grupo de chicos punk que un día de fiesta se encuentran con unos extraterrestres. Enn, interpretado magistralmente por Alex Sharp, se enamora de Zan, , una chica perteneciente a una de las colonias extraterrestres. La historia de Gaiman sirve como marco, ya que solo es la primera parte de la película Lo más notorio en la película es el estilo visual. John Cameron Mitchell ya había trabajado en una película similar el 2001 con Hedwig and the Angry Inch. Un estilo que recuerda al musical clásico The Rocky Horror Picture Show. Esta puede ser considerada una película rara para el público que va en busca de una típica comedia romántica. Pero aquellos que hayan disfrutado del trabajo anterior de este director o les guste The Rocky Horror Picture Show seguramente también la disfrutarán. El problema de esta película es que no define un discurso principal. Trata de tocar varios temas y no trabaja bien uno solo. Pero sin embargo es una película entretenida, colorida, hilarante y muy bien actuada.

El guionista de Taxi Driver y Toro Salvaje, fiel al estilo de sus anteriores trabajos, Paul Schrader, que ahora se encarga del guión y la dirección, junto con A24 (una gran productora de cine independiente). En Taxi Driver teníamos a Travis, un excombatiente de la guerra en Vietnam que al ver lo oscura y perversa que era su ciudad decide "limpiarla" por su cuenta. Ahora se nos presenta a Toller, que perdió a su hijo en la guerra y ahora es el sacerdote de una pequeña iglesia en una parte de Nueva York. Las preocupaciones y todo el dolor que Toller carga se demuestra en el montaje y fotografía, que se inclina a colores blancos y grises, que bien podrían representar la desesperación por los problemas que lo aquejan que abruman a Toller. Pero también hay espacio para colores más oscuros. La película aprovecha de una manera magnifica todos los elementos cinematográficos y así sabe como crear ambientes valiéndose solo del la iluminación y fotografía, en su mayor parte sin música. Escenas con elementos surrealistas se usan como metáforas que refuerzan el tono de la historia .Pero aparte de la fotografía la interpretación de Ethan Hawke como Toller es conmovedora y convincente. Paul Schrader a filmado una película conmovedora y honesta

La emoción más antigua y más intensa de la humanidad es el miedo, y el más antiguo y más intenso de los miedos es el miedo a lo desconocido. Con esta frase de H. P. Lovecraft, escritor que cimentó las bases del terror cósmico, comienza esta película que guarda mucha similitud con los libros del mencionado autor. Narra la historia de dos hermanos, que después de recibir una cinta de vídeo, vuelven a una secta de la que escaparon hace años. Lo característico en las obras de Lovecraft es el miedo a algo o alguien, un ser omnipresente y con un poder absoluto. Como "En las montañas de la locura", historia que inspiró a "La cosa", una magnifica película de terror. Ahora con una historia muy compleja y un presupuesto muy bajo, el cineasta Justin Benson, logró plasmar de una manera magistral la esencia de la obra de Lovecraft en una película con un gran logro artístico, que se ve acompañado con excelentes actuaciones y efectos respetables para una producción independiente. A diferencia de las mayoría de películas de terror, El infinito, sale de los parámetros de las películas de terror y muestra de una manera magnifica que este género aún puede dar buenos resultados. Como lo hizo "Huye", el año pasado o "La bruja". Una de las mejores películas de terror y ciencia ficción del año

La película comienza aclarando que todo lo que vamos a ver no refleja la postura de ningún partido político, pero claro, este termina siendo un aviso inútil que se termina contradiciendo con escenas que reflejan de una magnifica manera la realidad que los inmigrantes viven. Nos presentan a Toni, un libanés cristiano, muy apegado a su ideología, que tiene una esposa gestante con un fuerte odio que se reanima cuando conoce a Yasser, un refugiado palestino que trabaja para una constructora. La película maneja un ritmo tenso y tiene interpretaciones muy bien logradas. Es una historia que insta a la reconciliación cultural, nacional, religiosa. Honesta. Con una intención clara que no deja insatisfecho ni indiferente a nadie y muestra, por medio de la historia la situación que se vive en el medio oriente.

Con una premisa que recuerda a Taxi Driver, la película se narra de forma lineal, pero para mostrarnos al personaje de Joe, se vale del uso de "flashbacks", que reflejan el estado mental en que el se encuentra a causa de todo lo vivido en la guerra, los abusos que sufrió de niño y todo lo que vio en el mundo de la trata de personas, un recurso bien utilizado . Al igual que Taxi Driver la película maneja el estilo del cine negro. Con una fotografía y un buen uso de colores la directora crea escenas con un gran impacto visual y con simbolismos. La actuación que le valió a el premio a mejor actor en la pasada edición del Festival de Cannes, es excepcional, logrando meterse completamente en el personaje atormentado y sombrío que tiene que representar. La película logra sacar la esencia de Taxi Driver y así crear escenas de gran logro estilístico.

Lo característico en la filmografía de este director japones es contar historias familiares (que no se confunda el termino familiar con el género familiar), pero en esta ocasión opta por narrar un policial negro, que no cumple exactamente con los parámetros visuales que identifican a este género, pero con un estilo de autor bien marcado que sabe como generar ambientes valiéndose de todas las herramientas cinematográficas. Como ya mencioné al inicio, la película no cumple con los parámetros visuales característicos del policial negro. Pero sin embargo hay escenas muy bien logradas como las de los interrogatorios finales o la escena antecesora al juicio. Tal vez el final no llegue a agradar a muchos, pero es sin duda alguna una gran maravilla. Todas esto se complementa con la excelente música.

La película cuenta con elementos reales y ficticios (como las cuerdas que todas las "brujas" tienen amarradas, para evitar que se conviertan en cabras), que sirve para representar la sumisión y resistencia a humillaciones por ignorancia de parte de todas estas personas. Este se demuestra en diversas escenas. Pero sin duda la mejor lograda es una secuencia de imágenes de un árbol por las diversas estaciones. The whole movie is very loaded with symbolism and metaphors. The director, originally from Zambia (where the story unfolds), captures powerful images that are complemented by a montage with a contemplative style. The film is allowed to use an absurd humor that complements the already absurd idea, by which certain women are called witches. A must-see movie